Mezcla de western clásico y cine de autor, ofrece una narrativa sobre la amistad, la aventura y el inexorable avance del tiempo. Es un filme que atrapa por su carisma y desparpajo inicial, pero cuyo trasfondo se revela más trágico de lo que aparenta. Paul Newman y Robert Redford encarnan a Butch Cassidy y Sundance Kid, dos forajidos que, pese a su ingenio y encanto, no logran escapar de un mundo que ya no tiene espacio para ellos. Gran acierto de casting de poner a los dos guapos del momento a encabezar la película.

La película es un homenaje al western de antaño, pero se convierte en un comentario sobre su ocaso. Los personajes son conscientes de que la frontera ya no es lo que era; las ciudades crecen, los trenes traen progreso, y el "salvaje Oeste" se convierte en una reliquia romántica que ya no tiene lugar para héroes ni villanos. Butch y Sundance son figuras del pasado que se niegan a adaptarse, persiguiendo la libertad en un mundo que insiste en encasillarlos.

El tono ligero de la primera mitad, con sus robos de trenes casi cómicos y la famosa secuencia en bicicleta al ritmo de Raindrops Keep Fallin' on My Head, contrasta con la persecución implacable que sigue. Es como si la película nos recordara que no importa cuán astutos o encantadores seamos; siempre habrá algo más grande, más fuerte y más persistente que nosotros. Y ese algo es el progreso, la autoridad, o quizás simplemente el tiempo.

En esencia, la película nos invita a reflexionar sobre la lucha entre lo viejo y lo nuevo, entre la libertad individual y las estructuras que intentan domesticarla. Su mayor mérito está en mostrarnos que el verdadero destino de estos dos hombres no es la supervivencia, sino la lealtad a quienes son, incluso cuando el mundo ya no los comprende.

Película fundacional que marcó el inicio de un modelo cinematográfico exitoso en los 70, el cine de catástrofes; destacando por su reparto coral de estrellas, una fórmula que se repetiría en muchas producciones "de desastres" posteriores. Con un elenco repleto de nombres conocidos, la película ofrecía más que una trama: una experiencia de ver a actores favoritos en un contexto de tensión y acción.

En su época, Aeropuerto supo explotar eficazmente el suspense, creando una atmósfera cargada de tensión con la amenaza de una catástrofe aérea. Esta mezcla de drama y thriller resultaba efectiva y fue clave para su éxito de taquilla.

Sin embargo, a día de hoy, Aeropuerto no ha resistido el paso del tiempo. Las interpretaciones que antes parecían llenas de carisma ahora se sienten melodramáticas y forzadas. La trama, antes impredecible, hoy parece predecible, y el ritmo narrativo, con diálogos largos y detallados, resulta innecesariamente expositivo para las audiencias modernas. La falta de profundidad emocional, derivada de la estructura coral, también hace que el filme pierda impacto en comparación con los estándares actuales de suspense y acción.

Y es que, ese sería el destino de todo un género que despegó hasta lo más alto con esta película... pero duró lo que duró... toda una catástrofe...

Cautivadora mezcla de terror y ciencia ficción, donde Jordan Peele utiliza un misterio extraterrestre para cuestionar nuestra obsesión con el espectáculo y los límites éticos de convertir el horror en entretenimiento. La historia sigue a dos hermanos que intentan capturar pruebas de un fenómeno extraño sobre su rancho en California, explorando temas como la codicia humana y el deseo de control. En lugar de los típicos motivos heroicos o de supervivencia, los protagonistas actúan movidos por una ambición pragmática: transformar el evento en una oportunidad para asegurar su futuro financiero y social.

Su atmósfera es inquietante y subversiva, rompiendo las expectativas del público y presentando personajes que no buscan ser héroes, sino cazadores de una desgracia que desean explotar. A través de una rima narrativa que conecta la aventura de los hermanos con un trágico incidente del pasado (la historia de un chimpancé en un set de televisión), la película muestra que el deseo de los protagonistas por vivir del espectáculo tiene un horizonte patético y degradante.

La manera en que Peele cimienta el suspense es admirable, iniciando con una atmósfera de misterio que aumenta la tensión de manera paulatina. Sin embargo, en su último acto, la película pierde algo de fuerza, optando por resoluciones más funcionales que sorpresivas. A pesar de algunas imágenes impactantes, la narrativa se vuelve menos innovadora y más centrada en el enfrentamiento, sacrificando en cierta medida el tono enigmático que dominaba el inicio.

Aun así, *Nop* es una película visualmente fascinante y ambiciosa. Si bien no es tan redonda como su éxito *Get Out*, la película invita a la reflexión y explora los peligros de una sociedad que ansía convertir cualquier evento en espectáculo.

Love Story fue un fenómeno de su tiempo. Su historia de amor imposible y trágica entre los personajes de Ali MacGraw y Ryan O’Neal tocó una fibra sentimental en millones de espectadores y fue, sin duda, un éxito de taquilla y un emblema romántico de los 70. Sin embargo, su fórmula de tics fáciles y giros melodramáticos –construidos para arrancar lágrimas a cualquier precio– ha envejecido con poca gracia. Los recursos facilones de guion, que en su día fueron tan efectivos, hoy se sienten previsibles y algo forzados, dejando en evidencia la manipulación emocional con la que el filme busca impactar al espectador.

La famosa frase “Amar es nunca tener que decir lo siento” ha perdido su aire solemne y ahora suena a cliché. Sin embargo, lo que sí ha perdurado es la icónica banda sonora de Francis Lai, una melodía que encapsula la esencia de aquella historia y mantiene viva la nostalgia por el filme, más allá de las debilidades de su narrativa. La música, más que el propio argumento, es el verdadero legado de Love Story y el elemento que sigue evocando el recuerdo de un amor que, aunque algo ingenuo, dejó su marca en el cine romántico.

Una de esas películas que no se conforma con contar una historia, sino que intenta transmitir la magnitud histórica del ataque a Pearl Harbor. Lo hace de una manera tan meticulosa que uno no puede evitar sentir que está viendo un documental de proporciones épicas en lugar de un filme bélico convencional. La película se plantea como un proyecto bicultural, reuniendo a directores estadounidenses y japoneses, lo cual le da un toque interesante e inusual desde el inicio. Esta colaboración busca ofrecer una perspectiva dual, una mirada binacional que muestra el conflicto no desde una postura moralista, sino como una cadena de decisiones y errores fatales desde ambos bandos.

Impresiona la frialdad con la que se narran los eventos. Hay una precisión casi quirúrgica en la reconstrucción del ataque, un nivel de detalle asombroso en cada paso y, sobre todo, un enfoque en las estrategias y las comunicaciones (o la falta de ellas). Este enfoque meticuloso es ideal para quienes desean un retrato desapasionado de los hechos, aunque es cierto que puede sentirse demasiado académico y un tanto distante para aquellos que buscan acción y drama convencionales. La película peca de ser demasiado descriptiva; los personajes quedan absorbidos por la magnitud de los eventos, relegados a un segundo plano, lo que dificulta la empatía.

El punto más llamativo es el impresionante despliegue técnico. La película presenta una coreografía visual notable, especialmente en las escenas de combate aéreo y los efectos especiales, que están a la altura de un tema tan ambicioso. Sin embargo, cuando la película no narra el ataque, se pierde un poco en la exposición de la enorme maquinaria burocrática de los estados y de la ineficacia que a menudo genera. En ese sentido, la película te pega una tremenda “turra” que podría aburrir a las moscas… pero, sorprendentemente, esa “turra” se convierte en virtud al transmitir lo tedioso y poco práctico que resultan esas estructuras burocráticas que, sin dejar de ser necesarias, terminan siendo un obstáculo para el funcionamiento fluido.

En definitiva, es una película más enfocada en el rigor hasta el último detalle que en emocionar o generar tensión. No busca provocar lágrimas ni patriotismo, sino ofrecer una especie de lección de historia filmada con precisión casi militar.