Al ver por segunda vez esta película quedé impresionado con las excelentes actuaciones tanto de Cliff Robertson, pero sobre todo, de Joan Crawford. Lorne Greene y Vera Miles están también a la altura. Robert Aldrich dirije con muy buen pulso narrativo este drama que durante sus 107 minutos no decae en ningún momento. Son notables ciertos picados y contrapicados. El guión y la fotografía son excelentes. Es una película de 1956 (61 años de antigüedad) a la que no se le nota el paso del tiempo. Obviamente el tema de la misma ha sido tratado innumerables veces desde entonces. Sobre el oficio de Crawford me resultó interesante leer que Cliff Robertson contaba muchos años después de rodar el film que cuando Aldrich le decía a Crawford que en determinada escena tenía que lagrimear preguntaba cuál ojo quería que llore: increíble.

Después de ver esta versión de 2001 del reputado director polaco Jerzy Kawalerowicz ("Faraón"), siento necesidad de reivindicar una vez más la grandeza del cine clásico en todos los niveles. Ello porque esta versión no es mala, pero 50 años después no ha podido ni siquiera igualar a su antecesora en ninguno de los rubros. Ni la dirección de Mervin Le Roy, ni el guión, ni la fotografía, ni la música. Donde la diferencia se hace muy grande es en el rubro actoral. Robert Taylor con sus limitaciones no es superado por Pawel Delag, Magdalena Mielcarz -pese a su belleza- no logra igualar a Deborah Kerr. Párrafo aparte para Leo Genn y sobre todo para Peter Ustinov. Sólo ver a estos dos actores y compararlos con su reemplazantes de esta versión marca un tremendo abismo a favor de los primeros. Soy de los que está convencido que la semblanza que hace Ustinov de Nerón es una de las actuaciones más soberbias de toda la historia del cine. En fin, aun con todas la evolución que hubo en lo técnico, esta remake queda muy lejos de la gloriosa versión de la década del 50.-

Desde que ví por primera vez esta película ya quedó grabada para siempre en mi memoria cinéfila uno de esos momentos mágicos que nos regala el cine de vez en cuando y que sabemos nunca olvidaremos: Buster Keaton sentado en el primer banco de la iglesia esperando que llegue alguna candidata para poder cumplir con la condición para recibir una herencia. A partir de allí, toda la segunda media hora de esta película es tan desopilante y divertida que siempre tendremos ganas de verla de nuevo. Buster Keaton logra una de sus películas más acabadas -en mi humilde opinión justo con Sherlock Jr. las dos mejores- y hace gala de esa ocurrencia sin fin explotada a través de un despliegue atlético que justifica con creces su apodo. Asombra comprobar como una película muda estrenada hace la friolera de 90 años significó una hora de risas ininterrumpidas no sólo para quien escribe (51 años) sino también para una de mis hijas de 13 años y otro de mis hijos de 15 años. Aunque Ud. no lo crea, el Gran Buster Keaton sigue vigente a pesar de, o, con mayor razón aún, en la época del reinado del cine hecho por computadora.

Siempre se dice que David W. Griffith y Orson Welles dieron pasos gigantes en el desarrollo del cine con sus innovadores películas "El Nacimiento de una Nación" y "Ciudadano Kane" respectivamente. Después de ver las magnas obras de Abel Gance: "La Rueda" (1923) y "Napoleón" (1927) tengo el atrevimiento de afirmar que este director francés fue igual de innovador y pionero que los citados. En las dos películas mencionadas, Gance presenta un montaje frenético dosificado por momentos que, teniendo en cuenta que la famosa "El acorazado Potemkin" es de 1925, nos lleva a la conclusión que dos años antes que Eisenstein, el director francés ya había utilizado el montaje como forma de hacer avanzar la historia y no sólo como forma de ensamblar una parte con otra de una película. En Napoleón hay muchos momentos impactantes: 1) Cuando funde la cabeza del joven Napoleón con la cabeza de un águila se anticipa en más de 30 años al famoso fundido de caras que luego realizaría Bergman en "Persona". 2) El montaje paralelo de Napoleón a merced de una tormenta en alta mar conjuntamente con el caos de la Asamblea Nacional en París filmado este último con la cámara puesta en un columpio: notable. 3) El sistema de "polyvision" que se anticipó en años al efecto de pantalla extendida del cinerama. 4) Impactantes primeros planos de Napoleón de niño, de Napoleón adulto, de Josefina de Beauharnais. Párrafo aparte merecen las actuaciones de Albet Dieudonné (evidentemente nacido para hacer este papel) como así también del que hace de Napoleón niño (Vladimir Roudenko). Evidentemente "Napoleón"de Abel Gance fue un verdadero "tour de force" (en términos de Toynbee) del cine francés para igualar al cine norteamericano. Lamentablemente el alto costo de producción, los dos años que llevó filmar esta primera parte y la llegada del sonoro al que Gance no se pudo adaptar correctamente, impidieron que se filmaran las otras partes del proyecto para abarcar la vida del general corso en su totalidad. En IMDB he leído varias críticas que descalifican la restauración llevada a cabo por Francis Ford Coppola y la banda sonora incorporada por su padre, el ganador del Oscar por la banda sonora del Padrino II, Carmine Coppola. Pues, sin haber visto la otra versión más larga, me pareció espectacular el trabajo realizado por los Coppola (padre e hijo). Realmente un DVD de colección para atesorar y ser testigos nuevamente de unos de esos selectos momentos en que el CINE trasmite esa MAGIA que solo el puede trasmitir.

Al ver esta película por segunda vez, me queda la sensación que tiene sus lagunas pero que cuenta con cuatro momentos mágicos por las cuales siempre valdrá la pena volverla a visionar. Me refiero a los siguientes: 1) El primero sin duda cuando Judy Garland canta "Over the rainbow": uno de los momentos mágicos inigualables que el cine suele dejar grabado en nuestra retina y oídos para no olvidar jamás y añorar volver a disfrutar; 2), 3) y 4): Los otros tres: la aparición y presentación del espantapájaros, el hombre de lata y el león: todos ellos se franquean haciéndonos saber sus temores y debilidades con diálogos que para mi modesto entender son los mejores del film. De los tres, mi preferido es el hombre de hojalata. Como dice Roger Ebert, da la impresión que Morgan, Bolger y Lahr no eran concientes que estaban interpretando una película que se transformaría en ícono ya que lo hacen con una naturalidad y despreocupación asombrosa. También son para destacar el colorido de la película y la interpretación de Garland, que junto con la que hizo en "Nace una Estrella" son para mí las dos mejores de su carrera.