La actriz australiana Nicole Kidman destaca por su gran trabajo en esta cinta independiente llamada “Destroyer”, interpretando a una mujer policía que se auto desprecia y que esta en búsqueda de un delincuente que arruinó su vida hace 16 años.

Siempre existen actores que son famosos por sus transformaciones físicas y que lo hacen para desafiarse a sí mismos y poder encarnar a un personaje que les brinda un registro distinto y extremo. Es el caso de “Destroyer”, una pequeña cinta independiente, que pasaría inadvertida, pero tiene en su rol principal a esta talentosa australiana Nicole Kidman, que se jugó todas sus cartas para adelgazar, dejar de lado un maquillaje para dar vida a la detective destruida con una hija en malos pasos que la rechaza y detesta.
Erin (kidman)tiene sus ojos pesados y desgastados, su piel marcada y endurecida. Las imágenes abren con ella dormida en un auto en un sitio de un asesinato, ningún policía la quiere ahí, se ve mal, es inestable y malhumorada. Antes Erin era una joven policía que trabajaba encubierta junto a un agente del FBI llamado Chris para ayudar a acabar con una violenta banda de ladrones de bancos donde se infiltran en ese peligroso e inestable mundo pero todo lo que se planea a veces no sale como se propone y comienza posteriormente un camino a la destrucción por los graves hechos ocurridos.
La película es ideal a quienes gustan de cintas policiales, con suspenso pero con un contenido que carga su peso en esta mujer policía que se autodesprecia y de la cual te apiadas por momentos, un duro y pedregoso camino a una supuesta redención pero no exenta de ánimos de venganza extrema. “Destroyer” se plantea como una cinta fragmentada, van y vienen los recuerdos de episodios pasados y persiste su obsesión por darle cacería a esa banda que nuevamente podría estar operando en la ciudad y que cambio su vida para siempre.
Es bueno ver a la australiana Nicole Kidman en un registro distinto, a pesar que nos ha ofrecido algunos roles memorables en “Ojos Bien Cerrados” de Stanley Kubrick; o en “Cold Mountain”de Antony Minghella; “Las Horas”, encarnando a la escritora Virginia Woolf o la terrorífica “Los Otros” del director Alejandro Amenabar. Cintas que anticipan que la actriz va adquiriendo una madurez y seguridad que es puesta a prueba en este último film policial que recomendamos ver.

“Cinco sangres”, es el último trabajo del director Spike Lee, que conversa mucho con la contingencia racial vivida en la actualidad. Utiliza la guerra de Vietnam y sus consecuencias, para criticar el orden blanco impuesto en su país.

El cine del director Spike Lee se caracteriza por criticar el racismo, la xenofobia, la desigualdad y descontento social desde que hizo su estreno con la cinta “Haz lo correcto”, hechos que hoy cobran mucha fuerza en la actualidad con la muerte de George Floyd en manos de un policía y el consabido aumento explosivo un sistema que discrimina sistemáticamente en muchas latitudes del mundo.
Ahora la plataforma de cine en pandemia que es Netflix, exhibe su último trabajo llamado “Cinco Sangres” una cinta que esta muy buen nivel gracias al grupo de actores que representa a ex soldados de Vietnam. La trama gira alrededor de estos cuatro veteranos de guerra de raza negra (Delroy Lindo, Clarke Peters, Isiah Whitlock Jr y Norm Lewis), se reúnen el dicho país décadas después con la excusa de recuperar el cuerpo del que fuera compañero y líder (Chadwick Boseman), pero lo que les mueve también es la promesa de un tesoro escondido y algún grado de redención de unos de sus controvertidos compañeros de armas. En el desarrollo del film me recordó a muchas cintas bélicas como Apocalypse Now de Francis Ford Coppola. “El tesoro Sierra madre” de John Huston o “Nacido para Matar” de Stanley Kubrick. Sin duda alguna, Lee lo hace desde un renovado punto de vista, el de las victimas ignoradas de aquel holocausto y sus heridas que no han podido sanar hasta hoy en una guerra que no era suya.
El realizador nos sitúa en tiempo presente donde los amigos se reúnen para ir en la aventura de los recuerdos donde se mantenían unidos en una selva enviados en varias misiones donde sentían discriminados, considerando que su raza en ese entonces representaba el 10% de la población pero en Vietnam de todas las tropas representaban el 30%, unos verdaderos carne de cañon
Siempre Lee va tras pequeños grupos viviendo constantemente en tensión, usando la comedia muchas veces mezclando lo documental y lo dramático para no perder de foco el mensaje. Se siente el resentimiento de los personajes, un mea culpa de las condiciones raciales y sociales a lo largo del film que sigue su tradicionalidad el racismo, un cine social y militante que esta vez usa como telón de fondo la vuelta a Vietnam de un grupo de hombres que se sintió utilizado.
Tal vez cuando el actor Delroy Lindo, que esta notable, mira a la cámara desafiante, resume el alma de la cinta en un gran momento y dice “no me volverán a engañar, ustedes me hicieron malo, este maldito lugar, el maldito ejército quemó la tierra, el agua y contaminaron mi alma también pero no moriré, óyeme no me vas a asesinar, el gobierno de Estados Unidos no me matará, yo eligiré cuando y como voy a morir, ¿entendido?.
Es un film que conversa muy bien con la contingencia y no sería raro viviendo un año de agitaciones raciales y sociales por todo el mundo que la cinta y sus actores sean llamados a obtener varios premios venideros. Spike Lee es un gran cineasta contemporáneo, que critica a quienes nos dirigen, al sistema y los falsos profetas también que presentan un camino violento a resolver las cosas. En dos horas y media hay que estar atentos a los mensajes entre líneas que ya hablaba de un descontento contenido que se expresa hoy con mucha fuerza.

“Merlina” es un spin-off de “Los locos Addams”, que esta vez de la mano de Tim Burton crea un ambiente oscuro, ácido y detectivesco que agrada muchos a niños y adolescentes la cual puedes ver los ocho capítulos en Netflix.

Mi hija menor me insistía que viera “Merlina”, basada en la cinta de 1991 dirigida por Barry Sonnefeld llamada “Los locos Addams”, que inmortalizaron a Cristina Ricci, Angelica Huston y Raúl Juliá. Este spin-off esta cargado de oscuridad y acidez a borbotones que la anteceden tanto en películas de carne y hueso o dibujos animados que hace poco también y lo hace sorprendiendo y sin saturar.
Esta “Merlina” tiene aires de Harry Potter, la academia de “X MEN” y algunas cintas de detectives que sin duda refresca esta serie esta vez basada en la hija mayor del matrimonio de Morticia y Homero. Esta joven después de haber sido expulsada demasiadas veces de escuela secundaria, posterior a su delito más reciente que fue tirar pirañas con el equipo de natación que le hacia bullyng a su hermano. Debido a ello es expulsada y trasladada a un lugar más "apropiado". Con sus padres encarnados por Luis Guzmán(Homero) y Catherine Zeta-Jones(Morticia), deciden enviarla a su propio internado, Nevermore Academy. Pero lo que se suponía tratar de calmar a la joven, esta desde el primer día trata de escapar pero en el camino con la ayuda de “dedos”, esa mano que sin duda se roba muchos momentos. En dicho camino se desvían b pastanteorque tratan de desenhebrar una serie de asesinatos que están ocurriendo en la escuela y bosques cercanos.
La joven actriz Jenna Ortega, que interpreta a Merlina, es sin duda la fortaleza y acierto de Tim Burton donde esta presente en casi todo los cuadros distribuidos en ocho capítulos con aires de una segunda temporada prontamente. Aunque Christina Ricci, interpretó a la perfección en el pasado a este personaje, la ascendente actriz da el tono muy bien en esta serie de Netflix.
La serie tiene un enfoque novedoso más allá de ser oscuro y sombrío con un chip en su hombro le da incluso al fanático más incondicional una razón para sintonizar y ver qué hará a continuación en su misión para salir a explorar una serie de intrigas que la hacen interesantes y desafiantes para saber cual es el misterio que rodea a esa particular escuela.
El trabajo tiene un apartado visual de calidad, que se le conoce a Burton, que principalmente esta orientada a público familiar y que busca incentivar la curiosidad de los espectadores y que usa muchas vuelta giro en su guión, sumado a los buenos efectos visuales generan una conjunción de elementos que la hacen un entretenido panorama para un fin de semana.

Rodada en Blanco y negro, “Belfast” del director Kennet Branagh, esta cargada de nostalgia y emociona con una historia de división irlandesa con un impecable arte que la ha transformado en una de las favoritas a todos los certámenes de cine.

Un ejercicio muy usual es la de los directores de cine recordar su infancia, sus primeros recuerdos en sus respectivos entornos como lo han hecho muchos. Ejemplo de ello es la oscarizada “Roma” del mexicano Alfonso Cuarón; “American Grafitti” de George Lucas; “Los 400 golpes” de Truffaut o “El Pianista” de Roman Polanski. Esta vez es el turno del director irlandés Kenneth Branagh, un hombre de oficio tanto en Europa como el Hollywood y al cual lo hemos visto actuando en las dos últimas cintas de Christopher Nolan, “Dunkirk” y “Tenet”
La película comienza con tomas generales del Belfast actual y luego se sumerge en un plano de las calles en blanco y negro de 1969, con niños jugando y adultos gritando en una escena de vida bulliciosa casi en un estado idílico y familiar. El pequeño de nueve años Buddy juega y saluda a todo el mundo pero pronto se encuentra con una escena voraz. Bombas motolov, palos y gente gritando y atacando a vecinos de una calle de católicos, el no entiende nada y su madre pronto corre a protegerlo. Sin decirnos mucho son los protestantes que intentan expulsar a los católicos de una comunidad es lo que ocurre.
A pesar de ello, de los alambres de púas, barricadas y soldados resguardando los habitantes, los niños sobre todo se abstraen del fondo de la tensión que genera la religión. El film nos invita a mirar un drama a través de los ojos de un niño, que es un buen ejercicio que vimos con “Machuca” de Andres Wood con el golpe de estado en Chile y con “Imperio del sol”, con un pequeño Christian Bale en la cinta de Steven Spielberg. Buddy puede estar preocupado de que sus padres muden a Inglaterra o Australia pero también le preocupa impresionar a una niña de la escuela. La película está llena de vida, humor, tragedia y comedia, una mezcla cargada de nostalgia y sentimentalismo que incluso nos invita a ver algunos clásicos del cine que la familia acude asiduamente a una sala donde ven películas incluso con los abuelos.
LA cinta protagonizada por Jamie Dornan(50 Sombras de Grey), que interpreta al padre que se ve obligado a viajar a Inglaterra por trabajo durante semanas. Por su parte esta su esposa encarnada por la bella Caitríona Balfe, madre que cuida a los niños en su ausencia y nunca parece menos que radiante a los ojos del pequeño Buddy. Mientras tanto, Judi Dench y Ciarán Hinds son los platos fuertes de la actuación e interpretan a los abuelos. Y como Buddy, Hill no solo se parece a lo que piensas que probablemente Branagh lucía a esa edad, sino que es la persona más visible en la pantalla, incluso cuando la comparte con estrellas y leyendas.
Belfast es rica visualmente debido a su blanco y negro y varias tomas en contrapicado situando a los personajes siempre mirando hacia el cielo esperanzador. La cinta toma un breve lapso de la vida de su director que esta en gran forma para haber dirigido este drama que tiene tinte de comedia en muchos pasajes como diciéndonos que la vida a pesar de las adversidades hay que tratar de seguir riendo y eso solo lo puede decir al parecer un Irlandés. Atención con la incorporación del tema del grupo “ Love Affair , Everlasting Love”, un acierto incluirlo en el film.

“Depredador: La Presa”, es el quinto largometraje de la saga que cuenta esta vez con una mujer comanche como protagonista que da una dura lucha al peligroso Alien. Un trabajo muy entretenido que se revitaliza la serie gracias a su rodaje en la naturaleza más indómita y desborda energía que se necesitaba.

Antes de presentar un relato de esta nueva entrega de la saga, hay que retroceder en el tiempo y decir que John McTiernan(Duro de Matar), en 1987 dirigió fue un festival de gore lleno de testosterona, con un gran espectáculo lleno de acción encabezado por el ascendente, en ese entonces, Arnold Schwarzenegger, que rápidamente se convirtió para muchos en una película de culto.
Posteriormente, tuvo su secuela en 1990 "Predator 2” con el Alien llevado a la gran ciudad, seguida de "Predators" dejó la Tierra por un planeta alienígena con Adrien Broody como protagonista , y "The Predator" de Shane Black trató de volver a lo básico con una película bastante desordenada que mostraba signos de decadencia con un resultado bastante irregular. También hubo algunos spin- off bien malitos como "Alien vs. Predator".
Ahora en Disney + y Star +, tenemos ya estrenada esta nueva versión de la saga ambientada territorios Comanches hace 300 años, donde una mujer joven, Naru, una guerrera feroz y altamente hábil que ha sido criada por cazadores más legendarios que deambulan por las grandes Llanuras. Cuando el peligro acecha tribu, se dispone a proteger a su gente. La Presa a la que acecha y a la que finalmente se enfrenta resulta ser un depredador alienígena altamente evolucionado con un arsenal técnicamente avanzado, lo que da lugar a un enfrentamiento feroz y aterrador entre los dos adversarios.
Según mi parecer, los principales atractivos de la cinta provienen de los escasos diálogos, más bien son imágenes en movimiento en muchos pasajes. Asimismo, el acierto de incorporar a una mujer protagonista de pueblos indígenas americanos sin que sea algo forzado o por los tiempos que corren, es sin duda de lo mejor que fluye en ese inmenso escenario. También la cinta de Trachtenberg, es la que más se acerca a recuperar la energía del original de fines de los años ochentas, lo hace sacudiendo moviendo muchas piezas entre ellas situar las acciones en plena naturaleza más indómita, donde no solo el Alien es una amenaza, sino también perros salvajes, felinos y grandes osos que las tribus deben luchar en todo momento por su sobrevivencia. En este mundo sitúan al Alien, entre cazadores, en un terreno muy hostil a pesar de que se mimetiza con los parajes no le asegura que todo vaya bien.
Esta vez ya no es un grupo de soldados armados sino unos nativos comanches que defenderán sus tierras y sus tribus del violento cazador que se mimetiza con la naturaleza. No se siente por momento como una película de la saga sino más bien como un western, incluso con aires de la cinta de “El renacido” del mexicano Alejandro Gonzalez Iñárritu, donde obtuvo el Oscar Leonardo Di Caprio
“Depredador: La Presa” se desarrolla a un ritmo lento, magnético y reflexivo. Hay explosiones de acción cuando Naru está cazando, pero también hay largos períodos de largos silencios no exentos de tensión. Aquí, Trachtenberg y el director de fotografía Jeff Cutter hacen un magnífico uso de la filmación en el lugar permitiendo en muchos pasajes del film apreciar la inmensidad del cielo y extensas llanuras. Una cinta entretenida sin que los efectos especiales obstruyan los planos de la naturaleza y rusticidad que se buscó.