Suele ser habitual en el cine británico realizar películas de carácter realista y con un trasfondo de denuncia social. Directores que han abordado en sus obras la realidad británica de una u otra forma son Ken Loach, Mike Leigh o Stephen Frears entre otros. La obra de Shane Meadows encaja perfectamente con este tipo de cine. Ya con su anterior largometraje This is England (2006), nos contaba una historia de skin Heads ambientada en los años más duros del gobierno Tatcher. Ahora en su ultimo filme nos propone otra historia que se desarrolla en un barrio de la periferia de Londres.
Sommer Town, realizada en el 2008, nos narra la historia de dos adolescentes. Tommo es ingles y se ha escapado de su casa en el norte del país. Marek es inmigrante, polaco para ser exactos, y vive en compañía de su padre en un barrio al norte de Londres, Sommers Town. Ambos traban amistad tras una pequeña escaramuza con unos gamberros y Marek acoge en su casa a Tommo sin que el padre de este se entere. A partir de este momento pasarán juntos el mejor verano de sus vidas, descubriendo el amor, la amistad y la solidaridad y huyendo de la soledad de sus vidas.
Sommers Town refleja de una forma amable y con tono de comedia la realidad de los suburbios de las grandes ciudades. La soledad y el desarraigo de los protagonistas provocarán que se creen lazos afectivos entre ellos que serán el motor de todo el filme. El guión está realizado por un colaborador habitual de Meadows, Paul Fraser, y en el se combinan perfectamente los elementos dramáticos y los de comedia. La película en principio estaba prevista como si fuera un cortometraje pero finalmente tras ir poco a poco añadiendo ideas, se convirtió en un largometraje aunque de tan solo 75 minutos de duración. La fotografía realizada por Natasha Braier está practicamente rodada en blanco y negro, en perfecta consonancia con la vida gris que se vive en el barrio en el que se desarrolla el filme. La banda sonora de corte intimista corre a cargo de Gavin Clark y Ted Barnes, componentes del grupo de música alternativa y folk Clayhill. Este grupo ya realizó algunas canciones para anteriores trabajos de Meadows, en especial una versión de la canción de The Smiths Please, Please, Please Let Me Get What I Want para la cinta This is England. Los dos actores principales están estupendos, destacando el actor Thomas Turgoose en el papel de Tommo. Turgoose fue también el actor principal de This is England y tuvo ya un reconocimiento por ese trabajo en la crítica.
En resumen diría que Sommers Town es una estupenda película con dosis adecuadas de cine social, comedia y drama. Una cinta que reivindica valores que se pierden en nuestra sociedad, sobre todo en la soledad de las grandes ciudades.

The Fall, El Sueño De Alexandria está dirigida por el director indio Tarsem Singh. Este director es un realizador consagrado en el mundo de la publicidad y el videoclip, hecho que sin duda se nota en la puesta en escena de sus películas. Su primera obra fue una mediocre cinta titulada La Celda (The Cell, 2000) pero que destacaba por sugerentes escenas que resultaban impresionantes intentado retratar la mente de un psico-killer. The Fall es su segunda obra y nos propone sumergirnos en otro mundo imaginario visto por los ojos de una niña. Ambientada en los años veinte, nos cuenta la historia de Alexandria, una niña inmigrante ingresada en una clínica por un accidente que ha sufrido trabajando en los campos de naranjas de California. Allí conoce a Roy, un joven especialista de cine que está inválido tras caer en el rodaje de una escena. Roy está enamorado de la actriz protagonista del filme pero al no ser correspondido rueda una escena suicida que le produce el fatal accidente. Roy y Alexandria se evadirán juntos de la cruda realidad que les rodea por medio de historias extraordinarias que les transportaran a lugares lejanos.
Con esta premisa en forma de cuento mezclado con realidad, Tarsem nos propone un viaje fantástico donde el poder de las imágenes están muy por encima de la historia que nos cuenta. Con una puesta en escena espectacular y preciosista el director nos sorprende con escenas rodadas a lo largo de dieciocho países y sin ningún efecto de ordenador. Tardó más de cuatro años en terminar el filme, lo que da idea de la minuciosidad con la que todos los detalles están tratados. A lo largo de toda la película se observan homenajes al cine más primigenio así como a las pinturas surrealistas. Como no podía ser de otra manera, la fotografía realizada por Colin Watkinson es uno de los puntos fuertes de la obra, destacando las escenas que se desarrollan en los paisajes desérticos en tonos ocres. Otro de los aspectos en los que destaca en sobremanera el filme es en el vestuario, creado por la aclamada diseñadora japonesa Eiko Ishioka. El guión está realizado por el propio director junto a Dan Gilroy y Nico Soultanakis. No se trata de una historia original sino de un remake de una película húngara Yo Ho Ho de 1981. La banda sonora es una partitura de Krishna Levy aunque su tema estrella es el espectacular segundo movimiento de la séptima sinfonía de Beethoven. Los actores están todos correctos en sus papeles destacando quizás la niña que hace de Alexandria, Catinca Untaru, que realiza un estupendo trabajo.
Tarsem con The Fall nos propone una sinfonía visual en la que enlaza los cuentos, el cine de acción, el desamor y la soledad. Si no accedemos a sumergirnos en su propuesta, nos parecerá hueca y tediosa. Si nos dejamos llevar por su ritmo y entramos al trapo con lo que nos propone, disfrutaremos de una de las películas más hermosamente rodada de los últimos tiempos.

The Wrestler narra la historia de un veterano luchador de wrestling o lucha americana que tras un pasado exitoso en la década de los ochenta, sobrevive veinte años después con peleas semiprofesionales los fines de semana y con un trabajo en un supermercado de lunes a viernes. Randy "The Ram" Robison, que así se llama el protagonista, se encuentra ya en el ocaso de su carrera como luchador, pero aun así mantiene la esperanza de relanzarla de nuevo. Pero después uno de los combates en los que participa sufre un ataque al corazón lo que le obliga a plantearse su retirada.
Aronofsky vuelve a utilizar la formula de Réquiem Por Un Sueño para retratar la vida de este luchador fracasado, una realidad cruda y el reverso del american dream. El director nos muestra la realidad del espectáculo de la lucha americana lejos de las cámaras de televisión y de los grandes recintos. Un mundo sórdido, donde los luchadores realizan un espectáculo grotesco y cruel para satisfacer las ansias de violencia del publico. La cinta nos muestra esa América oculta, que sobrevive en caravanas y barrios prefabricados, que se emborracha y se droga en tugurios. Lejos de esa sociedad enfocada a la opulencia y al consumismo que nos suele retratar el mundo del cine y la televisión. Aronofsky pone la cámara sin juzgar ni edulcorar la realidad, no hay redención ni segundas oportunidades, tan solo refleja los hechos con la lógica de la cruda existencia de los personajes.
Micky Rourke hace un trabajo espléndido como Randy "The Ram" Robison y no es de extrañar el aluvión de nominaciones y premios que ha tenido. Cierto que el papel le viene como un guante, solo hay que repasar la vida del actor para darse cuenta de ello. Además físicamente lo hace más creíble con ese cuerpo acartonado y envejecido que tiene de ex-boxeador. Marisa Tomei también está espectacular como bailarina de striptease amiga de Randy. En la banda sonora se pueden escuchar míticas canciones de hard rock de los ochenta, época añorada por el protagonista, de Quiet Riot, Accept o Guns n' Roses y una estupenda canción de Bruce Springsteen en los títulos de crédito finales.
The Wrestler es otro ejemplo más de obras que nos muestran los losers y las miserias de la sociedad americana pero que perfectamente se puede trasladar ya a cualquier sociedad actual.

Pelham, Uno, Dos, Tres nos cuenta la historia del secuestro de un tren en el metro de Nueva York por una banda organizada de criminales. La exigencia de estos, es la entrega de un millón de dolares en el plazo máximo de una hora. Sino es así, irán ejecutando a los rehenes uno a uno hasta que se les entregue el dinero. La seguridad del metro y la policía de Nueva York se encargarán de negociar con los secuestradores para evitar la tragedia.
La película fue dirigida por Joseph Sargent, un reputado director proveniente de la televisión como muchos directores por esa época. Esta película se convirtió sin ninguna duda en la mejor de su carrera dirigiéndola con buen pulso narrativo, como corresponde a una cinta de sus características. En el filme destacan su acción trepidante y su trama bien dispuesta. Culpa de esto la tiene el excelente montaje que realizó Gerald Greenberg y el milimétrico guión que compuso Peter Stone, basado en el bestseller del mismo titulo scrito por John Godey. La cinta también cuenta con una excelente banda sonora de David Shire y una sobresaliente fotografía de las entrañas del suburbano de Owen Roizman. Los actores son una lista de grandes interpretes de la época como Walter Matthau, Robert Shaw, Martin Balsam o Hector Elizondo, perfectoscada uno en sus papeles.
Pelham, Uno, Dos, Tres es un ejemplo de cine de los setenta del que muchos directores actuales son deudores. El más claro homenaje lo hace Tarantino cuando en Reservoir Dogs pone a sus personajes seudónimos con los colores. En Pelham, Uno, Dos, Tres los cuatro secuestradores utilizan los motes de señor azul, señor gris, señor marrón y señor verde. Está previsto el estreno este verano de un remake realizado por Tony Scott e interpretado por Denzel Washington y John Travolta. Tengo dudas que puedan superar esta estupenda película, pero en el cine todo es posible, ¿no?.

Robert Mulligan es uno de esos primeros directores junto con Sidney Lumet o John Frankenheimer que dio el salto al cine a través de la televisión. Entre sus obras más destacadas destacan la oscarizada Matar a un ruiseñor de 1962, La noche de los Gigantes de 1969 o Verano del 42 de 1971. En toda su filmografía destacan su manera depurada y clásica de rodar, la creación de atmósferas cerradas, y el trasfondo psicológico que poseen todos sus personajes. La importancia de la infancia y la adolescencia es palpable en sus obras, usando este universo como motor de algunas de sus películas. Entre ellas, destaca por su complejidad y riesgo la cinta El Otro, estrenada en 1972.
El Otro es un filme de terror psicológico acorde con la moda de esos años, donde brillaban obras como como La semilla del diablo o El Exorcista. El terror que produce el filme no viene dado por efectos especiales o sustos repentinos, sino por su atmósfera densa y por el desasosiego que produce ir descubriendo la verdad a lo largo de la trama. La fotografía colorista y luminosa de Robert L. Surtees proporciona un ambiente bucólico aunque opresivo a la cinta. La música de Jerry Goldsmith es el complemento perfecto para mantener la tensión de cada fotograma. El guión, escrito por Tom Tryon y adaptado de su propia novela, es un alarde de habilidad técnica para mostrarnos poco a poco la realidad sin caer en las trampas habituales de este tipo de obras. El elenco de actores es estupendo, destacando los niños gemelos que también lo eran en la realidad. El argumento cuenta la historia de dos hermanos gemelos en la América rural de los años treinta en el seno de una familia donde la madre sufre una fuerte depresión, el padre falleció en un accidente y la abuela se hace cargo de ellos.
En definitiva, estamos ante una obra elaborada, donde cada pequeño detalle tiene importancia y que engancha desde el principio. La maldad en el universo de la infancia pocas veces ha sido retratada como lo hizo Mulligan en su película. Absolutamente recomendable para los amantes del cine de terror psicológico.