Darren Aronofsky, siguiendo su estilo cinematográfico inquietante, logra lo que todos queríamos hace mucho tiempo: construir una película entera en base a la humanidad de Brendan Fraser.

La película sigue la historia de Charlie (Brendan), un hombre con obesidad mórbida, que está confinado en su apartamento debido a su enorme peso y problemas de salud que acarrea. Charlie lucha con sus propios demonios emocionales y luchas personales, incluida la relación con su hija distante por más de 8 años, su ex esposa, su amiga/cuidadora, y la pérdida de un ser querido. La dinámica entre los personajes es compleja y matizada, y la película hace un muy buen trabajo al explorar los temas de la soledad, el perdón y la redención.

A través de un retrato crudo de la obesidad y su costo físico y emocional en la salud de Charlie y quienes lo rodean, Aronofsky no se avergüenza por focalizar la atención de la película al cuerpo de Charlie sin necesidad de recurrir siquiera a un cambio de locación para motivar hacia otro lado el centro de interés, explorando así las complejidades de la condición humana y las diversas emociones que la acompañan al sentir una especie de claustrofobia en la que al enfrentarnos a determinada situación, ya no podemos huir de ella, sino que las debemos enfrentar.

Desafía al espectador a confrontar sus propias creencias y valores luego de poner en manifiesto las distintas posturas que tienen los personajes acerca de la religión y cómo ésta puede llegar a “consumir” a una persona, además de poner sobre la mesa un debate sobre la moralidad de elegir cuándo acabar con su propia vida. La película no ofrece respuestas fáciles, sino que plantea preguntas difíciles y logra interpelar a quien la mira.

Una película magistral que es tanto emocionalmente resonante como estimulante. La dirección de Aronofsky, junto con las actuaciones sobresalientes de Fraser, Sadie Sink (Stranger Things), Hong Chau y Samantha Morton, la convierten en una obra obligatoria para quienes les interesa estudiar el arte de la interpretación y narración bien lograda.

Primero que nada, quiero transmitirle la seguridad a quienes me conocen de que pueden quedarse tranquilos de que no estoy siendo apuntado con una glock para que hable bien de Marvel por primera vez en mi vida y que James Gunn no está auspiciando este post.

Para quienes no me conocen, un resumido contexto:

Tomar solo agua de OSE el resto de mi vida > Marvel

Fin del contexto.

Me había negado a ver ninguna de la trilogía porque creí que me iba a encontrar con lo mismo a lo que nos tenía acostumbrados Marvel en los últimos años, pero viendo que la tercera estaba en cartelera y no encontraba nada más que me llamara la atención decidí darle una chance a la primera para ver si me convencía. Groot me hizo ver la segunda al día siguiente y ese mismo día también fui a ver la tercera, la manija fue total.

Sacando el hecho de que a 5 minutos del final se cortó la luz del cine y nos echaron, y que no me enorgullece decir que vi los últimos minutos en Stremio en calidad CAM con doblaje dudoso y publicidad constante porque no podía quedarme con la intriga, fue un subibaja de emociones constantes.

Está increíblemente bien logrado el crecimiento interno y externo de cada uno de los personajes a lo largo de la historia, una evolución que comienza en 2014 con esbozos del pasado de cada uno y lo que los llevó a conocerse. A partir de eso se muestran sus motivaciones reales y es el cierre perfecto para la trilogía de Gunn que se aleja de lo que es una historia convencional y da paso a un profundo análisis acerca del maltrato animal y su explotación en laboratorios con fines científicos para beneficio de grandes corporaciones.

Si con la primera uno comienza a encariñarse con los personajes, al llegar a la tercera ya los queremos y nos alegramos con ellos, sufrimos con ellos, nos emocionamos con ellos, entendemos por qué se comportaron de cierta manera en el pasado y a lo que aspiran. La química entre los personajes es algo a destacar y que no había sentido en ninguna o casi ninguna película de Marvel antes.

Por último, me hace feliz que Gunn haya decidido hacer referencia en algunos momentos a se pone de pie 2001: A Space Odyssey.

Así la definió el propio GDT, el mismo que en cada discurso o en cada oportunidad que le dan de agarrar un micrófono se encarga de decir eso que todos quedamos expectantes que diga cuando lo vemos: "Animation is not a genre for kids. It's a medium for art…"

Tomó la responsabilidad de re-contar una historia que ya se ha contado varias veces desde su creación hace unos 140 años, de las cuales por lo general se había adoptado la tonalidad infantil que todos ya conocemos.

Más allá del laburo durante años para lograr que pueda ser contada en Stop Motion, el centro de la película y lo que te deja al verla es la exploración del fascismo y totalitarismo, temas en los que GDT ha sido abierto en su postura de fascinación por ese contexto histórico, y Pinocchio es un reflejo de ello.

La película tiene lugar en la Italia de Mussolini, y el panorama político de la época es una fuerza siempre presente en la historia. Los personajes y sus motivaciones están ligadas al clima político y se profundiza en temas de propaganda, control y poder.

Para ejemplificar, el personaje de Stromboli, (el titiritero que atrae a Pinocho a él), es una figura manipuladora y siniestra que usa su poder sobre sus títeres para controlarlos y explotarlos. Representa al dictador fascista, usando su encanto y carisma para atraer a la gente y luego manipularla para su propio beneficio.

El Hada Azul, que sirve como guía de Pinocho a lo largo de la historia, también encarna los peligros del totalitarismo. Si bien en un principio se la muestra como aliada con buenas intenciones, finalmente se revela que sus verdaderas intenciones son mucho más siniestras. Utiliza a Pinocho como un peón en su propia búsqueda de poder, manipulándolo y controlándolo para sus propios fines.

Durante gran parte de la película, los personajes luchan constantemente contra estas fuerzas de control y opresión, tratando de resistir la atracción del fascismo y el totalitarismo. El viaje de Pinocho para convertirse en un niño real se convierte en una metáfora de la lucha contra la opresión, mientras lucha contra quienes buscan controlarlo y manipularlo.

Humberto (Enrique Aráoz) es un ex convicto que al salir de la cárcel decide reinsertarse en la sociedad intentando recuperar y darle una vida digna a su hija que ahora está bajo los cuidados de sus ex suegros. Al salir de la cárcel trabaja cantando en velorios para poder mantenerse.

Los estratos sociales están claramente delineados, y en este contexto se aprecia una notable interpretación de César Troncoso como ex suegro de Humberto y pastor evangélico, cuya posición junto a su esposa los refleja como personas de influencia económica. Durante el momento en que pronuncia la frase "la Iglesia no busca lucrar" (puede haber pequeñas variaciones en la exactitud de la frase) la reacción en la sala es explosiva.

El formato 4:3 permite que la selección de lo que vemos, una selección pensada escrupulosamente por su director, se convierta en un reflejo poderoso de los sentimientos del protagonista hacia su entorno. Es decir, recientemente salió de la cárcel, pero esto no quiere decir que ahora esté en libertad. No está en libertad porque aún se siente preso del qué dirán, de lo que dirán sus ex suegros, sus amigos que no saben que ya no bebe alcohol, y sobre todo, su hija. También está preso de su propia economía, y aún así cuando logra encaminar su vida llegando a tener una estabilidad en la empresa que él mismo creó permitiéndose tener un techo para él y su hija, se ve nuevamente arrastrado por su ex suegro quien en modo de venganza le prohíbe contratar a gente de la iglesia.

En esta película lo que no se muestra, o no se dice, forma parte fundamental de una historia que no está contada por completo, formada por entredichos o insinuaciones, pero que a su vez es algo que permite dar lugar a la imaginación del pasado que atormenta al protagonista.

De ese tipo de películas que cada persona que la ve la interpreta de una forma totalmente distinta, de esas que al terminarlas te querés quedar tomándote un café por horas conversando de cómo te volaron la cabeza y que cada persona la interpreta diferente.

Trata de una historia que nunca sucedió realmente, más bien es "lo que podría haber pasado si..". Una mujer va a visitar a sus suegros en el campo por primera vez junto a su reciente novio Jake. Desde el comienzo de la película ella mantiene en su cabeza la idea de terminar la relación, y durante el viaje se va convenciendo más de la idea. Al llegar a la casa comienza a darse cuenta de varios sucesos extraños como comportamientos raros de Jake y su familia.
A medida que la película avanza, se comienza a difuminar la línea entre lo real y lo fantástico, pero como en cada trabajo de Kaufman los personajes son afines a que su mundo converge con la fantasía. Sumamente cargada de mensajes ocultos, analogías, recursos satíricos, referencias a una variedad de autores y conceptos teatrales, logra jugar con la mente del espectador haciendo que nos cuestionemos acerca del significado de nuestra propia existencia al identificarnos con su personaje principal y las ideas que tiene en su cabeza.
Está muy bien trabajado el ritmo, el cual por momentos es lento (el viaje, la cena..) y en donde podés ser testigo realmente del encierro que siente el personaje principal con su vida al sentirse estancada en esas situaciones que parecen no tener fin y que todos alguna vez hemos pasado.

Es imposible hablar de esta maravilla de película sin spoilers, pero es de las que tenes que ver al menos una vez en tu vida para apreciarla, al menos tres para entenderla y quizás ni así lo hagas en su totalidad, porque con cada visionado se siguen descubriendo mensajes bien resguardados en el guión y te logra sorprender cada vez.