"Hay personas sin decencia contra las que hay que luchar sin vacilar, sin mostrar compasión."

El 10 que le di a Batman Begins me sigue pareciendo muy injusto, ya que si pudiera le daba un 20. Fue tal la satisfacción que sentí viendo esta película que para mí se ha convertido en algo imprescindible verla al menos una vez al año.

Pero antes de continuar explicándoles porque me parece tan maravillosa esta película necesito que hagamos un ejercicio de memoria y nos remontemos al año 2008. Ocurría el estreno de la que sería su secuela "el Caballero Oscuro", un film que supero con creces cualquier expectativa de su antecesora y la cual sería la causante del reconocimiento a nivel mundial de su director, Christopher Nolan. Sin duda, algo bien merecido. Bien, pues verán gran parte de ese éxito fue causado por la expectación que provocó en el 2005, cuando el señor Nolan revivió una saga por la que nadie daba nada por ella y creando una joya que sobrepasaba en gran medida los ultimas películas sobre Batman, dándole un enfoque diferente… más oscuro... más fiel al espíritu del cómic... esa película se titularía Batman Begins.

Y no les voy a mentir, cuando vi que el director Joel Schumacher destrozó la poca dignidad que quedaba del personaje de Batman con sus dos auténticos bodrios de películas que sólo eran para lucimiento de alguna estrella. Pensaba que volver a ver algo de este oscuro superhéroe iba a ser una pérdida de tiempo. Pero no fue así, ya que pude darme cuenta que mi postura reacia no tenía sentido, cuando transcurrido escasos minutos del metraje, me di cuenta que lo que estaba viendo era algo totalmente diferente. Recuerdo perfectamente que en ese momento por mi cabeza pensé “Nolan, has hecho magia”.

Se nos muestra algo que no nos ha aparecido en ninguna película relacionada con el hombre murciélago. Nolan no sólo ofrece al espectador los orígenes del porque el personaje llegó a ser Batman, sino también todo el proceso de como acabó convirtiéndose en un héroe y más concretamente en éste tipo de héroe. También veremos una Gotham diurna, con edificaciones más acercadas al siglo XX y sumergida en la corrupción, una corrupción palpable y temible, que hace creíble que en aquella ciudad la ley brille por su ausencia.

(Sigue en el SPOILER sin desvelar detalles del argumento por falta de espacio)

Una maravilla de cinta se mire por donde se mire que a mi parecer le falta dos cosas: la primera es que hubiera sido interesante que el director se hubiera adentrado un poco en la vida de ese Jean Renoir cineasta que conocemos y la segunda, dar más o menos protagonismo a Coco Renoir, el chiquillo que aparece al principio, sin tener que fulminarlo de repente, pasando de parecer a tener importancia a ser una mera sombra.

Y si, digo maravilla porque casi cada plano que aparece en la cinta parece un autentico lienzo. La fotografía que posee esta cinta es extraordinaria, muy al nivel quizás de alguna de las últimas cintas de Terrence Malick como “El árbol de la vida” (2011) o “To the Wonder” (2012). Un triángulo formado por Michel Renoir, Jean Renoir y la joven Andrée Heuschling ambientado en 1915 en la Costa Azul.

La historia comienza con la visita a la finca de los Renoir de Andrée Heuschling, quien viene a ofrecer sus servicios para posar como modelo para ser dibujada por Michel Renoir, quien acepta de buen agrado su presencia. El tiempo pasa en la finca, siendo la llegada inesperada de Jean Renoir, lo que alterará las vidas de todos los que viven ahí dentro, en las que florecerán sentimientos, pasiones y atracciones.

Cuesta olvidarse de Christa Theret (“La brindille“, 2011), la joven protuberante y de espléndida belleza que en la película encarna a Andrée Heuschling, a la que vemos más de media cinta en paños menores. Pero, aparte de ser hasta cierto punto agradable eso, la actriz nos deja claro que sabe interpretar, dando vida a una mujer que los tiene bien puestos, con las ideas claras y que sabe que no quiere ser una mujer cualquiera en un mundo donde el hombre manda de cabo a rabo. Michel Bouquet (“Toto, el héroe“, 1991) por su parte da vida al gruñón y enfermo Pierre-Auguste Renoir, quien padece cada vez más a la hora de pintar debido a una grave artritis.

A su vez, le preocupa que su hijo vuelva al frente, siendo quizás un duro golpe para él. Por último, Vincent Rottiers (“Last Winter“, 2011) encarna al joven Jean Renoir, el cual vuelve de permiso para recuperarse de una herida en la cadera que le produce una cojera de la cual será difícil reponerse. Este acontecimiento le otorga la oportunidad de librarse de volver a combatir en el frente, no siendo consciente de la suerte que ha tenido. No obstante, cree que lo justo es volver hasta que aparece Andrée Heuschling, de la cual queda prendado.

Visualizar “Renoir” es contemplar en constancia de los bellos paisajes frondosos de la bella Francia de 1915, en los que el director ha querido transmitir paz, serenidad y silencio durante el metraje. Como si ese lugar se hubiese desentendido completamente de lo que estaba sucediendo en aquel país. Únicamente la conciencia de los protagonistas es la que nos hace ver la realidad, la que ellos viven, en la que se sienten afortunados pero desgraciados a su vez (véase a Pierre-Auguste Renoir).

Otro de los aspectos que me ha encantado es la forma en la que transmiten sus sentimientos los protagonistas, los cuales con una mera expresión facial o una postura ya es capaz de decirnos más de lo que es capaz cualquier palabra. Incluso los lienzos que dibuja el propio Auguste Renoir parecen decirnos lo que siente en cada momento.

También me ha gustado mucho esa relación padre-hijo, la cual es de mutuo respeto, en la que existe una especie de tabú o forma de evitar de lo que no les gusta, ya sea por vergüenza a decirse el uno al otro sus errores o simplemente por evitar hablar del asunto en cuestión.

Sería una deshonra por mi parte no hacer mención una vez más a la extraordinaria composición musical de Alexandre Desplat (“El discurso del Rey“, 2010), quien como buen maestro que es ya, ha sabido entonar las melodías adecuadas para ambientarnos en una atmósfera tranquila, bella, en la que el paisaje domina y te acaba engullendo. El francés pone la guinda abordando unos temas que he querido escuchar al acabar la cinta, ya que son magníficos. Dignos de recordar, como la cinta.

“Yo tengo mucho más miedo al hambre que al infierno”

Seguramente no soy el más indicado y posiblemente me equivoque o me tachen de ignorante, pero si les digo que El capo de Corleone es una excelente miniserie que nada tiene que envidiar a superproducciones como El Padrino, Uno de los nuestros o Érase una vez en América, pensarán que no estoy muy cuerdo, ¿verdad?. Y yo, ignorante de mí, tenía esta miniserie en mi ordenador olvidada, sin acordarme de ella apenas. Hasta que un día, cuando no sabía qué ver o hacer, rescaté del baúl del olvido esta serie de la cual estoy muy contento por haber visto gracias a varias recomendaciones que me dieron.

Basado en la obra literaria de Attilio Bolzoni y Guiseppe D’Avanzo, El capo de Corleone nos mostrará a través de seis inolvidables episodios el ascenso de Totó Riina y la desesperación del que fuera su amigo, Schirò, por lograrlo encarcelar y acabar así con la mafia Siciliana que llegó a convertirse en un poderoso e imponente peligro para toda Italia. La historia se sitúa en Sicilia, concretamente en un pequeño pueblo llamado Corleone. Un lugar dominado por Michele Navarra y su capataz Luciano Leggio. En la localidad se encuentran dos chicos que trabajan en el campo que son Totò Riina y Biagio Schirò. Ambos son amigos e intentarán labrarse un futuro realizando pequeños trabajos para Luciano Leggio. Llegando a un punto determinado, sus vidas se separan, ya que uno querrá seguir los pasos de la Mafia (Riina) hasta llegar a ser el amo y señor de Palermo, y otro -Schirò- se convertirá en un reputado policía que intentará detener y acabar con toda la corrupción que existe en Corleone y que acabará extendiéndose hasta Palermo.

El reparto, pese a estar formado por actores poco conocidos, completa un apartado en el que nos encontramos con unas impresionantes actuaciones de entre las que destacan por ejemplo la puesta en escena de Claudio Gioè, que personifica de manera excelente a Totó Riina, humanizándolo y caracterizándolo tal y como era, un hombre calculador, con ambición de poder, imponente, luchador y que pese a tener grandes ingresos no vive en la opulencia. Un hombre que se mantenía fiel a sus costumbres campechanas, ya que para él, el dinero servía para comprar amigos, no caprichos. Daniele Liotti será quien de vida a Biagio Schirò, un hombre que trabaja en el cuerpo de policía y que se caracteriza por ser honesto, trabajador, fiel a la justicia por ser el único que ha seguido siempre la evolución de Riina y toda su organización. Pese a contar con una gran ventaja al ser de Corleone como Totò, siempre irá un paso por detrás a la hora de arruinar al mencionado capo o intentar acabar con él.

(Sigue en el SPOILER sin desvelar detalles del argumento por falta de espacio)

“Desde que se desbordó el río Pecos jamás había visto tanta suciedad.”

El director italiano Enzio Barboni presenta su segundo Spaghetti-Western en el que también realiza el guión de esta producción. El film fue un gran éxito que lanzó a la fama a la pareja Spencer-Hill.

La historia empieza mostrándonos a Trinidad (Terence Hill) acostado sobre una cama que ha preparado sobre su caballo (llamado Travois), con el que ha atravesado el Oeste yendo a parar a un pueblo donde, por casualidades de la vida, se encuentra con su hermano de Sheriff, al cual andan amenazando los hombre del Mayor. El niño (Bud Spencer) anda suplantando la identidad del auténtico Sheriff hasta que lleguen dos ladrones compañeros suyos que tienen planeado dar un golpe en California. El Mayor quiere dominar el Valle en el que viven los agricultores que trabajan con sus propios animales, entre los que se forma la mayor manada de caballos que se haya visto. Si el Mayor se hiciese con el control de esas tierras, habrían problemas y los vigilantes vendrían, cosa que El niño estará dispuesto a evitar porque sino descubrirían que no es el autentico Sheriff del pueblo. Además cree que los agricultores se han esforzado mucho como para que ahora pierdan todo lo que han construido allí. Ahora, con la llegada de su hermano y conociendo que vaya donde vaya, siempre habrán problemas y altercados, El niño teme que sus planes no salgan como él espera, encontrando además en su hermano a alguien que no le hará demasiado caso.

En cuanto al reparto, buenas interpretaciones de Terence Hill encarnando a Trinidad, uno de los pistoleros mas rápidos del Lejano Oeste, excesivamente gandul y ligón, pero bondadoso. Trinidad destaca por ser una persona muy sucia, que pasa de lavarse y viste con atuendo descosido, sucio, roto y maloliente. Bud Spencer encarna a Niño, un granuja peor que su hermano, de carácter gruñón y también de rasgos desaliñados, y que no parecerá tan malo como aparenta ser.

Buena historia que mezcla western y comedia de forma entretenida y agradable, que no aburre en ningún momento. Destacar que Le llamaban Trinidad tuvo un gran éxito en taquilla por aquel entonces, lo que impulsó a hacer nuevas secuelas de este aclamado film.

Los paisajes que se muestran en la película son los típicos de una película del Oeste, donde vemos el pequeño pueblo con casas semidestruidas, el típico antro alcohólico donde se juega a las cartas y el valle donde están los agricultores mormones construyendo un nuevo hogar en el que instalarse.

Buena música compuesta por Franco Micalizzi que nos acompañará en varios momentos del film, transmitiéndonos ese ritmo tan ameno con el que transcurre toda la película y con un ritmo pegadizo que agrada.

La continuación de Kill Bill Vol. 2 sorprende al igual que lo hizo la primera al empezar de una forma extraordinaria y no flojear su contenido en ningún momento. Quentin Tarantino es el director de esta segunda parte de la que al igual que la primera es el guionista. Si en la primera parte nos encontrábamos que la película es un claro homenaje a las artes marciales, en esta nos encontraremos una película más ajustada al estilo de Tarantino, donde predominan más los diálogos característicos a los que nos tiene acostumbrados el célebre director. Eso sí, no intenten ver la segunda parte sin ver la primera. Son indivisibles.

La historia continuará donde finalizó primera parte, en la que “La novia” (Uma Thurman) seguirá buscando a los miembros que quedan del escuadrón asesino Víbora Letal. Al igual que en Kill Bill Vol. 1, la película también estará dividida en capítulos y en algunos se retrocederá en el tiempo mostrándonos los orígenes de “La novia”, explicando más detalladamente los acontecimientos que sucedieron en la boda. Hechos que harán que conozcamos al detalle al personaje tras el que va la también conocida como Mamba Negra, que es quien a su vez da nombre a esta saga cinéfila: Bill (David Carradine).

El reparto, al igual que en la primera parte, sigue estando encabezado por Uma Thurman, muy seguidamente por David Carradine, quien también será uno de los principales protagonistas. Thurman, encarnando a La novia, nos sorprenderá esta vez al hacernos comprender cómo llegó a convertirse en una asesina implacable. Nos mostrará algo que en la primera parte no habíamos visto, y esto es el sentimiento maternal de la protagonista. Bill, líder del escuadrón asesino Víbora Letal, excelentemente representado por Bill Carradine, es un asesino frío, calculador y con grandes conocimientos de artes marciales.

La banda sonora vuelve a estar magistralmente seleccionada por Quentin Tarantino. Al igual que en el Vol. 1 de la saga, todas las escenas van perfectamente compaginadas con una música extraordinaria, de la que cabe destacar que afloran ritmos latinos en algunas escenas. Destacan títulos como “Malagueña Salerosa”, que contrastan con algo tan diferente como “L’Arena” de Ennio Morricone.

Sin lugar a dudas, nos encontramos ante un film que mezcla, al igual que la primera película toques de kung-fu samurai, spaguetti-western, humor negro y absurdo. Los diálogos son fabulosos, alcanzando al final de la película su clímax, deleitándonos a todos los que deseábamos ver los aspectos más característicos e inimitables del creador de todo un género: “el Tarantiniano.”