GUADAGNINO, director italiano que nunca deja indiferente, casi siempre narrador de historias de contenido gay y con gran variedad de documentarles y musicales a sus espaldas.
En esta ocasión, cambia el “almíbar” del melocotón de CALL ME BY YOUR NAME, por la acidez del limón del tequila y las drogas que envuelven QUEER.

QUEER está basada en una novela de mismo título del controvertido escritor WILLIAM S. BURROUGHS, uno de los principales exponentes de la generación BEAT, formada por obras cuyo hilo conductor son las drogas y la libertad sexual.
Es el propio GUADAGNINO el artífice de adaptar el guion.

Con una excelente ambientación, una fotografía bella, impregnada de color, hacen de QUEER un film intachable técnicamente, con planos profundos y visualmente elegante, formando un conjunto magnifico y de gran valor cinematográfico, con escenas explicitas tanto de sexo como de drogodependencia. Es tan potente visualmente, que las caladas de los cigarros que perduran en todo el metraje, torturaran a los espectadores que son exfumadores como es mi caso. Otro ejemplo de dicho poder, es el calor que envuelve todas las secuencias, el sudor en las camisas de los protagonistas hará que el público inhale el hedor de los intérpretes.

El ritmo es pausado pero el metraje avanza de manera agradable, parece que visualmente el tiempo se para, pero el reloj continua su avance. El juego entre luces y sombras rodea las secuencias y el compendio de todo ello, tiene como resultado maravilla técnica.

Respecto a la trama, me preocupaba no poder adentrarme en ella.
Con diálogos escuetos que van en aumento, hay dos ramas bien diferenciadas, por un lado la historia de amor homosexual y la promiscuidad de los protagonistas y por el otro, el abuso del alcohol y las drogas. En lo que respecta a lo segundo, me adentro rápidamente, con una sensación incomoda y reconfortante a la vez, que imagino es lo que intenta el director, pero en la historia amorosa me cuesta más introducirme, sin embargo, la maestría de GUADAGNINO mata mis prejuicios y me engancha.

En definitiva, QUEER es un retrato de almas perdidas que buscan experimentar en todos los ámbitos para acabar con sus monstruos interiores o por el simple hecho de elegir una vida de abusos y adicciones.

El trabajo de los actores es de gran mérito siendo DANIEL CRAIG el alma de la “fiesta”.
Su actuación es inconmensurable, con un papel valiente y arriesgado. Su cambio de registro nos muestra que está capacitado para cualquier tipo de trabajo. De su “mano”, por no decir otra cosa y a su sombra, el joven DREW STARKEY con un trabajo serio y mucho más sobrio, como su personaje le obliga.
Mención especial al secundario, JASON SCHWARTZMAN, un actor de variada familia cineasta y siempre ligado a la filmografía de WES ANDERSON, con un pequeño papel que resuelve de manera magistral.

Para terminar, añadir el gran valor de algunas secuencias en las que se paraliza el tiempo y en las que la excelente música toma las riendas, junto al portento del director tras la cámara. Además es de alabar la muy interesante banda sonora y la atractiva elección de temas musicales que forman un magistral vinculo junto a lo que visiona.

PAWEL PAWLIWOWSKI fue aclamado por su anterior y excelente trabajo en IDA.
Continúa el camino que abrió con ésta, para ahora contarnos una historia de un amor destructivo dentro del mundo comunista de la mitad del S.XX. La canción tradicional es el hilo conductor de la trama, con gran variedad de bailes y música regional que dan pie a la ruda historia de amor. Lo que comienza como un grupo folclórico, tristemente es politizado y comienza una gira por el otro lado del telón de acero.


En mi opinión, está por debajo de su predecesora y el director nos regala una gran variedad de planos preciosistas con una magnífica fotografía, todo en blanco y negro, pero estructura la historia de una forma que no me agrada. Además, los personajes no crean empatía en el espectador lo que ocasiona una decepcionante falta de emoción.

La pareja a la que dan vida, la bella JOANNA KULING y el serio TOMASK KOT ,realiza un buen trabajo pero la relación está carente de química, lo que influye negativamente en lo que visionamos.

Por todo lo comentado, añadir que COLD WAR es una meritoria película, que incide en los males de los amores tóxicos y nos muestra el lado más oscuro de la extinguida Europa comunista, todo con bellos planos y con una música acorde a lo que visionamos pero que adolece de trasmitir el sentimiento que la triste trama debería expresar.

LLAMAME POR TU NOMBRE (traducción del título original) es una película italiana coproducida por varios países que nos narra una historia de amor homosexual ambientada en los años 80 entre un joven italiano de 17 años y el ayudante americano de su padre, ambientada en un pequeño pueblo italiano. El joven ELIO pertenece a una familia culturalmente muy activa, que trabaja todos los ámbitos, desde la literatura, la música y especialmente el arte. Un joven que pasa el verano holgazaneando y divirtiéndose con sus amigos sin quitarse sus gafas de sol a los RISKY BUSINESS (muy típicas en aquellos años y que han vuelto en la actualidad) hasta que la llegada del ayudante de su padre trastoca su vida, surgiendo una historia de amor que desde la distancia y con grandes matices puede recordar a la que acontece en VERANO DEL 42 pero tratada desde el prisma del neorrealismo italiano.

L.GUADAGNINO es uno de los exponentes del cine italiano y con esta película cierra su trilogía “DESEO” junto a YO SOY EL AMOR (2009) y CEGADOS POR EL SOL (2015). Interesante será verle también en el remake de la magnífica SUSPIRIA de DARIO ARGENTO que será estrenada en el presente año. En este caso, destaca la estupenda ambientación y el trato natural y sutil de la trama.
El guion está realizado por JAMES IVORY basándose en una novela del mismo título (CALL ME BY YOUR NAME) del autor ANDRE ACIMAN con excelentes diálogos que trasmiten el trascurso de la historia de amor entre los protagonistas.
Destacable es la canción que aparece en varios momentos de título MISTERY OF LOVE.

Mención aparte es el gran trabajo de los 2 protagonistas, ARMIE HAMMER (OLIVER) mostrándonos el lado de la madurez y en especial y de manera sublime, el joven TIMOTHEE CHALATAMER (ELIO), cargando sobre sus espaldas el peso de un complicado papel en el que da muestras de gran cantidad de registros, con una ternura muy emotiva y regalándonos con su mirada multitud de matices que expresan sus sentimientos.

Ahora me gustaría explicar la disyuntiva que el visionado me ha ocasionado. Siempre me ha gustado distinguir 2 aspectos en las películas, por un lado su calidad y por otro lo que me trasmiten o lo que disfruto con ellas. La mayoría de las personas califican los film dependiendo sus gustos personales y yo no soy de esa opinión, de ahí que algunos me pueden parecer de gran calidad pero yo no disfruto con ellas o viceversa, que me hagan pasar un rato muy divertido auténticos bodrios cinéfilamente hablando. Apuntado esto, indicar que estoy en el caso en el que puedo valorar el gran trabajo del director, la forma sutil de contar la bella historia de amor, incluso destacar varias escenas con diálogos muy interesantes pero yo no he conseguido entrar en ella, quizá no he sido capaz de entender el arte que se nos muestra y el resultado me ha parecido demasiado plano. Eso sí, el dialogo final entre ELIO y su padre creo que es uno de los mejores diálogos que he escuchado en mucho tiempo, en ese momento sí que he sentido lo que muchos destacan durante todo el metraje y se quedará en mi recuerdo.

ALMA SALVAJE es un drama biográfico basado en hechos reales, narrados en el libro de CHERYL STRAYED sobre su vivencia al recorrer el SENDERO DEL MACIZO DEL PACIFICO de más de 3.000 Km. La historia puede tiene cierto parecido al famoso “Hacia rutas salvajes” de JON KRAKAUER y llevado al cine por SEAN PENN, siendo una historia de superación y supervivencia para encontrarse así mismo. Es lo que vendría a ser en España una descripción de la multitud de peregrinos que realizan el camino de Santiago pero extremando el contexto y la ruta.

El buen director JEAN MARC VALLEE plasma un magnífico trabajo y mezcla el formato de documental de montaña, con saltos en el tiempo para conocer la vida de CHERYL y comprender su llegada a la susodicha ruta. Muy meritorio es el trabajo del director para expresar la historia con la escasez de diálogos existente y cargando las situaciones en el poder visual, en la narración y en maravillosas frases cargadas de sentido.

Muy destacables las actuaciones de las actrices tanto LAURA DERM (madre de la protagonista) y REESE WHITERSPOON, enfrentándose a un complicado papel con numerosos cambios de registros y saliendo victoriosa ante tal envite.

Si a todo lo expuesto le añadimos una estupenda banda sonora con toques psicodélicos e incluyendo un pequeño homenaje al excelente músico JERRY GARCIA, el resultado es una película muy interesante y que no pasará desapercibida.

La debutante MAGGIE GYLLENHAAL dirige y se encarga de adaptar el guion de un original libro titulado “LA FIGLIA OSCURA” de la autora italiana HELENA FERRANTE (seudónimo).

Es innegable que como versa su nombre, es una oscura historia sobre la dureza de la maternidad, las depresiones y la gestión personal de los problemas.

La trama muestra 2 historias paralelas, la que acontece en la actualidad y la que recuerda la protagonista y que le atormenta en sus recuerdos.
Con un ritmo pausado, ambas situaciones se entrelazan para adentrarse las dos en una intriga que en cada momento muestra cual puede ser el desenlace. Las tensiones y angustias van en aumento y solo nos queda visionar el esperado desenlace.

A pesar del meritorio guion y unas magníficas actuaciones, personalmente me falta algo de ritmo y me siento más involucrado con la historia que emana de los recuerdos que con la que acontece en la actualidad. La directora intenta ser demasiado descriptiva con metáforas e imágenes y la trama tiene algunos momentos que se diluye volviéndose espesa.

Respecto a las mencionadas actuaciones aparecen conocidos secundarios como un “aviejado” ED HARRIS y la joven DAKOTA JOHNSON que sigue con su trayectoria de papeles que emanan sexualidad. Pero el trabajo duro recae sobre las dos protagonistas, por un lado la veterana OLIVIA COLMAN, que como siempre, sale airosa y nos regala una brillante actuación. Por el otro, la emergente JESSIE BUCKLEY, en un papel complicado de una joven madre desorientada y superada pero que a la vez, demuestra una frescura digna de mención. Como en el caso mencionado de las 2 historias narradas, me quedo con la joven protagonista y eso que se enfrenta a la grandísima COLMAN, no es que esta no destaque, que como siempre lo consigue, pero es que BUCKLEY se sale y solo invita a ilusionar con la brillante carrera que le espera.

Como resumen, THE LOST DAUGTHER es una buena película que nos narra lo complicado que puede resultar la maternidad, de las depresiones que pueden dar a lugar y de todo lo que conllevan. Me gustaría haber leído el libro en el que se basa, porque considero que al intentar ser fiel a él, en el paso a la gran pantalla, deriva en que el resultado sea algo irregular a pesar del buen trato de la directora y de las excelentes actuaciones.