El viaje iniciático se convierte en epopeya de dimensiones bíblicas, y cuando digo esto último no me alejo mucho de lo que es la realidad de esta trilogía en ciernes. Un producto de una calidad visual apabullante que se exhibe ante el público como un caramelo de envoltura dorada y que una vez dentro del paladar se dispersa en la boca como la dulce y amarga miel. Una producción de alta alcurnia con un director totalmente volcado en la tarea de adaptar la novela de Frank Herbert tal y como imaginaba. La capacidad de Denis Villeneuve (La Llegada) de poner imágenes al relato novelesco es tan elocuente como espectacular, y donde es capaz de darle a la fotografía el mismo protagonismo que a sus actores, con un desierto que se hace protagonista de la acción que tiene lugar y que después se transforma en una especie de coliseo donde el color es robado por las tonalidades opacas de la tierra que domina un tramo de la cinta. Brutal también la evolución del pueblo oprimido necesitado de un salvador, con las sempiternas dudas y divisiones entre facciones, en un claro ejemplo de que es difícil innovar en cualquiera de las artes que dominan parte del ocio de cualquier ser humano: la literatura y el cine (siempre ambas cogidas de la mano). Pero Denis Villeneuve, a sabiendas de que la historia puede ser algo común decide esparcir su poder visionario y nos entrega una obra magna de imaginería y poder, con un reparto que no la va a la zaga y una acción de altos vuelos.

Repiten prácticamente todos los mismos actores de la primera entrega (obviando las bajas ocasionadas por la violencia, claro está): Timothée Chalamet (Día de Lluvia en Nueva York), Zendaya (Rivales), Rebecca Ferguson (Misión Imposible: Fallout), Javier Bardem (Jamón, Jamón), Josh Brolin (Sicario), Stellan Skarsgård (Thor), Dave Bautista (Guardianes de la Galaxia) o Charlotte Rampling (Melancolía). Pero para rizar el rizo, en esta secuela Villeneuve apuesta por otros nombres potentes que unir al ya enorme cast y cuenta con Christopher Walken (Sleepy Hollow), Florence Pugh (Vuida Negra), Anya Taylor-Joy (Gambito de Dama), Léa Seydoux (Midnight in Paris) o Austin Butler (Elvis). Es inevitable no decir que estamos ante una obra grande del cine actual, con actores de importancia en la escena actual, con veteranos de alta alcurnia que dan a esta superproducción aún más brillo dentro de esa atmósfera opaca y desasosegante que es el planeta Dune y los que le rodean. Una película poderosa, de factura impecable y una imaginería brillante y original. Y no se detiene aquí. Quiere más, y nos quiere regalar más fantasía con la próxima entrega: ¿seguirá en forma Villeneuve?

Una de las miradas en torno a la controvertida figura del artista renacentista Miguel Ángel que principalmente se enfoca en la tormentosa relación que el genio tuvo con el soberbio Papa Julio II, poniendo de trasfondo la creación de la obra magna pictórica del florentino: la Capilla Sixtina. Y todo esto comienza como si de un documental de arte se tratase, hablando de las diferentes obras de Buonarotti a lo largo de su dilatada carrera.

Con un respeto reverencial del director Carol Reed (El Tercer Hombre) a la figura del Renacimiento, crea una película llena de fuertes personalidades, con un diseño de producción de calado y una mirada personal al conflicto entre dos de las personalidades más importantes de la época, un choque de "titanes" que se extrapoló a los intérpretes que encarnan a estos personajes: los excelsos Charlton Heston (El Planeta de los Simios) y Rex Harrison (Cleopatra). Sólo estos dos actores se llevan la palma en una producción que narra con inusitada facilidad una historia que pasó a la Historia por el contexto en que se encuadra y con una obra de arte que pasó a los anales por la complejidad de su ejecución y los diferentes dimes y diretes que ocasionó por el disgustó que causó en el artista su elección (casi obligación) para pintar los techos del santo lugar. Con este conflicto centrando la trama principal de la película, Carol Reed procura dotar de dinamismo la escena y logra crear tensos cara a cara entre ambos contendientes, pero además logra captar algunos datos del contexto histórico que rodea la escena con estilo y tempo bien medido. Estupendo es el relato de la huida del artista y el regreso a la capilla, con un "tour de force" entre Heston y Harrison de altura, donde a pesar del choque de dos de los mayores egos de la historia se aprecia el respeto que se tienen el uno al otro y se refleja en el poder que cada uno ejerce sobre el otro: el primero, con el arte y el talento innato en su mano y el segundo, con el poder eclesiástico, militar y económico que lo rodeaba.

El Tormeto y el Éxtasis es una película recomendada para todos porque es capaz de narrarnos historia con soltura, sin caer en el aburrimiento, que logra engancharnos hasta el final del relato y nos enseña como se ejecuta la realización de una obra de arte inmortal. Además, nos presenta dos actores en plenitud en un duelo interpretativo que, según se cuenta, traspasó el mero relato ficticio y alcanzó la realidad (al parecer Heston y Harrison no se llevaban bien). Si bien esa rivalidad se hizo de notar fuera de las cámaras, delante de ellas se aprecia un respeto entre ellos entregando escenas míticas cada vez que ambos coinciden en pantalla. Sin duda, esta producción es de alto calado, y a pesar de contar con alguna laguna a la hora de presentar la complejidad de la personalidad del artista florentino, nos narra las vicisitudes que vivió a la hora de crear la Capilla Sixtina. Además, Carol Reed nos cuenta la historia con solidez y mucho respeto a las figuras históricas que nos presenta, demostrando su experiencia y buen estilo a la hora de ejecutar sus ideas, y más en un relato de tal complejidad contextual.

Tremenda película que hace honor a la fama que le precede. Todo esto, además, partiendo desde un presupuesto relativamente pequeño pero con un espléndido aprovechamiento de los medios. También hay que contar con una directora que en ese momento estaba en estado de gracia a la hora de ejecutar las decisiones y la puesta en escena de una producción indómita. Jane Campion (El Poder del Perro) demostró con El Piano que conocía el medio a la perfección, amén de crear un guión a la altura de lo que nos narra y muestra con maestría. Se acompaña también de otros mimbres que ayudan a hacer que la película adquiera tintes de clásico del cine universal como son la magnífica fotografía (íntima y poderosa a la vez) y una BSO compuesta por Michael Nyman que ya está encumbrada en lo más alto del Olimpo musical cinéfilo.

Si las especificaciones técnicas son buenas, la historia que nos muestra (y oímos a través de una mujer muda) es tan actual como antigua. Una trama tan controvertida y arriesgada que logra atrapar al espectador. Más si vemos en la época en que se encuentra, con trabas sociales y culturales de por medio que va más allá por la situación histórica en que se sitúa. Hete aquí que Campion nos narra también un poco de la historia de la Nueva Zelanda colonial, mostrando disputas entre los avorígenes y los colonos ingleses. Pero la disputa más enraizada de la cinta es la del amor, comenzando con una proposición inadecuada (dada la época) pero de ciertos orígenes machistas (crianza en una sociedad indígena patriarcal). Vamos, que la cultura más o menos amanerada de la buena familia británica choca con la cultura indígena de Nueva Zelanda. Pero lo que deviene en proposición, se convierte en algo más, y donde no se halla el amor debe buscarse en los lugares menos esperados. Es aquí donde encontramos el conflicto principal de la película y el que mueve los hilos de la trama, convirtiendo la historia en una lucha de celos y deseos cuando, a primera vista (de ahí la forma de hilar el guión de Campion) la proposición parece abocada al fracaso.

Mención aparte tienen las interpretaciones, guiadas por la mano de una directora en estado de gracia a la hora de rodar esta película. Magnífica Holly Hunter (O Brother!) con un personaje complejo e inolvidable que le valió el Oscar; estupendos Harvey Keitel (Reservoir Dogs) y Sam Neill (Parque Jurásico) y una asombrosa niña que sorprendió por su naturalidad a la hora de interpretar un personaje difícil e importante de la historia como es Anna Paquin (X-Men) y que le valió un merecido Oscar. Con estas muestras de poderío actoral, al que hay que añadir el visual y el narrativo, El Piano se convirtió para muchos en una película de visionado obligatorio, un drama de época bien ejecutado, donde tienen cabida el erotismo e incluso la violencia de género.

El cine de Michael Bay (Dos Policías Rebeldes) siempre contará con sus adeptos y detractores, pero lo que hay que reconocer es que la mayoría de sus creaciones siempre destacan por ser un cine de consumo rápido (aunque algunas producciones tenga una duración más extensa de lo habitual). Como buen ejemplo del blockbuster veraniego por antonomasia, Bay lleva situado en esta parcela mucho tiempo, pero a veces se lanza a dirigir cintas de presupuestos más modestos. Es el caso de esta Ambulance, remake de una producción danesa de 2005 de la que toma el título y alguna cosa más, pero cambiando matices y motivos de la trama principal. Como cabe esperar del director norteamericano, la película es intensa desde principio a fin, apenas deja respiro y la acción llena la pantalla casi desde el inicio, salvaguardando algunos oasis de paz de poco en poco. Es también un ejemplo de huida hacia adelante, donde los motivos del acto inicial quedan ensombrecidos por sucesos que van ocurriendo paralelamente a la acción, surgiendo más conflictos que provocan que la trama se embarulle más. Con esto, la duración de la cinta se hace más larga de lo que cabe esperar, lastrando por momentos un producto muy aseado y trepidante. Luego, la historia no es del otro mundo y a veces se hace poco creíble, aunque cosas reales se han visto más locas. Pero es innegable que esta es una película entretenida, y de esto Bay sabe mucho. Sus intenciones no van más allá que las del mero espectáculo, e incluso con producciones de menos dinero logra siempre hacerlo igual. Es el sello Michael Bay, guste o no.

En el plano interpretativo encontramos al siempre respetable Jake Gyllenhaal (Prisioneros) como alma mater de la función, pero se rodea de dos buenos compañeros como es el caso de Yahya Abdul-Mateen II (Aquaman) y Eiza González (Baby Driver), creando un microcosmo dentro de ese actor secundario (o principal) que es la ambulancia en la que se desarrolla gran parte de la acción. Si estos objetos inanimados tuvieran premios, la ambulancia de esta producción se llevaría la palma por todo lo que acontece y por todo lo que aguanta. Sin duda, personaje importante de la trama. Pero poco más se puede sacar de una producción que va directa al grano, con un objetivo único y sencillo: entretener. Aunque sea dando muchos tiros y carreras alocadas por la gran ciudad y mostrando un desenlace más que anunciado.

Interesante thriller español que nos lleva por las tan cacareadas "cloacas del estado", un viaje a través de tramas criminales perpetradas por altas esferas para influir en todos los aspectos de un país: política, económica y hasta socialmente. Con un estilo visual riguroso y frío, Jorge Coira (Hierro, serie de TV) se adentra en una trama que no deja títere con cabeza mostrando los tejemanejes más siniestros que puede alcanzar a la sociedad más vanguardista que se precie, demostrando que el fuerte, aunque vista de traje, sigue dominando con puño de hierro al resto de la sociedad. Con habilidad, la historia se va desarrollando desde un hecho aparentemente causal y nimio hasta desembocar en algo de consecuencias mayores. Aquí radica el punto fuerte de esta producción, rasgando centímetro a centímetro una tela hasta descubrir todo lo que tapa.

Con una intriga contenida, de lenta cocción, los personajes van reuniéndose alrededor de un círculo que se estrecha cada vez más hasta que los hace confluir en unos minutos finales que mejoran un comienzo dubitativo. Así, descubrimos el ambiguo personaje de Luis Tosar (Los Lunes al Sol), que como siempre establece un rol sólido de protagonista y que va evolucionando según acaecen los hechos a su alrededor. Le secundan las buenas interpretaciones de Alexandra Masangkay (El Hoyo), Denis Gómez (Néboa), Georgina Amorós (Élite) o Miguel Rellán (Amanece que no Es Poco). Esta confluencia de personas e intereses provoca que el desenlace se vaya desbrozando como ramajos donde los favores y los chantajes son parte primordial de un juego poco limpio.

Jorge Coira entrega un thriller aseado que no necesita de demasiada acción y ruido para mantener al espectador entretenido en su sofá. Quizás se le achaque falta de potencia y un inicio dubitativo en la trama que va mejorando según pasan los minutos, con actuaciones convincentes (Georgina Amorós estupenda) y un mensaje poco alentador.