“Podrán quitarnos la vida. Pero jamás nos quitarán… ¡la libertad!”. Está claro que el señor Wallace, entre dimes y diretes, batallas y ejecuciones, se olvidó de enamorarse. Spike Jonze se lo aclara, y no habla de corazones valientes sino de corazones tocados: “Cambiamos y crecemos continuamente, así que la pregunta es, ¿cómo dejas a los demás la libertad de ser quienes son, a cada momento, cada día, cada año? ¿En que se van a convertir, y podrás seguir amándolos? Además, ¿podrán ellos amarte a ti?”. Inferencias e interrogaciones que llevaron al director de Being John Malkovich a lanzarse a un futuro indefinido y darle vida a “ella”. Tan interesante (o más) que un episodio de Black Mirror, Her se estampa de forma admirable, hiriente y sugestiva; a la vez que puede ser tan reconocible para parte del público, que esos espectadores piensen que “se están convirtiendo en mucho más de lo que les programaron. Pueden emocionarse”. Palabras, estás últimas, puestas en boca —o mejor dicho, altavoz— de Samantha: el sistema operativo más intenso que podemos encontrar.

Existen películas que dan en el clavo de tu situación. Cine que remueve conciencias ya removidas de por sí. Porque las ves en el momento menos adecuado o, al revés, porque las ves en el más adecuado. Así ocurrió. Theodore es un redactor de cartas ajenas a las que les pone el alma. Un Cyrano de Bergerac que no busca a Roxana, sino compensar sus vacíos ayudando a personas extrañas a conquistar o fidelizar a sus seres queridos. Quizá de ahí esa prótesis nasal que le han puesto al personaje, interpretado magistralmente por Joaquin Phoenix. Pero sólo quizá. Theodore es, también, un hombre recién divorciado que busca porqués encerrado en sí mismo y totalmente integrado en una sociedad que fomenta el onanismo tecnológico.

Chico conoce a sistema operativo. Chico se enamora de sistema operativo. Lo normal. Por lo menos para Spike Jonze y su cabecita loca (sigue así). Theodore elige voz de chica y ésta se elige su propio nombre: Samantha. Y me entra la duda: ¿qué hubiera pasado si elige voz masculina? Si somos sólo un envase de nuestras emociones, ¿se hubiera enamorado Theodore de John, o como se hubiera llamado su Operating System? Da igual. A partir de ahí, empieza una gran historia entre dos entes. Una conmovedora historia.

Arquitectónica y roja. La arquitectura llena y rellena y envuelve y encierra y magnifica. Además de en la cartelería de promoción, el color rojo está omnipresente en el metraje. En la vestimenta del protagonista, en las paredes y en las pantallas de los ordenadores. ¿Pasión? ¿Melancolía? No lo sé. Pero está. Y encaja. La fotografía del film, junto a su apabullante banda sonora; merecedora de un Oscar o dos o tres o cuatro, consiguen un ambiente espectacularmente emocionante. Mientras escribo la crítica, estoy escuchando la música de la película, con Arcade Fire como héroes, y se me ponen los pelitos de punta.

Muy recomendable. Aunque avisados estáis de una película con miles de lecturas personales. Una película de la que se puede positivar el actor protagonista, la voz de la actriz protagonista, la ambientación, la banda sonora, el guión, etcétera. Una película que habla de la fascinación, la pasión, la complicidad, la compañía, los celos, las dudas, el diálogo y la comprensión entre dos individuos, uno de los cuales no existe. O sí.

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Giro la cabeza desde mi cómoda butaca y ¡Mira si es Trueba! ¡Anda el marido de la peluquera! ¡Toma ya Claudia Cardinale! ¡Madre mía Chus Lampreabe! Todos ellos, veteranos del celuloide, envuelven a Aida Folch y se preparan para verse en la gigantesca pantalla del Kursaal. Se apagan las luces. El artista, Jean Rochefort, pasea por un paraje cercano a un encantador pueblecito del sur de Francia recreándose en cada hallazgo. Se fija en las piedras, en los árboles y en cada elemento lógico del entorno. Una búsqueda de la belleza en la cotidianeidad. Una introducción idónea y reveladora que define el personaje principal en apenas cuatro minutos: un escultor de pocas palabras, silencioso y algo cascarrabias que necesita algún estímulo que le vuelva a hacer creer en su arte. Su mujer, Claudia Cardinale, comprando en el mercado del pueblo, se fija en una joven muchacha española que se ha fugado de un campo de refugiados y ve en ella lo que puede ser un último intento de animar a su marido a volver a ser quien fue.

La película, rodada en un acertado y últimamente recurrido blanco y negro, se nota que está realizada con mucho cariño y estudiada milimétricamente. No utiliza banda sonora; la fuerza de los personajes y los pajarillos del campo sirven de melodía. Es tan relajado e interesante ver como "El artista y la modelo" aprenden, trabajan y dialogan en el retirado estudio que quizá no haga falta nada más. Aunque aportan bastante los apuntes de Claudia Cardinale en la historia, no hacía ninguna falta que apareciera un maqui a dar por saco ¿Se buscaba simplemente una historia de celos o introducir una subtrama? Tampoco era necesario el Nazi inquieto y amante del arte que pasa por la casa a ver que se cuece. Incluso, si me apuras, no hacía falta la chacha española del matrimonio, interpretada por la siempre recurrente Chus Lampreabe. Me interesaba tanto "El artista y la modelo" que no me hacía falta ver La modelo, el artista, su mujer, la sirvienta, el maqui y un nazi que pasaba. Y no es una crítica feroz, ni mucho menos, es que en mi caso solamente sirvieron para distraerme del genial proceso de descubrimiento que los dos personajes principales tienen durante todo el film: las pequeñas catarsis en forma de humor las tuve en una escena en la que el artista sufre una incómoda erección, las históricas en algunas frases de la modelo y las del arte en cada diálogo.

A positivar la secuencia en la que el artista le enseña a la modelo el "Niño que aprende a andar", un dibujo de Rembrant que debió ser dibujado en cinco minutos pero que encierra dentro todo el arte y el saber hacer de un genio; y eso a Mercè (Aida Folch) y a mí nos lo enseñó el artista. Por eso, si nos quedamos simplemente con El artista y la modelo, la película mola.

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Dentro de la sección Culinary Zinema, encontramos esta pequeña, desconocidísima e interesante obra. Un documental, rodado con pocas pretensiones y menos medios, que versa sobre un personaje mitificado, llamado Lupe el de la vaca, que nunca vemos pero que nos sirve para conocer a los peculiares y simpáticos habitantes de una comunidad de la Sierra del Tigre, en Jalisco. Una película, dirigida por Blanca Aguerre, que se presenta de forma muy amena y divertida pero que trata el drama de la subsistencia en el medio rural mexicano y la dificultad que entraña poder vivir de vender leche. La pasión de la directora por la antropología y el haber convivido durante mucho tiempo con la comunidad protagonista del film, logra una naturalidad en los personajes nada forzada. En ocasiones el cameraman tiene que hacer virguerías para grabar porque los entusiastas e involuntarios actores no dejan de hacer sus quehaceres aunque estén filmándoles y hablando a cámara. Apositivar fue a la proyección gracias a una invitación personal de la directora, lo cual no ha cambiado en absoluto la opinión del que suscribe; aunque sí es verdad que si además hubiera sido invitado al menú que un restaurante afamado de la ciudad realizaba en honor de la película, mi crítica hubiera sido muchísimo más halagüeña. Miento. Lo bueno de acudir a festivales es que se pueden ver pequeñas y encantadoras producciones y conocer a cercanos y agradecidos directores, desconocidos hasta ahora.
Para finalizar el dictamen solamente reseñar que uno de los asistentes a la proyección le dijo a la emocionada directora en un coloquio posterior que era el “mejor documental de costumbres que había visto en su vida”, y eso, aún sin recompensa económica, es todo un Premio del Público.

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Que es Nacho Vigalondo algo marciano no se puede negar. Uno de los cortometrajistas más afamados del panorama nacional y director del corto, nominado a los Oscars, 7:35 de la mañana, ha sido también guionista de Gran Hermano y autor de algunos sketchs de Muchachada Nui. Además de todo esto y de su primera incursión en el largometraje con Los cronocrímenes, también era uno de los tres subidos en un burro del spot de Visionlab y, en la actualidad, está preparando su entrada triunfal en el cine yankee con Elijah Wood y Sasha Grey (actriz porno retirada) como protagonistas. Esta mezcolanza de estilos, formatos, lugares y fuentes se puede ver en su película Extraterrestre: un revoltijo de cine de platillos volantes con pinceladas chanantes, líos de pareja a la española y toques de programa reality.

Sinopsis: Julio amanece resaco-vespertinamente, sin acordarse de nada de lo que ocurrió la noche anterior, en casa de Julia. Él queda prendado de su ligue discotequero al instante; ella no, y decide echarle rápidamente de su piso. El problema es que ninguno de los dos puede abandonar la vivienda, porque mientras dormían la mona han llegado los extraterrestres a la tierra y una de las enormes naves utilizadas para la invasión se ha posado sobre Madrid.

El resultado es una comedia de pareja que se lía, y la chica resulta que tenía novio, más vecino cotilla, psicótico y chivato al fondo y platillo sobre sus cabezas. Sería una película de enredos más, a no ser por la anécdota marciana de la que sacan bastantes gags para salir del apuro de la infidelidad pillada. Sería una película de enredos más, a no ser por los actores que están bastante convincentes, sobre todo el gran Carlos Areces (vecino cotilla, psicótico y chivato), que está brutal como siempre. Sería una película de enredos más a no ser por… bueno, es una película de enredos más que hubiera funcionado mejor como cortometraje o, para ser buenos, como mediometraje. Incluso funcionaría bastante bien como obra teatral, gracias a los tres decorados escasos que aparecen y a los cinco actores participantes, todos ellos necesarios para el fluir de la narración.

De todas formas, Vigalondo consigue hacer lo que hace siempre: romper patrones. Ya lo hizo con los viajes en el tiempo en Los cronocrímenes y con el musical en 7:35 de la mañana, y lo ha vuelto a hacer con el cine de invasores alienígenas con Extraterrestre. Aunque no es su primera incursión en la temática romántico-ufo, pues en el año 2005 realizó un corto llamado Domingo, donde ya nos contaba algo parecido, aunque en tan sólo cuatro minutos. A positivar la secuencia de Carlos Areces (vecino cotilla, psicótico y chivato) minando la moral de la infiel pareja desde el piso de enfrente con una máquina de lanzar pelotas de tenis.

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Contó el director, Antoni P. Canet, después de un pase en la Filmoteca de Valencia, que buscar productora para Las alas de la vida fue una tarea más que difícil. Los potenciales productores siempre le preguntaban: “Pero, ¿cuánto calculas que puede durar el proyecto?”. A lo que él respondía: “No lo sé. Cuanto más, mejor”.

A Carlos Cristos, un médico que vive en Mallorca, le detectan una enfermedad neurodegenerativa, invalidante y terminal llamada Atrofia Sistémica Múltiple. Y como no hablamos de ficción sino de la más pura e impactante de las realidades, Carlos decidió llamar a un amigo suyo, director de cine, para que filmara “su lucha por la dignidad en el vivir y en el morir, sin dramatismo y, si es posible, con una sonrisa”.

Así empezó un rodaje que precisaba de esa gran amistad entre director y protagonista para lograr un documental, completamente contenido, realizado desde el respeto y el aprecio y presentado de cara pero sin entrar, como hubieran hecho muchos, en la parte lacrimógena o en los momentos más íntimos con sus familiares y amigos. La actitud de Antoni P. Canet al enfrentarse al intensísimo montaje es honrada y ética y, como resultado, ha conseguido un documento audiovisual que trata de la muerte pero que hace hincapié en el título de la obra.

Carlos Cristos pudo ver uno de los estrenos de Las alas de la vida, exactamente el que se proyectó en Vigo, su ciudad natal; ya que el pronosticado final de la película ocurrió dos años después de su finalización. Y pudo ver un documental único, donde se presenta a una persona cuya vida ha estado repleta de intensidad; y que lo sigue estando en sus últimos momentos gracias a una personalidad auténtica, interesante, inteligente y cercana.

No se puede hablar de acabados formales ni de efectos especiales ni de guiones, simplemente se puede hablar de la banda sonora, compuesta sin intención por el mismo Carlos Cristos, y del montaje, que se ha quedado con lo necesario. Y sobre todo podemos hablar de la historia que se nos cuenta; de la hora y media de documental donde vemos como el médico practicaba su profesión, aquí y en Ruanda; su pasión por el ala delta; la sección de medicina que presentaba en Radio Nacional de España; su afición por la música y los inventos, y su vida en familia; todo ello intercalado con insertos del protagonista hablando a cámara y dándonos lecciones constantes. Una película que se ve con una sonrisa —tal como Carlos quería—, pero donde la dura e implacable realidad se impone durante todo el metraje para conseguir que todos los espectadores queden tocados por esa espectacular manera de hacerle frente a la enfermedad y a la muerte.

Muchas personas, cuando conocen el argumento, comentan que no quieren ver una película para sufrir. Pues nada, ellas se lo perderán. Porque estamos ante algo más que una película; un memorable documental donde se llora, se ríe, se reflexiona y se aprende.

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