¿Se puede contar una historia olvidándose por completo del argumento y centrándose únicamente en el desarrollo de un personaje? Esta película lo logra a la perfección. Pero no solo lo hace, sino que también predice la reacción de gran parte del público ante el viaje de Arthur tras los eventos ocurridos en Joker (2019).

Uno de los puntos más fuertes de la cinta es su dirección. La fotografía es preciosa y cuidada hasta el más mínimo detalle. Todd Phillips demuestra ser un verdadero maestro al crear imágenes que te dejan sin aliento. Estéticamente, cada fotograma podría ser un póster que representara la película. Su impacto visual es tan seductor y suave como un exquisito corte de carne de Kobe.

Los personajes están interpretados magistralmente. Joaquin Phoenix se sumerge completamente en el papel de Arthur, logrando un retrato conmovedor, deprimente y lúgubre. Por otro lado, Lady Gaga sorprende con una doble interpretación: por un lado, como "Harley Quinn", quien devuelve el sentido a la vida de Arthur, y por otro, como Lee Quinzel, un personaje que representa la reacción del público ante la evolución del protagonista.

Los números musicales están integrados de manera impecable a lo largo del metraje. Cabe mencionar que, personalmente, detesto los musicales. Me resulta insoportable cuando, ante cualquier trivialidad, los personajes rompen a cantar y bailar. Sin embargo, aquí estas intervenciones funcionan. Son fruto de la imaginación fragmentada de Arthur, por lo que solo él y Harley cantan y bailan, compartiendo una locura que los une. El resto de los personajes los observan con extrañeza, reflejando cómo Arthur imagina que el mundo lo percibe: con miradas de juicio y desconcierto. Aunque no son números especialmente memorables, cumplen con su función de adentrarnos en la mente rota del protagonista.

Heretic es uno de esos fenómenos que suceden muy pocas veces a lo largo de un año. Un muy buen ejemplo de una categoría de guion que me gusta llamar "Guiones Eficientes". Son historias que, a la vez que interesantes, se pueden realizar con un presupuesto relativamente ajustado, muchas veces usando un par de localizaciones (Saw, 12 hombres sin piedad, pi de Aronofsky son claros ejemplos de este tipo de guiones).

Scott Beck y Bryan Woods desarrollan de una manera muy inteligente y sencilla una premisa compleja, sobre todo en los dos primeros tercios de la película: la fe como propósito individual y como propósito colectivo. En el último tercio parece que pierden en varias instancias el "control" sobre el desarrollo y, aunque en un par de ellas consiguen recuperarlo de manera bastante satisfactoria, entiendo que pueda provocar a gran parte de la audiencia la sensación de que el final se desinfla.

Pero, realmente, estaba destinado a ser así. Los dos primeros tercios son redondos, pero llevan al último tercio a un punto del cual es muy complicado avanzar sin tomarse ciertas licencias. Afortunadamente, y aunque no mantienen el gran nivel, tampoco se desploman. Simplemente son buenos momentos que siguen a momentos geniales. Es como comparar el Monopoly original con el de Disney. El de Disney está bien, pero no hay nada como comprar el Paseo del Prado y el de la Castellana y hacer hoteles allí.

Una de las ventajas de tener un guion tan eficiente es poder contar con talento un poco más establecido (y con "más establecido" me refiero a más caro de pagar). El dinero que normalmente hubiese ido a la construcción de sets se puede usar para atraer a estrellas. El largo tiempo necesario para preparar cada toma en una producción con un gran número de localizaciones normalmente echa para atrás a este tipo de actores y actrices (más días de rodaje, menos días para dedicarse a otros proyectos). Pero en este caso, al limitarse a tres localizaciones por las que se mueve Hugh Grant, este tiempo se recorta para él. Con un rodaje de un mes y trece días de duración, es un caramelito. Probablemente, sus escenas se pudieron grabar en menos de un mes, dejando que las escenas de exterior y otras localizaciones, en las que él no sale, no afectaran a su valioso tiempo.

¡Y vaya si el tiempo de Hugh Grant es valioso! Solo se puede decir que está inmenso, menudo clinic en actuación. Es un villano convincente y aterrador, pero consigue hacer que a la audiencia le importe. Quieres que las chicas, interpretadas maravillosamente por Sophie Thatcher y Chloe East, escapen de este maníaco, por supuesto... pero también quieres que este maníaco consiga cambiar el punto de vista de las jóvenes.

Hablando de Thatcher y East, esta ha sido su gran oportunidad de mostrar lo que saben hacer, y vaya si la han aprovechado. Espero verlas en futuros proyectos en papeles principales otra vez, porque ya han demostrado que pueden mantener el nivel de un Hugh Grant que da lo mejor de sí.

La conclusión de la critica está en la sección de spoilers. No hay spoilers directos del final, aunque lo menciono para indicar el efecto que tiene. No digo como acaba, pero por alguna razón me han obligado en la revisión a ponerlo en esa sección.

Es una gran película, una muy buena historia con una carga emocional brutal. Es un Drama con mayúsculas, Familiar, Romántico, Personal e incluso Culinario. Todo son capas de una misma cebolla cuyo único objetivo no es dar sabor y textura a un plato exquisito, sino más bien estimular las glándulas lacrimógenas de quien la corta, o en este caso de quien la ve.

Hay pocos puntos negativos que darle a esta cinta. Me parece irrisorio que haya un grupo de críticos que dicen que la química es nula entre Pugh y Garfield, pero luego muchos otros dicen que ellos dos son los que llevan la historia a otro nivel. Supongo que uno de esos dos grupos se le daba mejor la Física en el instituto. Yo soy de los que cree que tienen buena química y su relación es bastante natural y creíble... pero he de decir que a mí lo que mejor se me daba era el recreo, así que...

Quizás lo único que se me ocurre que pueda confundir al espectador es el uso de tanto salto temporal. No he perdido el tiempo, ni lo voy a perder demasiado en pararme a pensar como afectaría a la película un estilo más lineal a la hora de contar la historia. Todo lo que se me está ocurriendo ahora lo escribiré a continuación en la sección de spoilers:

Creo que este es el ejemplo del 7 más 7 en la historia de los sietes. Robert Eggers nos trae este remake del "plagio" de Murnau a la novela de Bram Stoker. Es una actualización muy digna de la historia. Mejora en muchos aspectos su disfrute en comparación con la original, que personalmente me parece un bodrio infumable (aunque su valor histórico sea innegable). El director es capaz de crear un viaje estético maravilloso con unas imágenes y una ambientación espectaculares.

Lamentablemente, la historia tiene las limitaciones que, al ser su remake, también tenía la original. Adolece de una falta de ritmo evidente en ciertas partes que pueden llegar a adormecer. Además si la película de 1922 ya se hacía larga con solo 90 minutos de metraje (buena parte de los cuales son texto... mucho texto), esta, con más de dos horas de duración no es que se pase volando, precisamente.

Uno de los puntos que también distraían de la versión de Murnau era lo sobreactuados que estaban todos los personajes (salvo por la excepción del Conde Orlok). Esto era algo propio del cine mudo de la época, que en mi opinión ha envejecido mal. En este sentido, esta versión mejora. La actuación de sus personajes es muy natural, a excepción de Ellen.

Lily-Rose Depp lleva la sobreactuación a niveles máximos. Su personaje abusa de un lenguaje irreal incluso para la época en la que se sitúa la historia que puede llegar a resultar cansino. Además, el guion solo le permite desarrollar un único registro interpretativo, lo que limita enormemente su actuación. Es el único personaje de toda la película que actúa como si estuviese en una obra de teatro, es un poco demasiado "intensita".

El Conde Orlok... ese bigote que lleva... ¡que desastre! Una de las pocas cosas que hacía bien la versión de Murnau era la caracterización del Conde Orlok, interpretado por Max Schreck, pero aquí deciden añadirle ese bigotito ridículo. Por otro lado, me encanta como juegan con las sombras para no mostrar al vampiro durante las primeras escenas en las que aparece... pero en cuanto lo enfocan bien iluminado, y se aprecia claramente su apariencia pierde todo el aura.

Bill Skarsgård interpreta a Orlok con kilos de prostéticos y maquillaje encima como si de un fumador con EPOC se tratase. Consigue generar grima con sus movimientos lentos, su respiración y la manera en la que absorbe la sangre de sus victimas, que es cuanto menos perturbadora. Para mi gusto, habla demasiado. Tiene demasiadas líneas de dialogo que le restan misticismo. Al personaje le vendría como "diente al cuello" decir menos y hacer más, dejando que sus silencios y gestos hablen por si mismos.

Nicholas Hoult, que interpreta a Hutter consigue transmitir a la perfección con sus expresiones faciales el horror al que se enfrenta a lo largo de toda la película. Sin embargo, para ser justos, tampoco hace mucho más. Su papel se limita reaccionar a los eventos que suceden a su alrededor, sin intervenir activamente en cambiarlos.

Ralph Ineson y Dafoe deslumbran como el dúo medico y se complementan de manera brillante. Su química es uno de los puntos fuertes de la cinta. Aaron Taylor-Johnson, junto a Ema Corrin pasan sin pena ni gloria, salvo por un par de momentos inolvidables (e impactantes) que ofrecen en los compases finales. Simon McBurney, está inmenso interpretando la locura de Herr Knock. Logrando que su personaje sea una auténtica montaña rusa.

En definitiva, Robert Eggers consigue, como en casi toda su filmografía, crear imágenes bellísimas con una estética cuidada al milímetro en una escena, para luego mostrar el momento más desagradable e incómodo en la escena siguiente. Es un maestro en conseguir que el espectador pase de no poder despegar los ojos de la pantalla, embobado, a tener que mirar hacia otro lado, asqueado, en cuestión de segundos. Toda la secuencia del carruaje puede ser, sin lugar a dudas, la mejor de todo el año: Una auténtica delicia sensorial.

Seamos sinceros, en la última década ha habido un boom de biopics musicales que roza lo enfermizo. Desde Bohemian Rapsody, todo aquel grupo, individuo, animal o planta que haya alguna vez tocado un instrumento musical o cantado una canción, tiene su largometraje donde se narran los momentos más importantes de sus vidas. Elvis, Whitney Houston, Amy Winehouse, Elton John, Judy Garland, Robbie Williams...

No me he visto ni el 10% y la verdad que me he visto Un Completo Desconocido porque la otra opción posible que tenía era Capitán América. Nunca podría haber imaginado lo que me alegra haber tomado esa decisión. Que decir que Bob Dylan nunca ha sido un músico al que le haya prestado demasiada atención. Que si, que Blowing in the wind y Knockin on Heaven's door son obras maestras y por supuesto que me las he puesto más de una vez en bucle, pero más allá de esas Bobby siempre lo había considerado el artista que les gustaba a mis padres.

Como comprenderéis, al entrar yo en el cine baje bastante la media de edad de la sala... sí, la sala estaba bastante llena. Pero no os confundáis, porque se me pusieron los pelos de punta igual, o incluso más que mis compañeros de visionado. ¿Qué quiero decir con esto? pensaréis... Simple: Si para alguien que Bob Dylan no es más que un lejano nombre al que nunca le ha prestado demasiada atención... y aún así esta película ha conseguido pegarme al asiento, que me saltase alguna que otra lagrima y que al salir del cine, añadiese 5 o 6 canciones del susodicho a mi lista de spotify es que hace muchas cosas muy bien.

Timothée está a un nivel superior. Que pasada. No he visto aún The Brutalist y sin haber visto ninguna de esas dos películas ya predije que Brody ganaría el Oscar, porque por diseño era un papel hecho y manufacturado para ganarlo... pero viendo el viaje de Chalamet para interpretar a Dylan y lo que decían sus compañeros de él, me parece una injusticia tremenda. Es una actuación que eleva la película... él es la película.