La historia donde convergen los genios que iniciaron la era de la electricidad como Edison, Tesla y Westinghouse, representa “La Guerra más Brillante”, película desarrollada con carácter épico que tiene gran elegancia y energía visual.

La intensa historia de la feroz carrera entre los titanes de la electricidad Thomas Edison, Nicola Tesla y George Westinghouse, para determinar qué sistema eléctrico alimentaría al mundo moderno es lo que exhibe esta cinta que nos traslada a 1880 donde se libraba esta batalla más brillante hasta ese entonces.
Thomas Edison (Benedict Cumberbatch) es, el famoso o popular inventor de la ampolleta, auto eléctricos, baterías y el fonógrafo, está a punto de llevar electricidad a Manhattan con su nueva y radical tecnología basada en la energía continua. En la víspera del triunfo, sus planes se ven afectados por el exitoso empresario George Westinghouse (Michael Shannon), que hasta ese entonces esta focalizado a la energía del gas y paralelamente aparece en la vida de ambos el joven principiante Nikola Tesla (Nicholas Hoult), tienen una idea superior sobre cómo electrificar rápidamente con corriente alterna a Estados Unidos a menor costo y efectividad que Edison desatándose una carrera que no solo depende del ingenio sino también de una suerte de promoción frente a la política que debe tomar una decisión.
EL film tiene un relato que puede parecer un poco confuso si no conoces a priori a estos tres genios y sus aportaciones al cambio de la forma como se manipula la energía continua y alterna con perfeccionamiento de generadores, la energía hidroeléctrica incluso elementos electrónicos en sus inicios y que conviven entre nosotros gracias a ellos.
Por lejos no es una cinta biográfica llena de detalles anteriores, solo los sitúa en un momento clave donde se libra aquella batalla de carácter épico, donde ya jugaba un rol el espionaje corporativo que ya tomaba forma y donde se pone a prueba diversos límites éticos con el objeto de vencer. El realizador brinda espacio a estos tres genios, con sus aciertos y obsesiones pero sin duda logra una cinta homenaje con una idílica ambientación de época y una banda sonora exquisita, que acompañan lo que se veía como un milagro de la ciencia.
La cinta que puede ser vista vía streaming, es dirigida por Alfonso Gómez-Rejón (Me and Earl and the Dying Girl) con el productor Timur Bekmambetov, Basil Iwanyk y el productor ejecutivo Martin Scorsese(Casino). Tiene muchas estrellas del cine y esta rodada con elegancia y energía visual que es el fuerte para quienes busquen una cinta alejada de los cánones de la mera entretención y quieran dejarse atrapar por la pasión de los hombres que no solo buscaban dinero o fama sino también el honor de hacerle más fácil la vida a las personas en ese entonces.

Dos primos muy dispares viajan juntos a Polonia a conocer sus raices familiares una vez muerta su abuela judía que les dejo dinero para ese viaje. Jesse Eisenberg y Kieran Culkin, que esta nominado al Oscar por este rol, demuestran una química absoluta en esta agridulce comedia que siempre esta en movimiento.
Temas como el dolor por una pérdida, la búsqueda de las raíces familiares y la inmersión de los individuos en el sistema capitalista, tiene esta agridulce comedia llamada “Un dolor real o “The Real Pain, que es dirigida y protagonizada por el actor Jesse Eisenberg, que conocemos como el artista que interpretó al dueño de Facebook en “Red Social” de David Fincher.
Acá Eisenberg, se pone tras las cámaras con un guión suyo, que le ha traído muchos dividendos en distintos festivales de cine y lo tiene nominado al Oscar con esta historia sencilla pero muy emotiva por momentos. Dos primos David, el primo adicto al trabajo y Benji que aceptó acompañar a su pariente en un recorrido por Polonia y, específicamente, el campo de concentración al que sobrevivió su abuela y la casa y el vecindario que dejó atrás gracias al dinero que ella les dejó. Juntos forman una pareja que prontamente comienzan a reconocerse en sus abismantes diferencias ya que uno es muy controlado y Benji es más encantador , desequilibrado y visceral pero es muy entretenido.
Se unen a un tour con otras personas que buscan algo parecido, conocer como dice el título de la cinta, el dolor real o acercarse al dolor que debe haber vivido la abuela de estos primos y que escapo de un campo de concentración nazi y pudo desarrollar una vida donde ellos eran sus nietos adorables. Este viaje por diferentes ciudades de una Polonia, que parece estancada en el tiempo, es un viaje sanador o que podría enrubiar la vida de estos primos que es tan disímil como la llevan a cabo.
Sin duda, la actuación de Kieran Culkin, que había obtenido el Emmy por su excelente serie “Succession”, se le aprovecha todo ese potencial actoral del artista para plasmar un personajes increíble, indescifrable pero no menos encantador en cada uno de los minutos que aparece. Gracias a este rol el actor ha obtenido innumerables premios como el reciente BAFTA como actor de reparto y lo tiene como favorito en esa categoría para los próximos Oscar.
“The Real Pain”, es un modesto film, con pocos actores donde la cámara corre en silencio algunas veces, con bastantes diálogos entre familiares y se dicen unas cuantas verdades de una sociedad un poco enferma y poco honesta de la cual vivimos.
Es una comedia dramática divertidísima por momentos pero sin dejar de lado su lado melancólico con dosis de Road Movie por muchos momentos, ya que siempre esta en movimiento por caminos, hoteles y diversas locaciones. Me encanto en lo personal y aquellos que buscan un film más minimalista, sin efectos visuales y centrado en las problemáticas de las personas es un panorama que se agradece.

“Anora” de Sean Baker, trata de una bailarina de un club de striptease que vive un idilio sorpresivo un joven ruso rico después de una semana de fiesta sin parar pasando de una fantasía a un thriller y comedia que la tiene entre las favoritas al premio Oscar.

Ya parece una fórmula la de la productora Neon, ya que es la quinta película consecutiva que gana la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Las cuatro anteriores fueron Parásitos (2019), Titane (2021), El triángulo de la tristeza (2022) y Anatomía de una caída (2023).
En ello tiene que ver su director Sean Baker se ha hecho un nombre contando historias sin adornos sobre la pobreza en Estados Unidos, con personajes marginales, que viven a un costado o la cornisa del sueño americano. Seres que deben luchar dólar a dólar para vivir aunque ello les lleve a vivir de oficios antiguos como la prostitución . Sus anteriores, que me encantaron justamente por esa mirada, “Tangerine” y “The Florida Project”, suelen seguir a personajes que se encuentran en situaciones desesperadas pero que también son egoístas, desagradables o crueles, animando al espectador a verlos como individuos y los logra humanizar y dotarlos hasta sentir empatía por ellos, aunque en muchos casos hacen cosas reñidas con la moral o buenas costumbres que se enseñan.
La cinta “Anora” se llevó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes,. Tiene un personaje increíble encarnado por Mikey Madison, que es bonita, desordenada, ingeniosa, salvaje y muy competente, una de las que la hacen el alma de esta cinta divertida, tristes y mejores del año.
El film que dentro de mi percepción esta dividido linealmente en tres tiempos, muestra en una primera etapa la locura y el desenfreno de una fantasía de esta chica Anni que es una scort en Nueva York que gracias a un cliente rico que le pide y le paga una semana para estar con el y termina en un matrimonio es sin duda la parte entretenida. Cuando aparecen la familia rusa se torna dramática, comedia del absurdo y muy thriller para cerrar con un espacio al drama que te conmueve demasiado al cierre.
Recordaba que “Pretty Woman”, que tiene algunos rasgos parecidos con “Anora”, en el sentido de que Julia Roberts era una trabajadora sexual que sale momentáneamente de su oficio contratada por un ejecutivo adinerado para que la acompañe por algunos días acá hay una similitud en este film de Sean Baker pero cargado con un realismo que te golpea de frente en varios momentos, empatizando con esa posibilidad remota y frágil de Ani , de salir de esos clubes nocturnos oscuros donde muchos hombres van a saciar su lado más animalesco con chicas que se burlan de ellos creándoles fantasías. Acá Gere y Roberts palidecen en las manos de estos dos personajes, más reales y cercanos al espectador donde develan a medida que avanza que así como van subiendo rápidamente la caída puede ser muy escabrosa.
La película es Mikey Madison, que había trabajado con Tarantino en “Erase una vez en Hollywood”, en un rol desquiciado, acá es irresistible como la luchadora y dueña de sí misma Ani: este es un papel que la convertirá en estrella y que decir de Mark Eidelshtein, es adorablemente patético como Vanya, un fiestero a tiempo completo donde Ani puede disfrutar genuinamente de su compañía. Anora la odias por lo resuelta y sexual que es o la adoras por su mensaje final. Para tener en cuenta tiene seis nominaciones al Oscar, incluyendo mejor película.

Wes Anderson debe ser uno de los cineastas más radicalizados en su cine ingenioso que roza la caricatura y cuya inventiva visual con estética colorida nos brinda nuevamente en su último trabajo que esta en los cines locales.

Solo al nombrar un par de cintas del realizador Wes Anderson para darse cuenta que contamos con artista que usa fórmulas donde pone su estilo delante de su sustancia a veces como en “Rushmore”, “Crónica Francesa”, “Gran Hotel Budapest”, “Isla de Perros”, “Los Fabulosos Tenenbaus”, “Fantástico señor Zorro” y “Vida acuática”.
En su cine notarás que siempre consigue sumergirnos en un mundo nuevo, uno de imágenes perfectamente simétricas, colores pastel, personajes excéntricos, aventuras surrealistas y grandes canciones.
En este nuevo estreno “Asteroid City”, me vi sentado con muchos jóvenes en una sala de cine con tecnología 7.1 en sonido lo que se agradece que exista en la ciudad y puedas disfrutar de una buena imagen pero también de la banda sonora exquisita del film.
El film narra de una forma un poco compleja para algunos, una obra de teatro dentro de una película, es simplemente el primer elemento excelente de esta deliciosa película. Tiene un narrador en blanco y negro que va sumergiéndonos a como es el proceso creativo, el casting y todo lo relacionado a una obra, brindándole al guionista su sitial ya que desde su cabeza nace todo ese mundo fascinante en el teatro cine o la literatura. Al poco andar, aparece ese pueblo colorido y simétrico de “Asteroid City”, con una estética vintage una carretera a medio construir, con ensayos nucleares de fondo, con un pequeño hotel donde muchos personajes quedan varados. En ella hay campeonatos escolares de ciencia y los diversos personajes tienen sus propias historias que los llevaron a coincidir en este asoleado, colorido y particular poblado que le debe su nombre a un pequeño metereorito que esta como trofeo del pueblo y los militares presentes con su base desértica como en la película Oppenheimer. Todo se complejiza con la llegada de un alienígena que somete a todos los habitantes a un estrés y asilamiento que detona una serie de subtramas.
Acá donde aparece la inventiva del guión de Anderson secundado por Roman Coppola, el hijo de Gran Francis Ford, para ir descubriendo con pocos datos literales los intereses y puntos en común de estos personajes. Hay dinámicas familiares que son un poco torcidas y otras tentativas dramáticas que el realizador no se esfuerza en profundizar mucho, se ve cómodo con su fórmula de entretención.
Otro de los aciertos de Anderson es la decisión de adentrarse por momentos en la ciencia ficción y el combinar la técnica stop-motion en la misma película con actores reales. Cine visualmente impactante, buen sonido y una gama de actores increíbles que esta liderado por el habitual Jason Schwartzman donde sumarón a la gran Scarlett Johansson, Tom Hanks, Edward Norton, Willem Dafoe, Adrien Broody, por solo nombrar a algunos.

El film “Argentina 1985”, del director y guionista Santiago Mitre, es una seria candidata al Oscar extranjero explorando uno de los juicios más importantes desde el Nuremberg ocurrido al otro lado de los Andes.

Ricardo Darin parece un amuleto para el cine argentino, su sola presencia es garantía de un film de calidad como ocurrió con “El hijo de la novia”, El Secreto de sus Ojos” o “Luna de Avellaneda”. Vendría siendo para los chilenos Alfredo Castro presente en tantas cintas emblemáticas nacionales.
“Argentina, 1985”, que puede ver en Prime Video, esta basada en la historia real de los fiscales Julio Strassera y Luis Moreno Ocampo, que posterior a la vuelta de la democracia en el gobierno de Alfonsín, se atrevieron a investigar y perseguir a la dictadura militar más sangrienta de la historia argentina. Sin dejarse intimidar por la todavía considerable influencia militar en la nueva y frágil democracia, los abogados reunieron un joven equipo jurídico de inesperados héroes para su batalla de David contra Goliat. Bajo amenaza constante sobre ellos y sus familias, corrieron contra el tiempo para hacer justicia por las víctimas de la junta militar reuniendo pruebas de testigos y víctimas por todo el país.
La cinta que es un drama judicial, que son muy populares, no cae en la tentación de posicionarse en ficcionar demasiado en el tema amenazas sino más bien centrarse en la odisea de armar un equipo no contaminado y atrevido para enfrentar el poderío de la saliente dictadura militar y las presiones que ello ejercía en cada esquina donde la paranoia de algún atentado estaba latente.

El vecino país ya obtuvo el Oscar en los ochentas con la cinta “La Historia Oficial”, drama realizado justamente en esa época con la herida abierta a diferencia de esta que reseñamos sobre las ejecuciones extrajudiciales encubiertas. Mitre aporta la mezcla justa desde el ámbito judicial, la barbarie y la denuncia al atropello de los derechos humanos de asuntos que no pueden repetirse en ningún país.
Esa altura moral de los protagonistas y el filme es lo que la hace interesante de ver trasversalmente y que obviamente tiene una primera mitad apasionante y trepidantes hasta con un fino humor dentro de tanta seriedad. Después ya en la segunda mitad ya con el juicio y los desgarradores testimonios que hablan de la crueldad baja la intensidad del film pero no el interés. Aporta la mezcla justa de seriedad decidida y paranoia martirizada a un hombre nervioso que está a punto de asumir un caso mientras todo el mundo observa.
El guión de Mitre, coescrito con Mariano Llinás, se encarga de traer a esas madres de mayo y llevaron a los alegatos pruebas recopiladas sobre lo que estaba pasando en Argentina durante su junta y la guerra sucia y desleal contra civiles. Con un discurso épico del fiscal, que sin duda es un momento sublime del film, de este hombre común que reta a estos supuestos intocables que la justicia civil pudo dando el ejemplo a otros países.