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Críticas de Tomine
MediometrajeDocumental
1980
6 de marzo de 2012
25 de 25 usuarios han encontrado esta crítica útil
Esto no es un 'making of' corriente.
Todo el trabajo empleado en la construcción de 'El Resplandor' está destinado a descubrir algo. El documental consigue reflejar el momento, el instante, en que una decisión intelectual se convierte en cine, aquél en que la intención se transforma en emoción. El documental es corto, la película también, pero la duración de esa búsqueda, que se puede prolongar indefinidamente, se siente aquí. Ése es el valor de estos 35 minutos.
Todo el trabajo empleado en la construcción de 'El Resplandor' está destinado a descubrir algo. El documental consigue reflejar el momento, el instante, en que una decisión intelectual se convierte en cine, aquél en que la intención se transforma en emoción. El documental es corto, la película también, pero la duración de esa búsqueda, que se puede prolongar indefinidamente, se siente aquí. Ése es el valor de estos 35 minutos.
6 de marzo de 2012
268 de 370 usuarios han encontrado esta crítica útil
Un escalofrío escaló mi nuca cuando hojeé una famosa revista de cine, o similar. Y es que todos los críticos de la publicación, el 100%, habían evaluado a “la invención...” con la máxima nota. Ante esto, uno no sabe qué escribir, si una crítica de la película o una crítica a los críticos españoles, a los que de un tiempo a esta parte se les ha ido la pinza. Sí, la pinza.
Porque vamos a ver. “La invención de Hugo” no es una buena película. Me resulta difícilmente creíble que alguien que guarde en su 'disco duro' visionados de Dreyer, Kubrick, Welles o Berlanga la considere merecedora de un 5 sobre 5, me extraña enormemente que gente que seguramente haya revisado “Taxi Driver” o incluso tal vez “After Hours” no hace demasiado tiempo, eleve a esta peliculita a la altura de la perfección. Es edulcorada y artificial. A la música se la ve venir desde la primera nota. Es muy obvia en sus intenciones evocadoras. Su infografía (sic) es inexpresiva. Todos los momentos oficialmente emotivos son previsibles. Etcétera. Lo mejor que se puede decir de ella es que no es ofensivamente mala como muchos hits de la actualidad.
¿Entonces? No lo sé, y estoy demasiado cansado para averiguarlo. Señores, el arte es una cosa muy compleja, muy cabrona. No llega con tener un corazón de oro y un homenaje tierno entre manos para llegar a algún sitio. Se habla de los sueños, de la magia, como se habla de la belleza del atardecer de una vieja postal, con la barbilla sobre el puño y pestañeando mientras se mira hacia arriba con aire soñador. Se ejecuta el artefacto al modo-de-las-aventuras-literarias-de-descubrimiento-infantil, sin alcanzar en ningún momento lo que a gritos pretende obtener. Me parece muy bien que sea para niños, los criterios de calidad son los mismos que para el cine de mayores. ¿Creen de verdad que Scorsese se ha dejado los marbolubios en el parto de esta película? Qué va. Él también está cansado. Y lleva mucho tiempo desandando el camino.
Porque vamos a ver. “La invención de Hugo” no es una buena película. Me resulta difícilmente creíble que alguien que guarde en su 'disco duro' visionados de Dreyer, Kubrick, Welles o Berlanga la considere merecedora de un 5 sobre 5, me extraña enormemente que gente que seguramente haya revisado “Taxi Driver” o incluso tal vez “After Hours” no hace demasiado tiempo, eleve a esta peliculita a la altura de la perfección. Es edulcorada y artificial. A la música se la ve venir desde la primera nota. Es muy obvia en sus intenciones evocadoras. Su infografía (sic) es inexpresiva. Todos los momentos oficialmente emotivos son previsibles. Etcétera. Lo mejor que se puede decir de ella es que no es ofensivamente mala como muchos hits de la actualidad.
¿Entonces? No lo sé, y estoy demasiado cansado para averiguarlo. Señores, el arte es una cosa muy compleja, muy cabrona. No llega con tener un corazón de oro y un homenaje tierno entre manos para llegar a algún sitio. Se habla de los sueños, de la magia, como se habla de la belleza del atardecer de una vieja postal, con la barbilla sobre el puño y pestañeando mientras se mira hacia arriba con aire soñador. Se ejecuta el artefacto al modo-de-las-aventuras-literarias-de-descubrimiento-infantil, sin alcanzar en ningún momento lo que a gritos pretende obtener. Me parece muy bien que sea para niños, los criterios de calidad son los mismos que para el cine de mayores. ¿Creen de verdad que Scorsese se ha dejado los marbolubios en el parto de esta película? Qué va. Él también está cansado. Y lleva mucho tiempo desandando el camino.
Los campeones
30 de agosto de 2010
78 de 82 usuarios han encontrado esta crítica útil
(Esta crítica recoge un revisionado de INLAND EMPIRE y algunos apuntes sobre “More things that happened”).
Era de noche, muy tarde o muy temprano, según se mire, pues rondaban las tres o las cuatro de la madrugada. El recuerdo de la hora lo mantengo todavía, pero si soy sincero en aquellos minutos mirando el televisor no noté el paso del tiempo. Ante mis ojos, Nikki caminaba por el callejón detrás del estudio.
Uno tiene la sensación de que la oscuridad de esta película esconde un abismo. Rostros que se siente que están ahí pero que no se ven con precisión. Cada centímetro de cine dialoga con mi mente y con mi pasado. Cada gesto de un actor dialoga con mis sueños. Piotrek sonríe cuando dice que siempre se le han dado bien los animales. Cambia el plano y vemos la cara de Laura Dern aterrorizada.
Ojalá pudiera describir la naturaleza definitiva del terror de INLAND EMPIRE. La concreción de sus sombras es tan precisa, cristalina, porque no procede de un artefacto fílmico. No creo que se pueda decir que las imágenes de IE producen una determinada emoción. Es más bien que las imágenes son esa emoción, o que ésta se ha materializado en un plano en dos dimensiones.
Aquella noche volvió a pasar. Yo era veinte cines mayor y tres arrugas más viejo. Sólo hacía falta un poco de valor, nada más. Una noche de verano que no pudiera dormir. En el momento en que una chica entra en cuadro y le pregunta al espectador, mirándolo de frente “Who is she?”, giré la cabeza hacia la puerta. No estaba en mi habitación. Os digo que no era mi casa.
Era de noche, muy tarde o muy temprano, según se mire, pues rondaban las tres o las cuatro de la madrugada. El recuerdo de la hora lo mantengo todavía, pero si soy sincero en aquellos minutos mirando el televisor no noté el paso del tiempo. Ante mis ojos, Nikki caminaba por el callejón detrás del estudio.
Uno tiene la sensación de que la oscuridad de esta película esconde un abismo. Rostros que se siente que están ahí pero que no se ven con precisión. Cada centímetro de cine dialoga con mi mente y con mi pasado. Cada gesto de un actor dialoga con mis sueños. Piotrek sonríe cuando dice que siempre se le han dado bien los animales. Cambia el plano y vemos la cara de Laura Dern aterrorizada.
Ojalá pudiera describir la naturaleza definitiva del terror de INLAND EMPIRE. La concreción de sus sombras es tan precisa, cristalina, porque no procede de un artefacto fílmico. No creo que se pueda decir que las imágenes de IE producen una determinada emoción. Es más bien que las imágenes son esa emoción, o que ésta se ha materializado en un plano en dos dimensiones.
Aquella noche volvió a pasar. Yo era veinte cines mayor y tres arrugas más viejo. Sólo hacía falta un poco de valor, nada más. Una noche de verano que no pudiera dormir. En el momento en que una chica entra en cuadro y le pregunta al espectador, mirándolo de frente “Who is she?”, giré la cabeza hacia la puerta. No estaba en mi habitación. Os digo que no era mi casa.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
Ver todo
23 de agosto de 2010
53 de 58 usuarios han encontrado esta crítica útil
Una serie de imágenes rodadas en blanco y negro se unen a otras en color. El encuadre, la escala y los puntos de vista se suceden en fuerte contraste, pero la imagen es nítida en todo momento. El objetivo de esta prueba es crear una mentira verosímil, una ilusión cinematográfica a partir de la estimulación del subconsciente colectivo. Se trata de una evocación. La imaginación del público colabora al configurar la intriga. Lo apasionante del proceso no es tanto la creación de esa tensión como el diálogo entre las dos realidades, o mejor dicho, las dos ficciones.
23 de agosto de 2010
106 de 188 usuarios han encontrado esta crítica útil
Bien, no sé muy bien por dónde empezar.
Veamos... La doble escena de Blanca Portillo en el plató de televisión y después con las hermanas, la escena explicativa de Carmen Maura en el parque con su hija y la “célebre” interpretación del tema “Volver” por Penélope Cruz.
Estas tres escenas, para cualquier director bueno, malo, regular, genial o tirandillo, no pueden pasar el corte en la sala de montaje.
No puedes forzar los guiones de esa manera. O mejor dicho: no puedes dejar que el guión, que debería ser invisible, te fuerce la película de una forma tan antinatural. Si tú quieres A, en modo alguno es una opción poner a un personaje diciendo “Es que pasó A, y luego hice A. Por eso ahora te pido A”. “Sé que fue muy duro para ti ser A, pero por mucho A que tomemos, A se nos puede volver en contra”. “Olvida eso, siempre nos quedará A”... Un momento. Me acabo de dar cuenta de que hasta mi manipulador ejemplo en base A es más elegante que sus diálogos empuja-escenas. Será por aquello de la tangencialidad. Porque en el fondo el cabronías de Almodóvar, los dos lo sabemos, no pone a sus Audrey Hepburns a decir “siempre nos quedará A”. Las pone a decir “A”. Sin más.
Ahora hablo en general, y Dios sabe cuánto me aburre esto. Los aspectos de puesta en escena, iluminación, montaje, dirección de actores (¡sí! ¡sorpresa!) y en definitiva todos los destinados a dotar de vida a una imagen son francamente mejorables. Por no hablar del trabajo en los diálogos (“Hola. Estamos rodando una peli. Buscábamos un restaurante para que coma la gente.” “Ah. Y a cuánto por persona, más o menos?” “Pos unos diez euricos”. “Ah, pues mira. ¿A qué hora sería?”). A todo aquel que haya rodado alguna vez un corto amateur con los colegas, estas líneas le serán familiares. Seguramente, en el segundo corto uno ya habrá corregido estas cosas porque de los errores se aprende. Almodóvar, no sé cuántos Oscars y Goyas después, aún los sigue cometiendo.
La escena de Pe cantando no funciona. No sé si es porque la chica hasta se muerde el labio de la “emosión”, porque la actriz en ningún momento se me revela como auténtica en su papel o porque Pedro nunca vio “Río Bravo”. Sólo sé que es un quiero y no puedo.
Almodóvar. Tío. Que ya peinas canas en los huevos. Que a tu edad no puedes seguir siendo tan cutre. Cutre podías ser con “Pepi, Luci, Bom”, no ahora. Ahora ya deberías ser decadente, manierista... Esas cosas que son los genios.
Ya... No hace falta que contestes. Venga, esta ronda la paga Boyero. Por las noches de cine que me prometiste y nunca me diste, Pedro. Por A.
Veamos... La doble escena de Blanca Portillo en el plató de televisión y después con las hermanas, la escena explicativa de Carmen Maura en el parque con su hija y la “célebre” interpretación del tema “Volver” por Penélope Cruz.
Estas tres escenas, para cualquier director bueno, malo, regular, genial o tirandillo, no pueden pasar el corte en la sala de montaje.
No puedes forzar los guiones de esa manera. O mejor dicho: no puedes dejar que el guión, que debería ser invisible, te fuerce la película de una forma tan antinatural. Si tú quieres A, en modo alguno es una opción poner a un personaje diciendo “Es que pasó A, y luego hice A. Por eso ahora te pido A”. “Sé que fue muy duro para ti ser A, pero por mucho A que tomemos, A se nos puede volver en contra”. “Olvida eso, siempre nos quedará A”... Un momento. Me acabo de dar cuenta de que hasta mi manipulador ejemplo en base A es más elegante que sus diálogos empuja-escenas. Será por aquello de la tangencialidad. Porque en el fondo el cabronías de Almodóvar, los dos lo sabemos, no pone a sus Audrey Hepburns a decir “siempre nos quedará A”. Las pone a decir “A”. Sin más.
Ahora hablo en general, y Dios sabe cuánto me aburre esto. Los aspectos de puesta en escena, iluminación, montaje, dirección de actores (¡sí! ¡sorpresa!) y en definitiva todos los destinados a dotar de vida a una imagen son francamente mejorables. Por no hablar del trabajo en los diálogos (“Hola. Estamos rodando una peli. Buscábamos un restaurante para que coma la gente.” “Ah. Y a cuánto por persona, más o menos?” “Pos unos diez euricos”. “Ah, pues mira. ¿A qué hora sería?”). A todo aquel que haya rodado alguna vez un corto amateur con los colegas, estas líneas le serán familiares. Seguramente, en el segundo corto uno ya habrá corregido estas cosas porque de los errores se aprende. Almodóvar, no sé cuántos Oscars y Goyas después, aún los sigue cometiendo.
La escena de Pe cantando no funciona. No sé si es porque la chica hasta se muerde el labio de la “emosión”, porque la actriz en ningún momento se me revela como auténtica en su papel o porque Pedro nunca vio “Río Bravo”. Sólo sé que es un quiero y no puedo.
Almodóvar. Tío. Que ya peinas canas en los huevos. Que a tu edad no puedes seguir siendo tan cutre. Cutre podías ser con “Pepi, Luci, Bom”, no ahora. Ahora ya deberías ser decadente, manierista... Esas cosas que son los genios.
Ya... No hace falta que contestes. Venga, esta ronda la paga Boyero. Por las noches de cine que me prometiste y nunca me diste, Pedro. Por A.
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