Veinte años después de la grandiosa Estrategia del Caracol, Sergio Cabrera vuelve a la gran pantalla con una película decepcionante, tramposa y sobre todo muy maniquea. Todos se van tiene un guión pobre y un dibujo de personajes que se distancian hasta los extremos y que deja una historia poco creíble para llevar a una sola idea al espectador, una idea tendenciosa. El guión está más cercano a la propaganda anticastrista que al cine y esto hace difícil segundas lecturas o interpretaciones, porque sólo hay una visión y además extrema, poniendo toda la carne en el asador para crear conciencias como si de una Biblia machacona se tratara.

Además ‘Todos se van’ lo hace de la forma más antigua que el mundo del cine conoce para insertar moralina, la imagen de un niño que sufre, y más concretamente una dulce y encantadora niña que se convierte en víctima involuntaria de un sistema. En algunos puntos el guión de la cinta se hace hasta vergonzoso, tan poco sutil que parece directamente un insulto al espectador.

Las explicaciones de Cabrera sobre Todos se van en rueda de prensa

Sin embargo, esa es obviamente mi opinión, el propio Sergio Cabrera explicó durante la rueda de prensa de presentación en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva que su idea es mostrar como los poderes afectan a la vida íntima de la gente y que esto ocurre “en Cuba, en Colombia, en China o en España, en todos sitios”. Si la novela se ambiente en Cuba, no es si no porque la novela, del mismo título, en la que se basa la película, de la escritora cubana Wendy Guerra, se ambienta en Cienfuegos en 1979.

Cabrera, que fue diputado de Izquierdas en Colombia, que huyó a España por las presiones políticas cuando la derecha llegó al poder y que incluso llegó a militar en el partido comunista según confiesa, asegura que comparte con muchos cubanos “el sueño de una alternativa al capitalismo” pero que “cerrar las ojos ante cosas que están mal, hace daño a esa ideología” llegó a asegurar en su comparecencia ante la prensa en Huelva.

Más allá de las consideraciones políticas (doy las dos versiones, la que yo percibí al ver la película y la que el propio director explicó en su charla con los periodistas). Sí que es verdad que la película se salva por los aspectos más técnicos. En primer lugar por una buena mano en la dirección de un Cabrera que no le ha perdido el pulso a hacer cine y que le ha dedicado cinco años de su vida a estrenar esta película, en segundo lugar por una notable dirección artística y una correcta ambientación de la película rodada en Colombia y, en tercer lugar por el papel de una niña que sí funciona muy bien en el filme y que es el verdadero alma de ‘Todos se van’ en apenas dos meses “y nueve barbies después”, según confesó Cabrera, el siempre complicado trabajo de dirigir a niños quedó reflejado de una forma muy certera, aunque en una historia poco creíble y con unos personajes mal diseñados, caricaturizados por la bondad y la maldad en sus vórtices extremos.

Así es como esta película que hubiera firmado el propio McCarthy deja regustos agridulces, con un guión mal encauzado y poco convincente aunque el trabajo de detrás de la cámara sea positivo, con un director digno de admiración, pero que aún debe bucear más para encontrar su historia.

Melodrama de contenido durísimo pero formalmente mucho más liviano que cuenta la vida de una mujer a la que su novio arrastra al mundo de la prostitución para que la mantenga. El vórtice en el que se ve involucrada la llevará a cotas cada vez más dramáticas de desesperación. Mauro Bolognini, demuestra una gran capacidad de dirección con un buen manejo de la situación artística, una fotografía notable, planos muy adecuados y una gran dirección de actores que lleva a grandes cotas especialmente a Ottavia Piccolo en el papel de la infortunada meretriz. Pero ahí se acaba todo, Bolognini es un director formalista, rígido en los planteamientos estéticos, un cineasta de manual que lleva todo a cabo con afán perfeccionista pero con escasa imaginación y con estrecho margen de maniobra, lo que la convierte también en una cinta refinadamente anquilosada, de una belleza granítica. Por otro lado, el sumo cuidado en el aspecto técnico que trata de imponer con disciplina dictatorial, deja muy de lado el guión que avanza linealmente a un ritmo constante, sin poner el acento en los giros narrativos o en los acontecimiento que pudieran destacar para el desarrollo de la historia, en general desarbolando de energía y de tensión narrativa la novela que Charles-Louis Philippe escribió a finales del siglo XIX y que fue éxito de público y crítica sin que la película pueda seguir ni con el entusiasmo popular ni con el beneplácito de los expertos que si le brindaron a la historia original sobre el que se basó la película.
Ciertamente la película no pasa de ser un discreto relato, con más pretensiones que hechos que no obstante si tiene algunos puntos interesantes que merecen ser vistos, insistiendo en la interpretación del personaje femenino, en la fotografía y en algunos planos interesantes y también en el reflejo del mundo de la prostitución en el París del siglo XIX y del negocio montado por aquel entonces entorno al oficio más antiguo del mundo, unos hechos en los que la literatura y el cine no ha abundado demasiado y que merece la pena descubrir. La dureza de la situación que viven los personajes, la encarnizada supervivencia en un mundo hostil, aparece, sin embargo, dulcificada por la embriaguez formal del director.. y es que a veces las cosas deben resultar feas para ser útiles, o para trascender como obras de arte y en una historia como esta hubiera sido seguramente lo más conveniente, pero se ha quedado en una oportunidad perdida para el cine.

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Frases de la película en Spoiler

Me pregunto si alguna vez alguien será capaz de hacer una buena película de catástrofes, porque a priori la extición humana parece un teme lo suficientemente atrayente como para hacer una buena película, pero hasta el momento, todos los directores, o más bien los productores que los contratan caen siempre en el error de forzar el guión hasta agotarlo, volcar en los efectos especiales toda la fuerza trágica y, nuevamente toda la carga emocional recae sobre un puñado de personajes con circunstancias especiales que viven una situación que en realidad afecta de forma universal a todos. Este es un ejemplo más de lo que se describe en todas las películas de catástrofes, aunque en esta ocasión, puede que esté incluso por debajo de la media. La forma de perecer es en esta ocasión la vuelta de las glaciaciones, que dejan a todo el hemisferio norte congelado tras una enorme capa de hielo. Nuevamente los razonamientos científicos no tienen sentido, las actuaciones son penosas, la película se hace larga y repetitiva y acabas de hielo hasta la saciedad sin que la trama, por mucha acción que tenga, llegue realmente a engancharte, porque es fría (viene al pelo el adjetivo) y las emociones y el terror que debieran escaparse a raudales en una situación límite como esta nunca llega a cuajar del todo, más bien se quedan lejanas y hay reacciones heroicas poco creíbles, arrebatos de bondad filosófica poco coherentes y mucho intento de lloriqueo lejano. Si además los actores no saben interpretar muy bien el papel dentro de su hecatombe, y los escenarios a priori espectaculares (ese debiera ser el gran fuerte de la película, ver el parlamento londinense prácticamente cubierto de hielo excepto en el Big Beng) tampoco están demasiado logrados y se nota alguna que otra obra de cartón piedra, o de recreación mal adaptada, pues no hay motivo alguno para perder el tiempo con ella.

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El portentoso Marlo Brando que nos encontramos en esta película, su entrega total a un papel complejísimo y el prodigioso resultado que consigue ya es un elemento más que suficiente para elevar a esta película a los altares, pero no se queda ahí, ‘El ultimo tango en París’ tiene un guión esplendoroso basado principalmente en los diálogos y una fotografía para enmarcar, con una iluminación triste y grisácea, irradiación superlativa del estado de ánimo de dos personajes perfilados en cada una de sus células a los que llegamos a conocer profundamente, dolorosamente.

Cuenta la leyenda que Brando improvisó gran parte de sus diálogos con el consentimiento tácito de Bertolucci, si es así, el acierto es primoroso, porque la cadencia con la que va narrando sus pensamientos este personaje perturbado, triste, solo, asqueado tras el suicidio de su mujer, la ironía que desprende de cada una de sus palabras, la angustia que produce el saber que detrás de sus frases yace la experiencia… no sé, los diálogos que fluyen de Brando pueden tener un cariz casi absurdo, abyecto incluso en otras bocas, por las atrocidades que suelta con tanta espontaneidad, pero de los labios de este personaje mancillado, vienen acompañadas de la losa de la verdad absoluta, palabras con un sentido filosófico y racional que significan mucho más de lo que quieren decir.

Es una lástima que la película haya pasado a la historia más por sus escenas eróticas que por otras de sus virtudes, aunque indiscutiblemente la imbricaciones sexuales que muestra la película merecen su lugar en la historia del cine, eso sí, no esperen nada demasiado explícito, porque aparte de algunos desnudos integrales de la bellísima María Schneider, no verán nada más, ya que el director cuida mucho la escena para hacer del sexo algo casi poético y es ahí donde entran en escena el vaho de la ducha, las cortinas de visillo, las sábanas entreveladas, para dar más poder a la imaginación que a la visión, un resultado que personalmente me gusta más.

En cualquier caso, el sexo en sus diferentes variedades, formas y posturas, tienen también (al igual que los diálogos) algo más que el sentido literal del placer. En la famosa escena de la mantequilla (Cuenta también la leyenda que la misma se rodó sin el consentimiento de la actriz) el coito anal no es ya una penetración, sino una profanación de los valores derruidos del personaje de Brando y en el caso de Schneider, una sumisión a su aburguesamiento que le esperan a las puertas de una boda (“No se lo que hacen los adultos, acabo de empezar a serlo”, le contesta en una escena).

Y con tanto cuerpo entrelazado, mi escena favorita de esta bellísima obra no tiene nada de erótico. El monólogo que mantiene Brando hablándole a su difunta mujer corpore in sepulto’ es de lo mejor que se ha hecho jamás en el cine, la fuerza de la escena sobrecoge irremediablemente, algo que también consigue el final, poético, dramático… la guinda perfecta.

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Me ocurre con muchas películas de cine clásico, especialmente las superproducciones, que sólo veo en ellas dinero, montones de dinero para extras, para vestuario, para construir un puente de madera, para viajar a Tailandia y rodar sus espectaculares paisajes, para un espectacular montaje de sonido, donde la fuerza del río arrastra… y todo eso lo tiene el Puente sobre el río Kwai es indudable, pero sólo es eso, a mi parecer es una Titanic de la época, sin nada más y de hecho creo que no es la mejor película de David Lean que se superó en Lawrence de Arabia o Doctor Zhivago.

Sin restarle méritos a la calidad técnica que se consigue del dinero (mucho para 1957) la historia de El Puente sobre el río Kwai es más bien simplona. De hecho me resulta gracioso ver comentarios que la tachan de película bélica, cuando de bélica solo tiene quizás los últimos 10 minutos, aunque en ella aparezcan soldados todo el rato.

Más de media película, el guión se lo pasa intentando resolver un conflicto laboral ni más ni menos, y el tema radica más en el honor y en la capacidad del ser humano para anteponerse a las necesidades del cuerpo. En este sentido la película en general tiene que ver más con Ghandi que con cualquier otra del género bélico, o si me apuras con algo parecido a ‘Prison Break’ por la imposibilidad de poder escapar de una cárcel abierta en plena selva tropical, pero la estrategia militar y la acción bélica no aparecen hasta muy el final. Aunque no sea bélica no significa que el guión sea interesante, pero no es una historia ni mucho menos tan sobresaliente como para pasar a la historia del cine por la puerta grande y llevarse de paso 7 oscars.

También hablan las crónicas de las grandes interpretaciones, especialmente de la de Alec Guinnes. Otra de las características que observo en los clásicos es el de las interpretaciones bastante forzadas o teatrales, y en este caso también me reafirmo, creo que el cine ha mejorado en ello con el tiempo.

Por último, cabe destacar lo extremadamente chauvinista que es la película, donde el señor Lean y los personajes que pululan por la cinta, no caben en sí de los orgullosamente británicos que son. Esto también desnaturaliza a los personajes que parecen más trozos de una bandera que seres humanos.. y es que ¿De verdad me tengo que creer al orgulloso y flemático coronel Nicholson achicharrándose con tal de mantener a sus tropas altas de moral una vez que han sido capturados? Pues lo siento pero no, tal vez en los años 50 los recuerdos de la II guerra mundial todavía empujaba a la gente a ensoñar con historias sobre el valor y el honor, pero… el cine es inmortal y el tiempo te ha ‘pillado’ señor Lean.

Con todo esto no quiero dar a entender que es una mala película, está bien rodada, con buena estructura técnica, tiene un guión más o menos interesante, y aunque se hace larga en sus dos horas y 40 minutos tampoco llega a aburrir del todo. Pero de ahí a pasar a la historia, para mi es totalmente inmerecido y lo único que realmente emociona es ese silbido militar resonando en la selva con orgullo después de la derrota, es un momento grande e inolvidable la verdad es que sí.

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