Para los fans del mundo creado por DC (como yo), “Justice League Dark: Apokolips War” es uno de los eventos más importantes de estos tiempos que corren. Y es que es el final de una saga que, sin anunciarse con bombos y platillos, cautivó a gran parte de su público.

Todo comenzó, como suele suceder con esta editorial, con el reseteo de continuidad que presenta la excelente “Justice League: The Flashpoint Paradox” (2013). Luego, “Justice League: War”, de 2014, formó al conocido grupo de superhéroes para detener la primera invasión del villano Darkseid.

A partir de ahí, un interesante número de películas originales del DC Universe convergieron en un universo cinematográfico compartido. Después de 15 películas (sí, leyeron bien), este arco argumental llegó a su fin.

La historia adapta ligeramente “The Darkseid War” (tomos de Justice League #40 a #50), el último gran arco argumental de los comics que finalizó la era de “The New 52” antes de la llegada de DC Rebirth.

La película une Superman, Batman y Wonder Woman con la Liga de la Justicia Dark, los Teen Titans y hasta el Escuadrón Suicida. Todos se ponen de acuerdo para llevar la lucha contra Darkseid a su propio planeta. Una especie de contraataque que les parece mejor que estar esperando otra nueva invasión.

Quizás nunca veamos el Snyder Cut de la Liga de la Justicia, pero este gran final brindó toda la acción superheroica que nuestro corazoncito nerd necesitaba.

Es verdad que las imponentes producciones de los Hermanos Russo lograron concebir a un villano muchísimo más complejo y atractivo. Pero también es verdad que Marvel se choreó el concepto de un titán conquistador de mundos. Darkseid siempre fue el Thanos original.

Durante los 90 minutos que dura el conflicto, estuve al borde de mi asiento. En un ranking de las 15 películas que conforman este universo, definitivamente entraría dentro de un TOP 3. La trama no tiene demasiadas vueltas, pero eso es parte del encanto. La calificación R tampoco decepciona.

Warner y DC acá se dieron el lujo de hacer que los personajes sufran muertes violentas y fuertes derrotas. Mostrada, en gran parte desde la perspectiva de John Constantine, ésta es sin duda la más oscura de este universo cinematográfico compartido. Las apuestas altas se subrayan desde el principio por muertes notables, a menudo exhibidas en una furia tan horrible como implacable.

Como es de esperar de DC, hay varios easter eggs y alusiones a producciones anteriores (para complacer a los fans), pero muchos pueden perderse en la conmoción y el asombro cuando la guerra en el planeta Apokolips comienza.

==> CONCLUSIÓN: para aquellos que vienen siguiendo esta saga desde hace años, es una visita obligada para cerrar la historia general. “Justice League Dark: Apokolips War” es un hermoso regalo para cerrar una saga épica con una nota alta y satisfactoria. <==

#BonusTrack: “El camino hasta Apokolips War”
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El celebrado director coreano Bong Joon-ho regresa triunfante con el Palma de Oro del último festival de Cannes. “Parasite” es un delirio hermoso que reflexiona sobre el capitalismo, la diferencia social y las complejidades éticas. Y lo hace con una trama creativamente elaborada.

Han sido unos últimos 10 o 15 años más que interesantes para los realizadores de Corea del Sur. Un puñado de ellos –con directores como Bong Joon-ho a la cabeza– han sabido concebir producciones súper originales, taquilleras y frescas que lograron maravillar al mundo entero.

El año pasado, “Burning” fue una de mis películas favoritas. Lo mismo sucedió en 2016 con la reinvención del género zombie que presenta “Train to Busan”. Tenemos a Chan-wook Park con muy buenos thrillers de (“The Handmaiden”, “Oldboy”, la fantástica “Stoker”) y Jee-woon Kim abordando la acción y el terror (“The Last Stand”, “I Saw the Devil”, “A Tale of Two Sisters”).

Por su parte, Joon-ho Bong tiene ql mega éxito “The Host”, “Snowpiercer” con el Capitán América y “Memories of Murder”, por mencionar sólo tres casos. Hace unos años sacó “OKJA” para Netflix, que es una de las que todavía tengo pendientes.

La cosa es que “Parasite” funciona y en muchísimos niveles. En su base es un relato sencillo y muy accesible, pero cuenta con numerosos elementos narrativos que la elevan por sobre la media. Es una de esas películas que es mejor encarar sabiendo poco y nada, porque te va llevando por lugares insospechados rápidamente.

Un aspecto curioso es que fusiona muchísimos géneros con bastante equilibrio. En su esencia podemos decir que es una comedia negra con tintes dramáticos. Pero coquetea con el thriller, el drama familiar, la tragedia shakesperiana, la sátira social, el terror y hasta el policial. Va cambiando el registro constantemente.

El tema central es la oposición entre las clases sociales, una cuestión recurrente en la filmografía de Joon-ho Bong . A mí la trama se me hizo muy argentina y creo que por eso me identifiqué inmediatamente. Si no fuera por que hablan en coreano (y todo sucede en Corea), tranquilamente podría pasar como una película de Gastón Duprat o de Armando Bo.

Y es que los directores de cintas como “El hombre de al lado” y “Animal” también trabajan un humor negro similar al de Joon-ho Bong y se interesan por la lucha de clases como leitmotiv de sus argumentos. “Parasite”, además, tiene mucho simbolismo y foreshadowing, por lo que hay que prestarle bastante atención desde el minuto cero.

Nótese que no dije absolutamente nada sobre la trama. Prefiero que, quienes se animen a verla, se maravillen por sí mismos. Les aseguro que sorprende a cada minuto. Para sumarle: está hermosamente filmada. El director volvió a dar una clase magistral de dirección, manejando la cámara y el ritmo como nadie.

En Argentina aún no hay estreno oficial pautado. A los Estados Unidos llegará en octubre de este año. Por lo pronto, puede encontrarse en algunos sitios debido a su estreno limitado en otras partes del mundo.

==> CONCLUSIÓN: “Parasite” es el cine coreano en su mejor y máxima expresión. Cine comprometido socialmente, pero simultáneamente creativo y desafiante. Estamos ante una de las imperdibles de este año. <==

Me resulta sorprendente que esta película no haya tenido un mayor recorrido en 2024. La dirigió el aclamado director de fotografía Rodrigo Prieto (“Brokeback Mountain”, “Babel”, “Argo”), escribió el guion Mateo Gil (“Mar adentro”, “Abre los ojos”) y el protagonista es el mexicano Manuel Garcia-Rulfo (“The Lincoln Lawyer”), que además es pariente de Juan Rulfo.

Y, sin embargo, pasó sin penas ni glorias por el catálogo de la gran N e incluso fue olvidada en la temporada de premios. Una lástima porque a mí me pareció interesantísima.

“Pedro Páramo” marca el debut en la dirección de Prieto, quien asume el desafío de adaptar la obra cumbre de Rulfo, una tarea compleja dado el particular estilo narrativo del libro. Acá el director se aleja de los formatos más convencionales del cine comercial.

La obra sigue la historia de Juan Preciado, quien viaja a Comala en busca de su padre, un hacendado despiadado que marcó la vida del pueblo. Lo que encuentra es un lugar abandonado, habitado por los ecos y apariciones fantasmales de quienes sufrieron.

De esta forma, el relato se construye bajo una atmósfera densa y envolvente, capturando la angustia, la violencia y el misterio propios de la novela original (que, dicho sea de paso, es de mis favoritas).

Desde el aspecto técnico, “Pedro Páramo” es un logro bastante impresionante. La dirección de fotografía y el diseño de producción, a cargo de Eugenio Caballero, crean un mundo visualmente deslumbrante, que contrasta con la desolación y el peso del pasado que impregnan la historia. La música del Dios Gustavo Santaolalla refuerza este tono melancólico y onírico.

Para aquellos dispuestos a sumergirse en su narrativa fragmentada, la película ofrece una experiencia hipnótica y muy profunda. Vale aclarar que esta no es la primera adaptación al cine. En el pasado hubo otras versiones, puntualmente en 1967, 1976 y 1981.

A pesar de su riqueza visual y su compromiso con el realismo mágico del material fuente, la adaptación generó algunas opiniones divididas. Mientras que algunos críticos elogiaron su audacia y capacidad evocadora, otros consideraron que pierde parte del componente mágico que la define.

Lo que queda claro es que esta producción de Netflix no es convencional ni de fácil consumo. Requiere atención y predisposición para adentrarse en su universo. Yo la disfruté enormemente como lector del libro. Ofrece una mirada fascinante y poética sobre la memoria, la culpa y la muerte, consolidándose como una de las adaptaciones cinematográficas más provocadoras de la literatura latinoamericana.

=>> CONCLUSIÓN: El libro “Pedro Páramo” pone la vara altísima para cualquier posible adaptación. Por fortuna, esta película logra revivir magistralmente aquel lugar poblado de fantasmas. <<==

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¿Qué puedo decir? Amo a Sonic y sus películas son sorprendentemente buenas. De hecho, fueron mejorando progresivamente hasta esta tercera entrega, una vez más dirigida por Jeff Fowler.

Fui a verla con mi hijo Benjamín (igual que las otras dos) y la disfrutamos un montón. Los realizadores entendieron muy bien al fandom de Sonic y también supieron equilibrar la historia para que lo que buscan los más chicos (mucho slapstick y reflexiones lindas sobre la familia elegida).

Este tercer capítulo es fantástico. Tiene mucho más presupuesto, comedia simpática, secuencias de acción muy “animé” y un clímax espectacular. Ya lo dije antes, las películas de Sonic son “Rápido y Furioso” para niños.

El argumento funciona en su simpleza y está fuertemente inspirado en el videojuego “Sonic Adventure 2” (2001). Si bien claramente repite la historia de “Sonic 2”, también es darker and edgier. Aunque no está exenta de ligereza, la película es significativamente más seria que las entregas anteriores.

Acá Shadow es una amenaza real y su trágica historia llega a conmover. Me encantó la actuación de voz de René García (adecuado ya que interpretó siempre a Vegeta en “Dragon Ball”). Claro, porque la vi en castellano... y no me arrepiento (dicen que Keanu Reeves no está tan bien).

Aunque Shadow es quien se roba el show, el resto del elenco sigue estando muy bien. Sonic, Tails y Knuckles son un grupo encantador, cada uno con sus particularidades. La historia se las ingenia para darle momentos de protagonismo a cada uno de ellos.

Jim Carey brinda una enorme interpretación (¡actuando y bailando!). Es muy loco que el tipo, ya retirado, haya vuelto sólo porque ama ser Dr. Robotnik. Es muy divertido verlo interpretar a ambos personajes y podés sentir su energía. Este es también el primer papel al que regresa por tercera vez en su expansiva carrera.

Por otra parte, ¡al fin redujeron al mínimo la participación humana en el conflicto! Todo bien con James Marsden y los demás, pero acá lo que importa es el Team Sonic. Es más, no sé para qué catzo sumaron a Krysten Ritter. Las tramas secundarias humanas son tan mediocres como siempre, pero infinitamente más tolerables, ya que se relacionan con la historia principal de forma más natural.

Los momentos de acción y CGI son de lo mejor que se vio en años. Desde el inicio en Tokyo hasta el desenlace en el espacio, pasando por un increíble heist en Londres, esta tercera parte puso toda la carne al asador.

Mientras Jeff Fowler y su equipo sigan poniendo tanto cuidado en hacer estas películas, seguiré yendo gustosamente al cine. Cualquier otra posible adaptación de un videojuego tiene que tomar notas.

=>> CONCLUSIÓN: Tanto fans de Sonic como aquellos que buscan una experiencia cinematográfica entretenida van a disfrutar de “Sonic 3”. Es una aventura sorprendentemente emotiva, muy divertida y visualmente impresionante. <<==

La cosa fue así: me disponía a ver “Arcadian”, la última de Nic Cage (que había descargado de algún torrent) cuando noté algo extraño: ¡Nic no estaba por ningún lado! Ni tampoco tenía algo que ver con la sinopsis que había leído, sino que parecía ser una tonta película slasher adolescente. Pero ya era tarde…

De hecho, para una obra que se ubica temporalmente en el 2003, hasta me resultó un guiño agradable haberme topado con una película distinta a la que realmente había querido descargar. Es similar a lo que nos ocurría por esa época utilizando “Ares” o “Emule”.

“Time Cut” se siente como un slasher hecho por Disney. No hay buenos momentos de suspenso, no hay sobresaltos… ¡no hay sangre! Tenemos un misterio más o menos decente sobre el asesino y un poco de diversión para volverla llevadera.

Nunca es tan molesta como para dejarla, aunque tampoco lo suficientemente buena como para que realmente valga la pena. Por eso, y porque el control estaba demasiado lejos de la cama, terminé mirándola completa.

Un aspecto entretenido es ver las modas, tecnología y música del año 2003. Eso creo que está bien logrado. Entre las actuaciones no hay grandes memorables ni actores conocidos más allá de Griffin Gluck, a quien quizás recuerden de la gran serie “American Vandal” (2017).

Por otro lado, el elemento sci-fi está súper flojo de papeles (especialmente sobre el final) así que no hay que pensarla demasiado. No sólo es absurdo, sino que además rompe con todos los cánones de los viajes temporales.

“Time Cut” es claramente una película para TV (se estrenó en Netflix) que parece deleitarse en crear una trama caótica donde los personajes saltan de un plot point al siguiente sin ningún tipo de explicación. El resultado es una historia vacía y confusa, sumado a que las muertes no son creativas.

Podría haber sido una adición emocionante al género de viajes en el tiempo como lo fueron “Happy Death Day” (2017) o “Los Cronocrímenes” (2007). En cambio, resulta en una experiencia frustrante que desperdicia su concepto. Las reglas inconsistentes de viaje en el tiempo de la película y los personajes poco desarrollados hacen que sea difícil recomendarla, incluso a los fans del género.

==>> CONCLUSIÓN: “Time Cut” se siente como un intento a medias de un thriller de ciencia ficción. Es un slasher para toda la familia: no hay sangre, sexo ni malas palabras. No va a ofender a nadie… tampoco agradar demasiado. <<==