"La bicicleta verde" es el primer largometraje de ficción filmado en Arabia Saudí por un cineasta local. En un país en el que no hay salas de cine y en el que la exhibición comercial de películas lleva prohibida tres décadas -pese a tener cada año un festival de cine en la ciudad de Yeda- filmar se nos antoja una heroicidad y si, además, lo hace una mujer (Haifaa Al-Mansour) el mérito es todavía mayor en una sociedad tan conservadora como la saudí.

Por si fuera poco, "La bicicleta verde", partiendo de un tema aparentemente simple, aborda temas complejos como la situación de la mujer en Arabia Saudí, el machismo imperante o la rígida educación islámica en los colegios.

La película sigue en todo momento a Wadjda, una niña de doce años (excelente Reem Abdullah) cuyos movimientos y naturalidad en su vida cotidiana nos van mostrando sin estridencias las contradicciones de una sociedad represiva, especialmente con la mujer y con todo aquel que se sale un poco del rol que le ha tocado desempeñar.

Película a mitad de camino entre la comedia y el falso documental "Vacaciones de ferragosto" supone el debut como cineasta del italiano Gianni Di Gregorio, co-guionista de "Gomorra", que pese a no ser conocido por el gran público tiene a sus espaldas una amplia trayectoria en el cine como guionista y ayudante de dirección.

La película aunque es ficción tiene muchos tintes autobiográficos. Según cuenta el propio director en el verano del año 2000 el administrador de la comunidad de propietarios, sabiendo que en ese momento era moroso, le propuso ocuparse de su madre durante las vacaciones de ferragosto. Gianni di Gregorio se negó en un acto de dignidad pero siempre se preguntó que hubiera sucedido si hubiese aceptado la propuesta. El resultado a esa pregunta es esta entrañable película.

El papel principal lo interpreta el propio director por ser el que más se asemeja en la vida real al protagonista: hijo único que vive con madre viuda y al que su mujer e hijas han abandonado.
Los papeles de las ancianas están interpretados por señoras que nunca habían actuado pero que desarrollan una personalidad y espontaneidad extraordinaria y que hicieron que la historia cambiara en función del humor que tenían.
Los demás, el doctor y el amigo del Trastevere, son amigos de la infancia del director.

Pese a que está narrada en clave de comedia y que tiene algunos momentos realmente divertidos el trasfondo es bastante amargo ya que nos habla con enorme sinceridad y frescura de la soledad del mundo de los ancianos y de lo vulnerables que son en un mundo que avanza con paso acelerado sin saber adónde va porque ha olvidado su historia y que teme a la vejez y a la muerte e ignora que lo más valioso es la calidad de los sentimientos.

Película muy recomendable que uno desea que se alargue un poco más en el tiempo -sólo dura 75 minutos- y que para mi ha supuesto una bocanada de vitalidad y de frescura pero que al mismo tiempo me ha hecho reflexionar mucho sobre su aparente sencillez argumental.

"El proceso" es una complicada producción europea basada en una obra de Franz Kafka, protagonizada por un ciudadano condenado a recorrer los crueles e inescrutables caminos de la ley y los aparatos del estado, que está contemplada y recreada desde la barroca e intencionada mirada de ese genio llamado Orson Welles.

Welles transfiere la época de la novela al momento contemporáneo, y lo que personalmente ha puesto en esa álgebra de puros valores son las experiencias, las vivencias, los pensamientos y el drama del hombre de hoy. Este hombre sobre el que pesa permanentemente la amenaza de una culpabilidad sin culpa, de un proceso sin proceso, y de una pena sin justificación, han sido la más espantosa concentración aritmética de la profecía kafkiana. Cada espectador puede sentir que cada escena, cada frase, cada personaje de la película se aplican sobre sí mismo, sobre su caso particular.

Quizás en esta obra envolvente las atmósferas y los decorados tienen más presencia que los personajes. Un desbordante torrente de imágenes de aliento expresionista, con unos techos angustiosamente bajos y unos inquietantes travellings recorriendo todo el relato, que nos proporciona una desoladora reflexión acerca del desamparo del individuo frente a las instituciones y sus ejecutores, ya sean abogados, jueces, policías, verdugos o simplemente funcionarios.

Pocas veces más el cine nos ha ofrecido una tan desesperada alegoría de nuestro sistema, perpetrada mediante una concepción estética de un barroquismo muy especial, entre onírico y expresionista.

"A Walk with Love and Death" (Paseo por el amor y la muerte) narra la aventura de un joven estudiante y su búsqueda idealizada de la libertad (el mar), a través de un contexto histórico preciso (La Guerra de los 100 años), y de su relación con la mujer a la que ama. Heron de Foix (Assaf Dayan) y Lady Claudia (una jovencísima y debutante Anjelica Huston) atraviesan un mundo en descomposición, víctima de sus propias instituciones, en un momento de transición que asiste al levantamiento de los campesinos frente a la nobleza, y en el que una determinada clase social se aferra al fanatismo religioso y se apresta a la defensa de sus privilegios.

John Huston sitúa a sus jóvenes protagonistas en una sociedad envuelta en el odio, la guerra, la destrucción, el fanatismo y la muerte, convirtiéndoles en seres marginados huyendo de la hipocresía y la corrupción de un universo que les es hostil, y al que no sienten pertenecer.

El difícil equilibrio para que este hermoso canto de amor y de libertad no traspase la barrera de lo inverosímil se organiza en torno a su condición de parábola y a su naturaleza como vehículo de reflexión. Situada en la Baja Edad Media y en territorio francés, la narración adquiere pronto una cierta atemporalidad que desarrolla, bajo una mirada contemporánea y una estética juvenil, todo un manifiesto de contagiosa jovialidad en defensa de la libertad y de la propia identidad. Al fondo de todo, late con fuerza una lúcida y vibrante apuesta hustoniana por los valores más nuevos y rejuvenecedores que surgieron al amparo del movimiento hippy, la contestación a la guerra del Vietnam y el Mayo del 68.

"Paseo por el amor y la muerte" es un film de narrativa fluida y progresiva acumulación de motivos dramáticos, que van configurando un esquema de gran claridad expositiva y transparente estilo visual. Su belleza estética corre pareja con la belleza de sus contenidos, y la complejidad expresiva de algunos planos alcanza niveles emotivos.

La ambientación y la dirección artística de esta hermosa película son un prodigio de armonía estética y de intencionalidad dramática. Los diseños de los vestidos son de una belleza contenida y rigurosa; la seca austeridad de los castillos y el convento, la ausencia de todo exceso en el retrato de los depauperados campesinos, los cánticos de los monjes, configuran un clima de fatalismo romántico y de encrucijada histórica, expresado con enorme fuerza de comunicación.

The Big Sleep (El sueño eterno, 1946) es un clásico del cine negro escrito por el reputado novelista William Faulkner y los hábiles guionistas Leigh Brackett y Jules Furtman adaptando la novela homónima del especialista en novela negra Raymond Chandler; dirigido y producido por el genio Howard Haks, y protagonizado por los recién casados Humphrey Bogart y Lauren Bacall.

Suele decirse, quizá con excesiva ligereza y sin señalarlo como una limitación sino más bien como base para afirmar su personalidad, que The Big Sleep es un film ininteligible. En mi opinión se trata de una afirmación inexacta; lo que ocurre es que su denso argumento Howard Hawks no lo asume como tal, sino que lo utiliza como pretexto para articular otras cosas: una visión del mundo, unas relaciones humanas, su personal visión sobre el género negro..., algo por otro lado habitual en la obra de este genio del cine.
Todos los personajes, incluido el propio Philip Marlowe (Humphrey Bogart), están vistos "desde fuera" e interesan todavía más por la vitalidad de sus movimientos que por la coherencia, innegable, que tienen.
The Big Sleep es un film que propone una visión de conjunto, de grupo social, en el que debe apreciarse más la belleza de "una buena jugada" o de una frase, una reacción, un movimiento oportuno efectuado en el lugar y en el tiempo oportunos, que su sentido, casi siempre posterior. Es una de esas películas más interesadas en lo que la narración sugiere o deja ver, que en la narración propiamente dicha que consiste en una cadena compleja -pero no ininteligible- de chantajes, asesinatos y diálogos veloces, agudos y brillantes. Lo que sugiere es una radiografía social de feroz implacabilidad y una burla desdeñosa de la fragilidad humana.

The Big Sleep es la crónica de un puñado de personajes dentro de una ciudad de identidad chandleriana. Unos personajes son representantes de la clase proletaria (Marlowe, Agnes, Harry Jones...) que se sirven de la picaresca para pode sobrevivir pero son honestos; otros pertenecen a una oscura clase media (matones a sueldo, jugadores, chantajistas, asesinos...); y finalmente está la clase privilegiada, cuyos miembros habitan mansiones de lujo y cuyos actos están presididos por la codicia y la corrupción.
La adaptación que Howard Hawks hace del Marlowe de Raymond Chandler es un modelo dentro del género y un ejemplo de cómo llevar una novela excelente al cine sin renunciar a un estilo personal. La dirección es magistral y se centra, fundamentalmente, en la perfecta adecuación del movimiento de personajes y cámara a una intriga que, en su mayor parte, se desarrolla fuera de la pantalla -a la que llegan sus reflejos y sus consecuencias-, mediante un inteligente uso de la elipsis.
Hawks prescinde de cualquier tipo de énfasis y, en cambio, utiliza magistralmente los sobreentendidos y los comportamientos que tienen su explicación coherente en la dinámica interna del relato.