Historia de un matrimonio

Arranca de forma maravillosa y atrapante con la voz en off de Adam Driver en su personaje de Charlie, narrando para el espectador lo que ama y las virtudes de su esposa, y viceversa luego con la voz en off de Nicole, interpretada por Scarlett Johansson, narrando que es lo que la enamora de su esposo, con ese simple inicio y con pasos de comedia el director ya nos posiciona ante un matrimonio, contorneando de que trabajan y como es el día a día de la pareja, para luego darle rienda suelta al desarrollo.

Una idea sencilla muy bien llevada visualmente sin perder esa sencillez que la hace cotidiana convirtiéndola en identificable para alguien que haya pasado por una ruptura amorosa, con preciosos planos jugando con el enfoque y desenfoque, corridas de cámara y también planos en los que son dirigidos por los distintos personajes haciéndonos ver lo que ellos plantean en esas escenas, y planos fijos bastante largos siguiendo monólogos constructivos de la historia por parte de Nicole (Scarlett).

Es interesante como el director desde su visión para con el espectador no toma partida por ninguno de los dos involucrados como culpable de la separación, sino que solo nos deja consumir en como esa vida que tuvieron juntos ya no existe, consolidando dos personajes en melancolía y duelo de separación puro; llegando a un punto de tener que soportar sus propias frustraciones e incluso las opiniones ajenas al respecto convirtiéndolos tal vez, en títeres de un circo ajeno.
Es interesante incluso como se nos sumerge de lleno, desde la introducción hacia directamente el proceso de separación, sin hacernos saber hasta dentro de un rato el porque se terminó de desgastar esa relación.

Un dúo actoral de maravilla que se carga completamente la trama, me resulta lindo como en el argumento por medio de la excusa de profesión del matrimonio, ella actriz y él director, se tocan elementos teatrales y actorales dentro del mismo desarrollo haciéndola aun más natural y satisfactoria de ver exprimiendo al máximo el potencial de Driver y Johansson.

Scarlett totalmente solemne, es por intermedio de su personaje que se nos va dando pantallazos acerca de que sucedió en el medio de esa pareja para terminar separados, una actuación de ella super comprometida metiéndose de lleno en la piel de Nicole y la situación que está atravesando.
Con una larga discusión entre ambos donde se evidencia que se hacen mucho daño diciéndose todas las verdades que guardaron durante su convivencia y en la cual de alguna manera pareciera ser sanadora para ambos personajes el querer escupir lo que tenían escondido para decirse, en una escena a puro sentimiento.

Un drama con tinte cotidiano en el que los espectadores podemos sentirnos identificados conteniendo mucha sensibilidad e inocencia, demostrando que aún después de todo lo traumático de la ruptura pudo prevalecer el respeto y el amor que alguna vez se tuvieron, con protagonistas que creo son lo más fuerte de la cinta agregándole mucho corazón a sus figuras y a la historia, guion con diálogos fuertísimos y tremendamente emocionales también con silencios que expresan demasiado, un poco lenta por lo que hay que tenerle paciencia, pero lo vale claramente.

Calificación: 7.5

Whiplash

El director de las que luego vendrían a ser buenísimas películas como lo son La La Land y Babylon, nos ofrece también una cinta con elementos del género musical, al igual que ya lo ha demostrado en los dos films mencionados, utilizando una vez más este medio para contar cuestiones más profundas.

Esta vez la vida de un estudiante de música que apunta a ser uno de los mejores baterista y el como se va relacionando con su obsesivo profesor interpretado por J.K. Simmons. y también de como su manía por ser músico va destruyendo poco a poco su vida.

Atractivamente surge la dicotomía que Andrew tiene con su profesor Terence, los cuáles se les evidencia que están totalmente en polos opuestos en cuanto a las técnicas de enseñanza que lleva a cabo Fletcher, pero aún así ambos persiguiendo el mismo objetivo.

Tomo la intención del director que a través de esa base, de ponernos en una posición de crítica hacia lo que son los métodos y como las presiones pueden llegar a afectar psicológicamente mientras vamos persiguiendo un sueño de forma obsesiva para llegar a algo, es decir, ser el mejor, pero ¿a qué precio? ¿aún así si es necesario acabar con lo que es tu vida? ¿aún así si estás cargando en tus espaldas con las expectativas de otros?
Es hermoso ver como a pesar de todo en un final a pura música y tremendamente trepidante nos da el valor de que ambos, alumno y profesor lograron su meta, que fue la de llevar a Andrew a lo más grande como músico.

Una paleta de colores que predomina un tono amarillo casi dorado y otras etapas tonos verdes pálidos que se me hacía plasmar los momentos por los cuáles iba transcurriendo el personaje de Miles Teller en sus distintas esferas narrativas durante el desarrollo.

Interesante cómo a mitad de película Chazelle utiliza el color rojo para romper con el esquema de colores establecidos para introducirnos un nuevo personaje que en ese caso refleja una "amenaza" o "competencia" para nuestro protagonista, es interesante además cómo se utiliza ese elemento de incluir una nueva figura para definirle un cambio abrupto en el desarrollo de Andrew y el como esto amenaza la buena relación que empezaba a tener con su profesor y hasta su relación con su novia.

Una dirección muy linda jugando permanentemente con los planos cortos y largos, cambiando rápidamente de plano, algunos momentos con cámara en mano para valerse de la tensión que va generando en esas escenas, todo al servicio de hacer mucho más dinámico el desarrollo.

Un dúo actoral brillante que los une y paradójicamente los separa a ambos durante la trama, J.K. Simmons increíble poniéndose en la piel del profesor feroz, vehemente rozando puntos de violencia por los cuáles lleva adelante su enseñanza.

Buena "trilogía" musical de Damien como director entregando una obra bien valorada en su momento, un segundo intento con La La Land aún mejor que esta entrega, y una tercera película con Babylon, que para mí gusto fue bastante infravalorada, pero qué con el tiempo espero sé gane el lugar qué merece, en grandes aspectos, 3/3 para Chazelle.

Calificación: 8.0

Ladrón de Bicicletas

Película antigua si las hay, desde el minuto 1 nos encontramos con un ambiente de los cuarenta, los letreros de presentación, la ambientación, el vestuario, las actuaciones.

De Sica nos va introduciendo de a poco en esta historia simple pero bien realizada en una Italia posguerra, más precisamente Roma, detallando el desastre que ha dejado el conflicto bélico en la ciudad y en su sociedad, donde es demasiado costoso conseguir trabajo para las personas.

Linda armonía actoral por parte de nuestro protagonista Antonio con su familia, especialmente con su hijo que es con quien se lanza a la aventura de encontrar su bicicleta robada, se nota esa relación muy creíble entre un padre y su pequeño hijo.

Con el movimiento del neorrealismo Italiano como base narrativa caracterizando cada detalle suyo como la ambientación que se empezó a utilizar para la filmación en lugares públicos demostrando buenos planos amplios y cortos de la ciudad, con la critica social presente debido a que invita a reflexionar sobre la lucha en que se emprende la clase humilde centrándose en la cotidianeidad y más conteniendo el factor posguerra contando problemáticas propias de esa sociedad, incluso el final el cual no es el típico "final feliz".

Con un argumento básico y con sus deficiencias técnicas, logra transmitir bastante y cumple en un elegante blanco y negro, siendo sin dudas inspiración para las próximas generaciones cinéfilas que llegaron luego.

Calificación: 7.1

Oppenheimer

Una biopic sobre el padre de la bomba atómica con elementos de drama político y trama psicológica, con esa organización el director nos trae esta narración sobre sin dudas, uno de los acontecimientos más importantes y polémicos, en la historia de la humanidad.

De inicio nos sumerge en la catástrofe y la destrucción representando las gotas de lluvia cayendo sobre un charco como el efecto de la bomba nuclear por medio de la persecución de la culpa de Oppenheimer, detalladamente filmada con una maestría y minuciosidad total, generalmente con ángulos que nos expresa que estamos viviendo la historia desde la visual de Robert.

El uso del color para retratar las diferentes etapas de evolución del personaje me parecen maravillosos, resultando etapas con colores suaves en pleno apogeo científico de Robert y como se va ganando un nombre en el ámbito de los intelectuales, otros momentos personales que van transcurriendo en su vida con colores muy cálidos predominando los tonos naranja y por otras secuencias tonos de colores apagados; se agradece además la utilización de un elegantísimo blanco y negro cuando se nos hace saber que el hilo conductor va por cuenta del personaje de Robert Downey Jr. sin dudas el director tomó como fundamental la paleta de colores para llevarnos de paseo a lo largo del film.

Con elementos tremendamente propios de la filmografía de Nolan que ya habíamos visto anteriormente en las suyas, como ir mechando escenas del pasado y el presente del personaje, además de componentes mentales en esta ocasión de Oppenheimer, elaborando un personaje que sufre de ansiedad, depresión, angustia, intranquilidad.
También muy propios de Nolan sus elementos de exposición filosóficas, científicas que aquí abunda.

La banda sonora y efectos de sonido, otra joyita, que también nos introduce en las cuestiones creativas e imaginativas del personaje, cada secuencia sonora sobre la creación de lo destructor y el fuego tienen presencia que nos denota un escenario de destrucción y catástrofe que hielan la sangre.
La escena en la que se experimenta la prueba de la bomba es encantadoramente apocalíptica, una escena con un silencio absoluto por al menos 1 minuto en el que al espectador solo le queda apreciar y en el que se le señala lo catastrófico y devastador que será el uso de esa arma.

El guion, hermoso, muy lucido, es increíble el notar como es el propio Oppenheimer quien nos va contando todo el trayecto de la película en primera persona, un recurso brillante del director añadiéndole aun más introspección al personaje.

Un Cillian Murphy maravilloso y concreto, asumiendo todas las facetas evolutivas tanto personales como psicológicas de un personaje históricamente polémico que logra generar una cierta empatía para con el espectador.
Una figura que ha medida que va avanzando la trama va experimentando momentos de auge y etapas de caída libre cuando se lo señala, y especialmente se señala a si mismo atribuyendose cierto grado de culpabilidad cuando el karma no lo deja en paz acerca de lo que se hizo con su creación.
En el momento de brindar su discurso sobre el éxito de la bomba, el desarrollo de esa escena lo coloca al propio personaje y al espectador en una disyuntiva de lo que es lo políticamente aceptable por esa sociedad y la moral humana sobre lo que acaba de suceder.
Con un trio actoral precioso y armonioso como lo son Florence Pugh, Emily Blunt y Robert Downey Jr. este ultimo, en un escalón por encima del resto.

Con todo lo analizado, cinta con un gran guion, gran dirección y grandísimas actuaciones, con impactante fotografía y banda sonora, ¿es bastante más extensa de lo que necesita la cinta? si, aunque no la estropea para nada, la cuestión filosófica/científica creo que es un poco lo que la separa del publico en general, quizás si teniendo nociones de ciencia, tal vez sea una experiencia más placentera de vivir.

Percibo premio Oscar a Mejor Película y a Mejor Actor para Cillian Murphy, en segundo escalón de merecimiento, a Mejor Guion y Mejor Director para Christopher Nolan, en tercer escalón premio a Mejor Banda Sonora y Mejor Fotografía; y finalmente lo que no me resultaría descabellado, es imaginarme un posible premio a Mejor Actor de Reparto para Robert Downey Jr.

Calificación: 7.9

La Emperatriz Rebelde

La directora Marie Kreutzer nos presenta esta particular visión sobre la vida de la emperatriz austrohúngara Isabel de Baviera, un drama con tonos de comedia centrado en los días en que la emperatriz va a cumplir 40 años, en una época en la que esa edad era considerada para un mujer, mayor.

En los primeros momentos nos hace visualizar las enormes exigencias a las cuales está sometida debido a las imposiciones tendientes a semejante figura social, cuando va a cumplir 40 empieza tomar forma una cierta debacle psicológica por parte de Sissi en la que comienza a sentirse juzgada por su circulo debido a su edad.

Momentos en los cuales empiezan a figurar los elementos desfachatados de la princesa y a desligarse por completo de las costumbres de perfección y los protocolos de la realeza, cuestión que comienza a ser vista de mal gusto por parte del emperador y de sus allegados.

Cinta con leves toques de La Favorita, de Yorgos Lanthimos, y de Spencer, de Pablo Larraín aunque ganándose el derecho de poseer nombre propio, irreverente, fresca, con tintes de feminismo sin caer en lo radical mostrando la otra cara, el lado B de los grandes reinados, recordándonos que de hecho cualquier mujer puede llegar a ser esa emperatriz; convirtiéndola en una mujer tan humana, tan inocente.

Con Vicky Krieps generando el personaje de la emperatriz que poco a poco se sumerge en la peculiaridad construyendo un relato de depresión y vacío existencial, buena dirección, linda fotografía, planos interesantes jugando por momento con el enfoque y desenfoque, hermosos fragmentos en blanco y negro con la excusa argumental de la creación de un aparato capaz de tomar imágenes en movimiento, gran vestuario y buena banda sonora.

¿Su punto débil? el tiempo, para mi gusto, demasiado larga y con desarrollo bastante lento como para lo que pretende contar, por lo cual hay que tener paciencia de verla, con un final que pone los pelos de punta.

Calificación: 6.5