Ambientada en la década de los 60, La Duda ve la luz en 2008, año en que las certezas son apenas añoranzas. Los personajes que integran el film son la consecuencia del tiempo en el que les tocó vivir. La Hermana Aloysius (mostrando la destacable actuación de Meryl Streep) representa la disciplina religiosa europea, el orden, la astucia y sobretodo la rígida virtud. El Padre Flynn, por el contrario, es hombre en apariencia alegre y comprensivo, consciente de que la educación religiosa tiene que adecuarse a la nueva era y frenar su impulso opresivo. Las circunstancias que determinan la trama del film no dejan de ser ajenas al verdadero mensaje de la película. El mundo se está desmoronando a mediados del siglo XX y la lucha interna por mantener los valores y la fe es cada vez mayor motivo de angustia. Los roles sociales formulados se desdibujan debido a la cultura y su avance, dentro de una institución como lo es la iglesia, Aloysius se encuentra con las debilidades del espíritu que sólo la verdadera fe y entrega pueden combatir. Con una música de fondo apenas perceptible el espectador es testigo de la intimidad de los personajes y entiende que lo más importante no reside en evitar una violación o conflicto racial o en tener la razón y querer alejar al mal del mundo, sino en comprender que detrás de toda escenografía, desde el ser que se abandona y desnuda, la duda es la frontera entre el hombre y su existencia.
Film compuesto por un excelente guión, buenas actuaciones, pero es necesario agregar que pese a todo no alcanza el clímax. Falta emoción.

Debo decir que cometí un error: ver la segunda parte antes que la primera. No sé de qué va La Mosca I pero, por lo que leo, es mucho mejor que esta; lo que intuyo es que explica muchas cosas que aquí se dan por hechas. El film tiene un aire de que entienda el que pueda, a. k. a. no hay mucho qué entender porque todo se lo sacaron un poco de la manga. Si su objetivo es entretener y sorprender un poco, lo logra. Los efectos para cerrar la década de los ochenta del siglo veinte son respetables, dan un poco de risa pero también evocan un sentimiento de lo grotesco, una violencia que por mantener cierta distancia con el realismo abre interrogantes más que despertar un sentimiento oscuro. Es interesante el tema de un ser que nace condenado a ser objeto de observación científica, que además padece una enfermedad extrañísima y luce de 25 años cuando apenas cumple 5, y que poco a poco lucha por alcanzar su libertad (por dejar de ser vigilado del otro lado de un cristal) mientras va metamorfoseándose en una criatura insectoide ante la que cualquier humano sentiría repulsión; pero el hecho de que el tratamiento de la trama sea bastante superficial, por no decir absurdo, le resta puntos. Al final ocupa lugar entre esas películas domingueras, accidentales, dignas de ser proyectadas en días de lluvia, en horas de poca exigencia.

Una pareja viaja a Fåro, isla sueca, con la intención de hacer cine y presentarlo (Tim Roth y Vicky Krieps). Vemos la isla donde Bergman grabó sus mejores películas convertida en un parque de atracciones: la suite Bergman, el safari Bergman, la sala de la casa donde veía películas ahora solo reproduce sus películas para un público de admiradores desconocidos. Pese a ciertos destellos cómicos, el film es suave y nos deja contemplar en calma esa isla sueca que al parecer ha inspirado tantas rupturas. Tiene un buen soundtrack. Los temas más relevantes de la película: el proceso creativo (su continuidad y estancamiento), el amor (encuentros y desencuentros), la pasión y la crueldad (sin violencia, a diferencia de lo que se sabe del director sueco y su biografía). Esa necesidad de decir de algún modo eso que no podemos decirle a nuestras personas más cercanas. Todo en un tono de "fría tristeza". Y repleto de guiños a la vida contradictoria del director de cine sueco. Esto lo logra, es divertido burlarse, lo hacen los personajes principales y también esos personajes que Vicky crea en su guión (estructura en abismo a medias interesante). En suma, un caldo de cultivo para los snobs de este siglo, con mucho viento, bifurcaciones, bicicletas y un mar interior y exterior que no nos deja indiferentes con sus movimientos.

Una historia de amor, hasta que Bergman los separe

Hay belleza de inicio a fin. Vicky Krieps mis respetos. Y su estructura compleja nos recuerda que hay momentos en la vida que son rompecabezas que no queremos ver armados, es más, haríamos lo que sea: revolver las piezas, mezclarlas con piezas de otros rompecabezas imposibles, perderlas, cualquier cosa con tal de no quedarnos a solas contemplando ese cuadro-imagen que altera el sentido de nuestra vida de un modo insoportable. La volvería a ver. Me hizo recordar la imagen mental de un vaso a punto de caer de un borde, tocado por la luz de un día hermoso.

A diferencia de otras opiniones, no me parece que El hombre de los hongos esté entre las mejores novelas de Sergio Galindo. Pese a las bellas ilustraciones de Leticia Tarragó de la edición de Joaquín Mortiz, no encontré la fuerza poética de otras de sus piezas narrativas (Polvos de arroz, Declive y, en otro género, con sus cuentos). De eso a decir que él no tiene un estilo propio y que la novela en cuestión es un pastiche y plagio de una idea o trama de Emilio Carballido (como leí en otra reseña de esta comunidad) hay una gran distancia. Me atrevo a decir que es un despropósito. La novela, como la adaptación de la película de Gavaldón, reúne varias obsesiones del autor: la inocencia de la infancia y el afecto entrañable entre dos niños, el deseo no correspondido, la familia y su poder opresor, así como la fatalidad como consecuencia de una felicidad frustrada por las circunstancias. Sí tiene un estilo y de hecho es un experimento inusual en la trayectoria de Galindo. La película me pareció menos ambigua que el libro, más dispuesta a encontrar explicaciones a lo que sugiere la trama de la novela, ese en parte es su defecto: señala de forma evidente los símbolos. Además hay algo inquietante y artificioso en las miradas de los actores, pese a la buena elección de la escena que abre y la que cierra la película, los gestos dirigidos por el director no corresponden a la atmósfera literaria y esto crea una distancia difícil entre el espectador y el film. Pese a ello, ciertos momentos místicos, una música invasiva pero vital, la presencia de la pantera y la locación así como el esfuerzo teatral por adaptar una época mexicana donde aún había carretas, velas, vestidos y peinados que estorban aunque lucen, hacen de la película una rareza que vale la pena ver. Además el viaje provocado por los hongos alucinógenos que prueban Gaspar y Emma es traducido en lenguaje cinematográfico de una forma curiosa que nos informa de los efectos propios de la época del cine de los setenta en México.