Aunque hay una línea de desarrollo del argumento que tiene que ver con la dinámica grupal, el verdadero protagonista es Dave (Dennis Christopher), que se destaca como ciclista y participa en todas las competiciones existentes. Dave habla y vive como si fuera italiano, está obsesionado con los ciclistas de ese país, con la música y con la cultura italiana en general. Tal es el grado de obsesión del protagonista, que se hace pasar por un estudiante italiano de intercambio para atraer la atención de una chica universitaria llamada Katherine (Robyn Douglass).

Pero el verdadero núcleo simbólico de la película es el que se desarrolla en torno a la relación entre Dave y su padre (interpretado por Paul Dooley), relación que evidencia una tensión manifiesta, presente en todo momento. Su padre no comprende la obsesión de su hijo por la cultura italiana y le cuestiona el hecho de que no estudie ni trabaje, aunque en el fondo el problema real es que existe un abismo generacional entre ambos, que el desarrollo de la trama logrará sino recomponer, al menos acercar.

Cuando un equipo profesional de ciclistas italianos que compite en la carrera Cinzano 100 pasa por el pueblo de Bloomington, Dave se entusiasma con la idea de correr con ellos. Sin embargo, apenas los ciclistas notan sus virtudes deportivas, hacen todo lo posible por alejarlo. La decepción de Dave se refleja en una conversación que mantiene con su padre luego del incidente:”Todos hacen trampa, sólo que yo no lo sabía”. Esta frase resulta una expresión certera de los profundos cambios que tienen lugar en la visión del mundo del protagonista.

La carrera Little 500, en la que participan ciclistas de la Universidad, es la oportunidad perfecta para que Dave y su grupo de amigos demuestren sus aptitudes. Así es como, tras vencer en la competencia, reciben una ovación de todo el público presente y restablecen la conexión con su comunidad.

Con reminiscencias a American Graffiti, la película muestra su mejor cara al seguir el deambular de los cuatro amigos por el pequeño pueblo, aunque peca de cierta ingenuidad, manifiesta principalmente en la resolución, que además resulta algo predecible.

En ese camino está Maude, una señora que está por cumplir 80 años y está tan loca como él. Por eso se entienden mutuamente. Las barreras sociales (que técnicamente no existen para ninguno de estos dos personajes) no son un impedimento para el afianzamiento de su relación. Estamos ante una historia de amor que elude cuestiones generacionales, y se enfoca más en las similitudes y puntos de vista que Harold y Maude comparten sobre la vida: asistir a velorios de desconocidos, eludir a la justicia (en el caso de Harold, la justicia está representada por su fría y calculadora madre; mientras que para Maude eludir a la justicia consiste en robar autos estacionados en la calle), en definitiva, tomarse la vida un poco en broma y un poco en serio, pero intentando vivirla de forma personal. Lo que se puede criticar en la película en general es una falta de cohesión a nivel guión, en varios momentos da la sensación de haber perdido el rumbo, o de no encontrar un tono adecuado para narrar esta historia de amor, apelando a humoradas que funcionan bastante bien en general, pero hasta cierto límite.

Cléo (Corinne Marchand) recorre las calles de Paris mientras espera el resultado de un examen médico para saber si tiene cáncer. El tiempo fílmico se condice -casi en todo momento- con el tiempo real, razón de ser del título del filme. Las escenas se separan entre sí por un texto que enmarca los minutos de su comienzo y final, y titula cada fragmento. Momentos que en otro contexto se considerarían “tiempos muertos”, adquieren un significado existencial, vistos a la luz de la espera de los resultados.

La superficialidad de la vida despreocupada de una cantante popular se contrapone a la seriedad del asunto en cuestión -el riesgo de muerte-. En ese contrapunto entre el tiempo cronométrico y la duración subjetiva de los acontecimientos sucede la narración. Asistimos a un espectáculo en movimiento constante, en el cual los diferentes personajes aparecen y desaparecen de la vista de Cléo, siendo la ciudad el escenario principal -marca registrada de las películas de la Nouvelle Vague-.

La utilización de espejos en varios momentos de la película pone en escena la dicotomía cuerpo-alma, siendo el espejo una superficie en la cual se reflejan tanto la imagen como los pensamientos de Cléo en voz en off. Uno de los personajes es clave para el desarrollo final del argumento, porque sirve como intérprete de los sentimientos de la protagonista.

La película recrea el ámbito semirural (típico del cine de Chabrol) de una familia de clase baja durante la Segunda Guerra, en el día a día de la ocupación alemana. Marie realiza actividades prohibidas dentro de su casa, como practicar abortos y alquilar un cuarto para prostitutas. Luego de que su marido vuelve prematuramente del frente, la relación se va volviendo cada vez más difícil hasta terminar en un matrimonio carente de amor y sexualidad. La economía doméstica comienza a mejorar gracias a las actividades que realiza Marie, sin embargo cuando su marido descubre que ella tiene un amante la denuncia a las autoridades. Ese punto de giro marca el comienzo del fin para Marie.

Lo que es llamativo es que el director opta por reducir al mínimo el metraje del acto final y extiende innecesariamente momentos irrelevantes del desarrollo. Las escenas relacionadas con amoríos y paseos por el pueblo se vuelven repetitivas y carentes de profundidad dramática por lo que no termina de definirse con exactitud si la película trata sobre el feminismo, sobre el nazismo o sobre otra cuestión. Recién en el acto final reaparece la mano de Chabrol, en su costado más oscuro y directo. El director despoja a la imagen de todos los elementos accesorios para enfocarse en el sufrimiento de Marie, quien es severamente condenada y finalmente asesinada. En ese aspecto se puede pensar en Une Affaire de Femmes como una reversión de La Pasión de Juana de Arco (Carl Theodor Dreyer, 1928) en otro contexto temporal.