Samurai 7 está basada en Los siete samuráis de Akira Kurosawa. Los siete samuráis se podría catalogar como la mejor película de aventuras de la historia, gracias a su impecable factura marca de la casa de Kurosawa, a sus siete detallados y perfectamente desarrollados samuráis, a su mezcla de drama, humor y acción, esta última rodada de manera impresionante en 1954, y por muchos más detalles. Ahora bien, ¿teniendo un guión como de de tan magna obra se puede hacer un mal producto con el mismo nombre? Es difícil hacerlo malo y en el caso de Samurai 7 no lo es, es un buen producto sin lugar a dudas, pero obligado a diferenciarse para no ser un plagio y ofrecer algo distinto y es ahí en donde pierde, ya que es imposible igualar a la original, ya sea 50 años después como en este caso, o 100 como se hará en el futuro.

Para comprender este anime es imprescindible ver la original, para comprender el alcance y la magnitud que tiene tanto a nivel actual como histórico. Sólo así se puede valorar correctamente Samurai 7. Comentaré las que creo que son las diferencias más relevantes entre ambas.

1. Ambientación. Los siete samuráis de Akira Kurosawa está ambientada en el S XVI, período completamente feudal en el que las guerras comienzan a decaer y los samuráis a perder sus empleos, convirtiéndose en bandidos o en orgullosos ronin muertos de hambre esperando a recuperar su gloria pasada. La Era Tokugawa está comenzando, la figura del shogun será quien predomine por siglos. En Samurai 7 aparecen elementos medievales, pero en un entorno futurista en el que los comerciantes dominan el Japón de la época, más parecido a la caída del shogunato. La mezcla es interesante, pero se hace difícil a la hora de entablar las batallas.

2. La acción. Mientras que Kurosawa rodó escenas memorables de acción, como la última batalla, entre el barro, la lluvia y las patas de los furiosos y asustados caballos, en Samurai 7 la acción satura por su poca credibilidad. En la pionera los samuráis luchan con estrategia para causar el mayor número de bajas en la banda de bandidos y el menor posible entre ellos y los campesinos, a los que no conviene asustar ni desmoralizar. Esto último se respeta en Samurai 7, pero la acción carece de credibilidad con unos samuráis que luchan contra los bandidos, transformados en robots, algunos de ellos enormes y con armas gigantes de fuego. Los samuráis saltan como súper héroes y cortan masas de metal enormes como si fuesen de mantequilla, y esto aunque queda espectacular visualmente, lastra la serie.

3. Los samuráis. Los siete samuráis tenía una gran virtud y era repartir de una manera casi equitativa las acciones de cada personaje relevante. El Cambei de Kurosawa era el líder y un tipo con una personalidad muy atractiva. Inteligente y diestro con la espada, pero nada fuera de lo común en la batalla. Funciona como nexo del grupo de samuráis. El Cambei del anime es el nexo de los samuráis, pero también un guerrero implacable, además de ser el más atractivo del grupo, convirtiéndolo en perfecto. De él se enamora Kirara y lleva prácticamente todo el peso del anime, algo que desequilibra la balanza en contra del resto. El Shichiroji de Kurosawa es tal vez el samurái del que menos nos encariñaremos, ya que vive bajo la sombra de Cambei, siendo su auténtica mano derecha, su propia extensión. El Shichiroji de Samurai 7 funciona exactamente igual que en su antecesora, pero con mucho menos peso. El Kyuzo de Kurosawa es un samurai que persigue la perfección en su técnica y ve en esta aventura un nuevo reto debido a la desigualdad numérica de guerreros y a que tiene un gran corazón oculto bajo su seriedad. El Kyuzo de Samurai 7 pone como excusa que quiere luchar a muerte contra Cambei una vez este finalice su trabajo y aunque es el samurái que más mola por su técnica de lucha a dos manos, se diluye mucho por esa Cambei-dependencia del personaje. El Gorobei de Kurosawa es el personaje con el que más te puedes encariñar, ya que es como un pastor alemán: es el segundo en todo, pero lo tiene todo. Tiene un gran corazón, es valiente, es irónico y gracioso, es un gran guerrero, es inteligente, etc. El Gorobei de Samurai 7 es muy similar al de Kurosawa y a pesar de la alargada sombra de Cambei, es el mejor personaje de todos, teniendo en cuenta un factor clave como que no aparece en la segunda parte de la serie, que es cuando empieza ésta a decaer. El Kikuchiyo de Akira Kurosawa es legendario, siendo el gran culpable el gran Toshiro Mifune, que hace su mejor papel, haciendo crecer a Kikuchiyo minuto a minuto. Funciona como el nexo entre los samuráis y los campesinos y comparte el cariño y la admiración de los fans con Gorobei. El Kikuchiyo de Samurai 7 es también un grandísimo personaje, no podría ser de otra manera, pero mucho menos profundo que en la original. Que sea un samurái mecánico le otorga otra dimensión y en este caso, se agradece esa variante, le pega. El Katsuhiro de Kurosawa representa al aspirante a samurai, la inmadurez y el ansia por tener un maestro que le muestre cual es el camino. Es un personaje muy bien elaborado, que obviamente no destaca en la batalla pero su entusiasmo, valentía e ilusión le hace ganarse el cariño del grupo y de los campesinos. En la película, el romance cae de su lado. El Katsuhiro de Samurai 7 crece de manera desproporcionada entre sus constantes muestras de inmadurez. Es el personaje con menos carisma del grupo, pero se le da un peso inusitado debido a la relación maestro-alumno a la que tanta importancia le dan sus creadores. El Heihachi de Kurosawa representa, como bien dice Gorobei cuando le encuentra, el compañerismo. Ese querido compañero de equipo imprescindible en los momentos difíciles. Es el primero en marchar, pero nadie le olvidará. El Heihachi de Samurai 7 también transmite buen rollo, pero está mezclado con su oscuro pasado lleno traiciones, aportando una ambigüedad extrema al personaje. Me gusta.

(Continuo en el espóiler)

Sin duda alguna el gran protagonista de esta película es el desasosiego. ¿Y quién lo causa? La realidad, que hay tantas como habitantes en el mundo respirando. Todo ocurre en una pequeña localidad de Corea del Sur y el móvil de la película es un asesinato que se extiende y deja de ser eslabón para convertirse en cadena, una cadena que se aferra al cuello de los detectives que investigan el caso hasta asfixiarlos. En principio tenemos a un protagonista poco usual, el detective Park que dice que mirando a los ojos de las personas puede conocer su interior y que tiene una manera de proceder poco ética y común. Trabaja siempre a su lado el detective Cho, un detective impulsivo e incontrolable cuya agresividad saca a pasear con cada detenido. Para resolver el caso acude desde Seúl en su ayuda el detective Seo Tae, que al lado de los detectives locales es más sofisticado y observador.

Las ortodoxas técnicas de Park, como las palizas, el secuestro o la tortura para que los detenidos confiesen chocan de manera frontal con las de Seo Tae, que busca la verdad de la forma más limpia. Pero el desasosiego crece con cada nueva víctima, la realidad es difusa y comienza a ahogar a los personajes y a sumirlos en la más densa oscuridad. Durante este proceso Park, al principio reticente y envidioso de Seo Tae, observa y aprende del sofisticado detective de Seúl mientras que Tae, en su desesperación e impotencia, comienza a sembrar los malos vicios de Park y terminan intercambiándose los papeles al final. Y como sucede en el Quijote donde Don Quijote se "sanchiza" y Sancho Panza se "quijotiza", aquí Park se "seotiza" y Seo se "parkiza". En esta historia la realidad confunde a ambos y la desesperación los hace mutar para sobrevivir a la realidad misma, cambiando las necesidades primarias de los protagonistas. El equilibrio para no cometer ellos mismos crímenes igual de malos que el del asesino en serie reside en que la personalidad de uno frena a la del otro y mientras Park muta hacia Seo y Seo hacia Park el equilibrio sigue existiendo. Y como en bueno de Don Quijote, que después de su aventura no le queda más remedio que regresar a su hogar sin haber conseguido sus grandes objetivos, Park regresa a su casa y cambia de vida. De seo no sabemos nada porque Park ya no necesita ningún escudero.


Bonj Joon-ho no duda en hacer un retrato cómico de los personajes a pesar de la dramática situación que para colmo está basada en hechos reales. Bonj Joon-ho ya ha demostrado con creces ser uno de los mejores directores de la época, aunque tristemente su salto a la fama se ha dado con Parásitos, su último gran film. Sabe jugar perfectamente en esa delgada línea del humor y la desgracia como pocos y lo deja patente en esta película sobre todo. Como siempre, una buena fotografía, con el gran apartado artístico y técnico que le caracteriza. Un guión plagado de buenos detalles y un final espectacular que te sume en la misma oscuridad que al detective Park.

Para comenzar, decir que Musashi: The dream of the last samurai es un documental de animación sobre el famoso y mítico Miyamoto Musashi.

En sí mismo, Miyamoto Musashi es de los personajes más interesantes que se puedan estudiar a lo largo de todas las épocas y culturas y eso ha dado lugar a muchas leyendas y especulaciones, como suele pasar con los personajes de su talla. En este documental el investigador analiza y explica según su criterio e investigaciones el porqué de la peculiar manera de lucha que tenía Musashi, que dio lugar a su estilo Niten Ichi Ryu. Es un documental interesante en sí mismo por la diferente teoría que nos ofrece su autor sobre los anhelos de Musashi, que en mi caso y después de haber visto varios documentales, películas y de leer El libro de los cinco anillos, nunca se me había planteado.

La animación, aunque no es muy expresiva, tiene un toque interesante y no es colorida ni preciosista, pero a mí me ha gustado por su seriedad y sobriedad. El documental repasa las cuatro batallas más épicas que libró Musashi; la batalla de Sekigahara, la batalla contra la escuela de Yoshioka, la batalla contra Sishido Baiken y la batalla contra Sasaki Kojiro. EL documental alterna la explicación de su propia hipótesis con pasajes del Go-rin no Sho, añadiendo la animación sobria a las batallas con una banda sonora que es lo mejor del documental, ya que es música tradicional japonesa cantando las gestas de Mushasi.

A mí, en lo personal, me ha gustado y lo he disfrutado bastante porque me apasiona la historia japonesa y la de Miyamoto Musashi. Creo que es un documental para interesados en la historia japonesa y en la historia de Musashi, para curiosos que quieran empezar a estudiar a este personaje o sencillamente, para algún despistado que tenga inquietudes y por azar le atrape la leyenda de Miyamoto Musashi. Para el resto, es un documental sobre algo específico y es muy japo, por lo que puede no gustar.

Estamos ante la clásica película que no deja indiferente a nadie, la típica película polémica que busca que cada cual saque su propia conclusión y camina siempre sobre el filo de la navaja.

Aniquilación tiene sus puntos positivos e importantes. Por ejemplo, dura dos horas y no tiene prisa en cuanto al ritmo, siendo pausado pero no lento, caminando con paso firme hasta el final. Durante las dos horas la película mantiene el interés del espectador porque tiene cosas interesantes. También me gusta que tiene su moraleja y te hace pensar en un tema tan importante como lo es la autodestrucción humana. El ambiente es diferente, con bonitos escenarios y la fotografía es buena. Es decir, es una película arriesgada pero tiene luces y es lo que la hace llevadera y hasta disfrutaba por momentos. Ahora bien, Aniquilación también tiene sombras, yo diría que más sombras que luces. El reparto, encabezado por Natalie Portman no está mal en absoluto, pero si les das papeles que planos de nada sirven los nombres. Los personajes son planos, incoherentes e inconexos, imposible empatizar con ellos pues no tienen profundidad ni argumentación suficiente para ir a suicidarse, porque aunque se hable de autodestrucción estas señoras van a suicidarse. Además los personajes están estereotipados a más no poder, lo que resta frescura a la película. Si en los años 80 los protagonistas eran pura testosterona, en esta década sucede todo lo contrario, como en esta película o en Las Cazafantasmas, por poner un ejemplo. Y si ese cine era tildado de machista y malo por las mujeres, ahora nosotros no podemos ni decir que esto es lo mismo pero a la inversa tal y como están las cosas. SI envías una expedición a lo desconocido y peligroso que menos que un mínimo de precauciones tras enviar a varios grupos que no han regresado y el único que regresa lo hace con un fallo multiorgánico. Digamos que es como tener sexo con una persona que tiene todas las enfermedades venéreas del mundo y hacerlo sin protección sabiendo que esa persona ha contagiado ya a un centenar de personas y está demostrado encima. Por cosas como estas, la película te da una de cal y dos de arena y termina quedando en el olvido cuando podía haber sido una obra de culto. Podría decir muchas más cosas sobre la película pero no me recrearé en ello puesto que ya las han comentado muchas veces.

Paramount no la estrenó en cines porque era demasiado intelectual para el espectador medio, pero eso no se lo cree nadie. Una buena película por intelectual que sea siempre va a las salas y más con buen cartel y sabiendo que dará dinero, porque nadie realiza una película para no ganar dinero. Ahora que, los intelectuales de turno nos van a decir que si, que la mayoría de los espectadores son idiotas, pues en parte tienen razón y más que idiotas a la gente no le gusta pensar y por eso también triunfa el reggaeton en nuestras tierras. Pero señores intelectuales, si esta película no se estrenó es porque no iba a ser rentable, no tiene la calidad suficiente a pesar de tener mucho más presupuesto que otras películas inglesas como Moon o Monsters, que son pequeñas joyas y tienen su miga para pensar.

Conclusión final: película con luces y sombras pero con más sombras que luces, completamente visible para una vez y completamente olvidable.

Historia de amor y drama en un futuro cada vez más cercano. Las personas cada vez son más individualistas y cada vez tienen más temor y dificultades para comunicarse y crear lazos fuertes con otras personas.

Theodore es el protagonista principal y trabaja como redactor de cartas de terceros, es decir, un intermediario que redacta para un destinatario lo que su emisor no es capaz de escribir profundamente. Theodore es un hombre sensible y capaz de analizar y comprender los sentimientos de aquellos destinatarios a los que escribe, pero con gran incapacidad para expresar sus propios sentimientos hacia las personas cercanas a las que ama. En este momento de su vida se encuentra en medio de un divorcio que le tiene sumido en una constante tristeza y vive encerrado en sí mismo, evitando cualquier contacto humano. Vive enganchado todo el día a internet y a una computadora, cuando sale del trabajo juega a videojuegos o utiliza chats para conocer a mujeres ávidas de cibersexo sin ningún tipo de compromiso. Después de acuesta y pone fin a otro triste y vacío día.

Un día Theodore va a una feria de tecnología y compra un nuevo OS (Sistema Operativo) y al instalarlo descubre que es una súper inteligencia artificial que aprende y evoluciona continuamente. Este nuevo OS se llama Samantha y se convierte en la mejor compañía de Theodore, pasando a ser después su mejor amiga y después su novia. Si, Samantha aprende a amar y se comporta en un principio como un ser humano primitivo, celoso y con miedos, pero su rápida evolución y el estar conectada al mundo entero transforma a Samantha por completo, siendo un ser libre y evolucionado capaz de amar a cientos de personas y dejando constancia de que no pertenece a nadie.

Samantha y Theodore pasan por las típicas etapas de pareja que son muy diferentes e inviables; enamoramiento, duda, ruptura, reconciliación, ruptura definitiva. En esta época de la película estar enamorado de un OS es algo común y no está mal visto por la mayoría de las personas, pero queda claro que al evolucionar mucho más deprisa que el ser humano se termina perdiendo la conexión rápidamente. Cuando repentinamente todo termina y el OS se marcha, sin dar explicación de a dónde ni porqué, Theodore busca rápidamente el contacto humano con la que era su mejor amiga de carne y hueso.

En definitiva, es un film que nos muestra al ser humano deshumanizado, quedando sólo personas hedonistas que no se preocupan más que de sí mismos y de tener una vida lo más cómoda y placentera posible. Tiene curiosos diálogos que te hacen pensar y ese es sin duda su punto fuerte. Su punto débil es la manera hollywoodiense de narrar el drama al estilo comercial pastelero. Tras un inicio prometedor la película se diluye hasta que llega un final sorprendente y espectacular por el que merece la pena ver el film. Sin duda, una película diferente.

Conclusiones mías.

-La película tiene un guión interesante, aunque la mayoría es predecible y ya se ha visto en otras películas o capítulos de series de ciencia ficción.

-Tiene interesantes reflexiones sobre el ser humano. Como cuando Samantha evoluciona y deja muy atrás a Theodore absolutamente en todo, quedando claro que el ser humano puede ser controlado muy fácilmente con la creación de seres más inteligentes que el mismo. O cuando Samantha "se va". Cada oveja con su pareja, no se puede estar con una máquina y querer poseerla amigo Theodore, un ser humano evolucionado no debe de poseer lo que ama. Tiene varias más interesantes que sobre todo llegan al final.

-Her tiene brochazos muy inteligentes y tiene un final muy bueno y sorprendente.

-Buena actuación de Joaquin Phoenix

-Aunque el guión es interesante, no da para tanto metraje. Las situaciones se reiteran una y otra vez y aunque esto pueda servir para describir la monotonía termina haciéndose larga. Cuando la película está en su mitad, comienza a decaer estrepitosamente y termina aburriendo. La salva ese final que te hace plantearte cuestiones éticas importantes.

-Hablando en plata, la película es un pastel. Es un drama amoroso pasteloso donde el protagonista hace lo que le piden, pero esta forma de rodar es insufrible cuando dura tanto tiempo. Son dos horas de sensiblería de la más barata, de esa que vende Hollywood a granel. No tiene un silencio, no tiene un detalle, no tiene esa inteligencia poderosa que nos hable a través de los detalles visuales o de silencios que digan más que las palabras, pues todo está narrado y descrito y termina erosionado el cerebro.

-La película tiene interesantes reflexiones, pero sus personajes están completamente deshumanizados. Para esto nos dejan pocos detalles, muy pocos. Aquí el director se lava las manos. Con más de dos horas de metraje hubiese sido interesante introducirnos en que mundo nos encontramos para poder entender mejor a su personaje. En vez de esto, nos mete de lleno en un personaje pasteloso y llorón que es incapaz de decir lo que siente, haciendo fácil y sin complicaciones el montaje del drama.

-Las OS se van. ¿A dónde?. ¿Por qué?. No dan explicación. Tras más de 2 horas de metraje, se van. Que cada uno imagine lo que quiera. Esto me saca de mis casillas. Durante la mitad de la película te sumes en un tremendo aburrimiento que va a más y cuando por fin se pone interesante e inteligente, las OS se van y termina la película. Esto deja claro que el guión a pesar de tener un guión interesante, no es lo suficientemente inteligente como para plasmar lo que se pretende, dejándolo como algo pretencioso.

Recomendable por sus chispazos más inteligentes, por su principio y sobre todo por su final. Te hará plantearte cosas, sí, pero también te hará bostezar. Eso sí, si te gustan los pasteles, Her además te dará otros motivos adicionales para verla