Moussa Sene Absa es uno de esos intelectuales a los que su lugar de nacimiento, un Senegal necesitado de referentes que orienten el progreso, y su espíritu inquieto han abocado a desarrollar su labor en los campos más variados -escritor, pintor, autor y director teatral, guionista, cineasta-. En Madame Brouette aborda con buen pulso la situación de la mujer en la sociedad de su país a través de una trama en la que aparecen las contradiciones y las injusticias en cada esquina de los degradados entornos urbanos que nos propone como paisaje de la acción. La dialéctica tradición/modernidad, tan presente en el fondo de la narración, también se expresa en la forma, que incluye la tan africana incorporación del coro en tanto que personaje que canta lo que ocurre, a la par que una muy moderna estilización. Y ambas funcionan.

Cuando dentro de un tiempo los estudiosos repasen el policial español de estos tiempos incluirán a buen seguro La isla mínima en cualquier selección crítica. Junto a ella me gusta pensar que estarán La caja 507, y tal vez alguna otra de Urbizu, y La celda 211 de Daniel Monzón. La isla, al contrario que La caja y La celda, no se desarrolla en el presente en que ha sido realizada, sino que nos cuenta una historia que transcurre en 1980.
Estamos en Andalucía, la de los señoritos y los jornaleros mal pagados, en los primeros años de una democracia tan endeble como citada por todos a todas horas.
Dos policías se desplazan desde Madrid para investigar la desaparición de dos muchachas. Ellos constituyen uno de los grandes atractivos de una película que posee varios. Son bien distintos, su forma de ver la profesión, sus métodos, sus aspiraciones se encuentran muy alejados. Uno veterano, lobo solitario, con un pasado que aun duele, resolutivo, capaz, con tics de los viejos tiempos, y otro, idealista, con una familia recién formada, sobrio, que representa el futuro que está llegando. La relación entre ellos -suspicacia, evitación, ocultación, comprensión, respeto y podríamos seguir – es uno de los grandes activos de una película que cuenta, además, con personajes secundarios muy atractivos, bien trazados, en algunos casos en apenas unos cuantos planos y sin apenas diálogos. Así, el padre y la madre de las niñas, el joven guapo oficial del pueblo, el cazador furtivo que tan útil resulta para hacer creíbles los recorridos y persecuciones, muy bien resueltas, por un territorio perfectamente elegido como telón de fondo de la trama. Además, esas localizaciones de marismas y poblaciones avejentadas, de cortijos abandonados y acequias malolientes, que tan bien le van a la historia, están filmadas con una pericia perfectamente funcional que no reniega de la belleza (los planos cenitales de las tierras pantanosas, del cementerio, de la lluvia cayendo, …).
Otros elementos que merece la pena destacar son la convincente resolución de las secuencias violentas y la cuidada ambientación en la que abundan detalles que nos sitúan en contexto de forma sutil (de la torpeza de la Guardia Civil a la presencia de esas carreteras y caminos polvorientos que luego serán barrizales cuando se desate la lluvia, de los cacharritos de la feria al fotógrafo de El Caso).
Las interpretaciones también merecen ser mencionadas. Todo el reparto mantiene un buen nivel pero Javier Gutiérrez sobresale por encima de todos en la que será seguramente una de las interpretaciones de su vida, sino la mejor. Borda su papel.
Alberto Rodríguez, en fin, logra una película sobresaliente, bien narrada, con excelentes personajes y un ritmo narrativo de premio, ¡Ah! Y además, intriga de la buena.

Cine tunecino de interés escrito, dirigido y protagonizado por mujeres.
Estamos en el Tunez inmediatamente anterior a la autoinmolación de Mohamed Bouazizi que hizo florecer las primaveras árabes (los tunecinos bautizaron la suya, la primera, como la revolución del jazmín).
Una joven ante la necesidad de elegir su camino, de vivir su vida. Debe decidir acerca de sus estudios y sus amistades, de la forma de relacionarse con su familia, con su novio; de la oportunidad de cantar con su grupo, de escoger un repertorio más o menos crítico con la sociedad y el país en el que vive. En cada una de esas encrucijadas encontrará dificultades para elegir libremente. Esa sociedad a la que aluden las canciones que interpreta, la vigila, la limita, la reprime. Por mujer, por rebelde, por artista, porque quiere ser libre.
Baya Medhaffer está estupenda en el papel de la joven Farah, jovial, vitalista, inteligente, guapa, y un tanto ingenua acerca del la realidad que la rodea. Mejor todavía está Ghalia Benali, en el papel de la madre que fue joven y vitalista, que aun es inteligente y guapa, y que es plenamente consciente del mundo en el que vive. El personaje de Benali es el más interesante de la película; en su experiencia y actitudes se resumen treinta años de la historia de su país. Un personaje complejo, tal vez contradictorio en sus actos, en un permanente y doloroso equilibrio inestable entre la necesidad de proteger a su familia y la de no traicionarse a sí misma.
Las canciones que Farah/Medhaffer interpreta con su grupo a lo largo del filme, además de su importancia en el desarrollo narrativo de la historia, funcionan como atractiva banda sonora. Otro argumento a favor de esta interesante película.

“O leao da estrela” es una prueba palmaria de que el buen cine sobrevive al tiempo. Si a un potencial espectador de la revolucionaria era audiovisual que vivimos, se le propone el visionado de una película portuguesa de 1947 que combina trama romántica y forofismo futbolístico, es muy posible que hasta el cinéfilo más esforzado salga pitando. Error. Don Arthur Duarte nos regala: una comedia ágil y divertida, bien interpretada (António Silva está de premio), con buenos gags, diálogos de esos que antes se llamaban chispeantes y, lo más sorprendente, plena vigencia. Esto es así hasta el punto de que, con ligerísimos retoques de guión, esta historia podría filmarse hoy con buen pronóstico de funcionamiento en taquilla.
Una familia lisboeta y su viaje a Oporto para ver ganar a los leones del Sporting permiten plantear un juego amable en el caben los goles y el dinero, las relaciones sociales y las apariencias, las intrigas políticas, la mentira o el amor. Diversión garantizada.

Truffaut, al contrario que tantos enamorados del cine que cuando se situaron tras una cámara sembraron el terror entre los cinéfilos, siempre consiguió interesar, entretener a la par que proponía innovaciones, facilitaba reflexión, rendía homenajes. Truffaut, al contrario que algunos de sus compañeros de generación, consigue interesar al espectador sin pretenciosos alardes que tantas veces conducen al aburrimiento.
Truffaut, al contrario que tantos cineastas que triunfan con su primera película, no pretende continuar con la fórmula del éxito, sino que propone con su segundo filme temas y situaciones completamente diferentes.
Truffaut, al contrario que tantos autores de la serie negra -literaria, cinematográfica- a los que admira, no juega aquí a los arquetipos machacones (gangsters implacables, femme fatal, por ejemplo) pero cuando maneja alguno (perdedor con pasado que debe redimirse a la fuerza, por ejemplo) funciona muy bien. Truffaut, al contrario de tantos europeos que abordan el género, no trata de remedar contextos ni hacer traslaciones de los paisajes urbanos norteamericanos a sus filmes (y en este caso el referente, la novela de Goodis, podría invitar a ello), sino que hace que todo cuanto rodea a los protagonistas sea muy francés.
Truffaut tiene trabajos mejores, pero hay en esta película elementos suficientes para recomendarla sin reservas: ese lirismo del que habla Bloomsday, esa atmósfera que nos recuerda que las cosas sólo pueden ir mal en la vida de un pianista de bar al que persigue el pasado, son sólo dos de ellos.