¿Qué se puede aprender de "Doodlebug"? (Aparte de lo de que las ansias de destrucción acaban por destruirte)

-El talento y el trabajo no entienden de medios.
-Uso de secuencias cámara en mano, con movimiento "acechante" (generalmente lento, orbital o frontal, acercándose a la "presa") para aumentar la sensación de tensión, acecho y opresión.
-Expresionismo luminoso: uso de contraluces y alto contraste (emplear el blanco y negro ayuda) para reforzar el lado psicológico.
-Empleo de planos cortos detallistas (teléfono, reloj, pecera): aparte de un valor simbólico, retienen y reactivan la atención, favoreciendo la inmersión en la obra.
-La importancia del sonido: quizá con un mejor sonido el corto hubiera visto notablemente intensificadas las sensaciones que busca transmitir (opresión, sentimiento de acecho, obsesión).
-¿Actuación deliberadamente poco intensa? El actor no muestra demasiada intensidad en sus acciones, lo que hace que el corto se resienta pues en mi opinión, unas acciones más violentas hubieran transmitido mucho más. Aunque, por otro lado, quizá así no daría la sensación de asemejarse vagamente a un insecto. Así pues, ¿es deliberado?
-Originalidad en la introducción del título.
-El empleo del Efecto Droste (y la recursión) en el arte relacionado con la psicología humana.

Las escenas estilo peep show en la cabina son increíbles, memorables, pese a que el drama no esté tan bien construido. El tipo lleva 4-5 años alejado de la humanidad, trastornado, sin acordarse de casi nada y en unos pocos días ya está panchísimo buscando a su mujer con su hijo el cual en un santiamén se va a su vera dejando de lado a las personas con las que se ha criado durante 5 años y con los que ha sido verdaderamente feliz. Yo no te consigo creer, Wim, la vida puede llegar a ser así de bonita, pero nunca será tan fácil, hay que currárselo mucho.

Como detalle me gustó mucho el plano del neón de los caballos del motel de carretera. Un bonito símbolo de la historia.
--------
¿Qué se puede aprender de Paris, Texas?

-Fotografía: Debería de ser de visionado obligatorio este film sólamente por su fotografía: estética cuidadísima (el uso de los colores, la iluminación diurna, nocturna, natural y artificial) y unos planos verdaderamente poéticos de todos los tipos: planos-secuencia, planos subjetivos, planos móviles (los planos puros de road movie son increíbles) y planos fijos. Destaca sobre todo el uso del contraluz y los planos-secuencia largos.
-Música, sonido y silencio: Es una película que expresa mucho aunque calle, con sus combinaciones de música, sonidos y silencio. La escena final madre-niño y padre viéndoles desde abajo, solo, en el aparcamiento, si la trama hubiera estado verdaderamente bien construida podría haber sido verdaderamente memorable, de las que te rompen. Y todo con su silencio.
-Montaje: Cuando tienes una fotografía tan magnífica, más te vale hacer un buen montaje. Aquí lo hacen, naturalmente.
-Si técnicamente te esfuerzas tanto por hacer una película tan bonita y joder, tan súmamente bien hecha, no la líes con el guión. Que el guión esté a la altura, dale más vueltas. Los actores eran buenos, tenías la obra maestra al alcance de la mano si llegas a mimar el guión la mitad de lo que mimaste el resto.

Destaco sobre todo la escena de triple montaje con las grabaciones para el trailer. Se nota que le pusieron mucho mimo ahí.

También me gustó que si bien no profundiza demasiado en la (desconocida para la mayoría) industria de la voz en off del cine da una pequeña idea sobre su funcionamiento (industria, realidad, premios)


-------------------------------------------------------------------
¿Qué se puede aprender de "In a world..."

-La escena del triple montaje paralelo con las grabaciones para el trailer está muy bien, muy sugerente. El clímax de la película. Utiliza planos progresivamente más detallados -acaba centrándose en la boca de los intérpretes- y en movimiento decreciente -al principio son planos móviles más veloces hasta acabar siendo planos fijos- Toda esta combinación unida al sonido y la buena voz de los actores logra una escena muy sugerente que te absorbe (y tiene ahí su sentido el montaje, acabas absorbido por su voz, acabas en su boca)
-Cúrrate los diálogos. Esto requiere tiempo y no es fácil. Encontrar el punto exacto para que tus diálogos sean inteligentes sin caer en el "síndrome del discurso trascendental", siendo por tanto naturales, requiere mucho trabajo de guión.
-El personaje de Moe: por mucho que tire el drama, también hay gente así, sencilla. Gente que quiere a alguien y que cuando este le falla sencillamente se van, y por muy rotos que estén, siguen demostrando cariño al otro. Y con bastante poco y algo de tiempo acaban perdonando a la persona que les falló. Hay mucho y verdadero amor ahí.
-La relación prota-grabador: También es interesante, muchas veces, cuando dos personas se gustan de verdad tienden a hacer las cosas muy lentas, muy distintas. "Vísteme despacio que tengo prisa" que se dice.
-La evolución de la novia del padre: Me ha gustado como evoluciona. Al principio solo la conoces por las opiniones de las hijas del padre y te da bastante mala espina. Luego la ves y bueno no es tan mala pero en fin, nada relevante, piensas que el padre acabará por aburrirse de ella. Finalmente acaba demostrando unos valores y una personalidad bastante fuerte, al surgir la oportunidad y termina por verse que el padre es sencillamente feliz con ella, que no mentía. Es un punto muy interesante aquello de presentar a un personaje que luego saldrá previamente mediante las palabras de otro, buscando el contraste. Recurso muy efectivo y real utilizado ,por ejemplo, por GRR Martin en "Canción de Hielo y Fuego"

Y también la final de Thomas Vinterberg en los créditos.