Las verdades duelen, es cierto, pero las mentiras pueden matar. La mentira es una poderosa enfermedad, que se apodera del ser distorsionando su visión de la realidad, convirtiéndolo en un ser ficticio originario del engaño. La última obra de Xavier Giannoli Madame Marguerite ha sido premiada en el Festival de Sevilla y en el Festival de Venecia. Una obra satírica que consigue combinar a la perfección el humor con el drama para dejar al descubierto las consecuencias de la falacia cuando es repetida dentro de un grupo.

Marguerite es una mujer opulenta, amante de la ópera y vive entre lujos y rodeada de personas que dicen admirarla pero el talento, la sinceridad y la amistad no son cosas que puedan ser compradas con dinero. Termina viviendo su propia fantasía de ser cantante de ópera, porque nadie de su entorno se atreve a decir la verdad. Ya que muy lejos de producir música por su boca, simula el chirrido de una puerta en un intento de imitación rítmica. En este artificio termina ascendiendo hasta lo más alto hasta que acaba por darse cuenta de que la vida que ha vivido es solo humo y apariencia. Lo más curioso de esta historia aparentemente surrealista es que está basada en una persona real, Florence Foster Jenkins. Confirmando el decir popular —la realidad supera la ficción— porque es imposible salir del asombro al comprobar que los estruendos producidos por Marguerite no son una exageración de la ficción sino la verdadera voz de Jenkins.


La interpretación de Catherine Frot consigue refleja en sus ojos la alienación de un personaje que vive una realidad paralela. Alabada por su marido infiel, sus amigos hipócritas y demás personajes que buscan aprovecharse. Se encuentra rodeada de mentiras siendo de los pocos personajes puros, sincera con todos menos consigo misma. Terminando por ser víctima de una mentira ajena (posiblemente una venganza por el desgaste de los tímpanos) que se apodera de ella colmándola de una felicidad ficticia. ¿Pero qué es mejor ser feliz dentro del engaño o ser consciente de la triste realidad? En mi humilde opinión, hay que aceptar la realidad para extraer de ella autentica felicidad. Marguerite podría haber aprovechado sus grandes dotes para generar ruido de otra forma (por ejemplo espantando pájaros) quizás su problema que pretender volar sin tener alas, en vez de ser feliz dando pasos firmes sobre la tierra.

La música juega un papel muy importante en el film, aunque interrumpida por los berridos de Marguerite sigue conservando una armonía que conduce al espectador por este drama tan surrealista hasta el punto que no puedes evitar reírte. Y es que al final todos nos sentimos reconocidos, al margen de que se ambiente en la ópera y con personajes de clase alta, porque el tema principal de la película es la mentira y todos hemos vivido experiencias similares. ¿Quién no se ha encontrado con el dilema: ser sincero aunque duela o mentir por compasión? ¿Quién no ha maquillado la realidad para hacerla más digerible? ¿Quién no se ha dejado llevar alguna vez por una idea placentera a pesar de ser consciente de su falsedad? Finalmente la protagonista no es tan diferente a nosotros mismos…

Las mentiras cuando son repetidas muchas veces, terminan por convertirse en verdades. ¿Hasta que punto podemos estar seguros de no ser víctimas de continuas de una mentira? El poder del grupo arrastra a las personas a aceptar falsas verdades. En este film se encuentra de manifiesto la importancia de tener una conciencia crítica que te permita cuestionarte “verdades absolutas” y la libertad de expresión, sin ningún tipo de mordaza, ya que sin estas siempre podremos ser alienados por una falsa realidad de la que difícilmente podremos escapar.

@NoTodoEsUSA
Alejandro García Rodríguezhttp://www.cinemaldito.com/madame-marguerite-xavier-giannoli/

El dramaturgo, guionista y actor Alan Bennet en 1974 mantuvo una extraña relación con Miss Sheperd una ex-monja de avanzada edad que buscaba un lugar donde aparcar la vieja furgoneta que tenía por hogar, «levantó el freno de mano con tanta fuerza que no se movió durante 15 años» del patio del escritor. Bennet reflejo su encuentro con Miss Shepherd en una novela que después sería llevada al teatro, a la radio y en esta ocasión a la pantalla grande por el director Nicholas Hytner. El personaje de Miss Shepherd es interpretado por la actriz Maggy Smith que regala al espectador momentos entrañables, por otro lado, el actor Alex Jennings interpreta a Alan Bennet en su dualidad como escritor y como persona. Al iniciar la proyección se avisa al espectador de que The Lady in the Van es una historia real en su mayor parte, una realidad dibujada por la pluma del escritor y que en esta ocasión cobra forma a través del objetivo del director.

Una relación entre dos personajes excéntricos cada uno a su manera; Alan Bennet un escritor britanico con una dualidad de la que el mismo es consciente, entre su “yo” como persona y su “yo” como escritor, uno vive y el otro escribe lo que vive. Inmerso en una vida solitaria y monótona busca darle color a lo cotidiano trabajando en una obra sobre su madre. En ese momento aparece en escena la estrafalaria Miss Shepherd que huye bruscamente —de no sabemos que— en su deslumbrante furgoneta cargada de chatarra, hasta llegar a un barrio de clase medía donde busca el lugar ideal donde asentar los neumáticos de su hogar. A Miss Shepherd no le resulta fácil encontrar un lugar adecuado y entra en continuos conflictos con el vecindario, una mujer desarropada con un caracter hostil en un barrio donde todo gira alrededor de la apariencia. En ese lugar Bennet encuentra a Shepherd por la que siente una especie de atracción literaria, desde la distancia la observa hasta que sin darse cuenta termina enganchado por el personaje.

Alan Bennet nos cuenta su encuentro con Miss Shepherd modificando e inventa a su antojo. Observamos a la anciana vagabunda desde el “yo” escritor de Alan Bennet que dirige y habla con su otro “yo” conduciendo los acontecimientos y profundizando en la vida de la mujer. El autor interactúa con los personajes, parte de la realidad para crear la ficción. El escritor va descubriendo la vida de Miss Shepherd encontrando a la mujer que se encuentra en el debajo de ese aspecto desaliñado y mal oliente. Una mujer atormentada por la dura disciplina eclesiástica que oprimió su sensibilidad para la música hasta el punto de generar en ella un rechazo rotundo. Su paso por el convento la convirtió en la mujer hostil, desconfiada y fría que es en ese momento, una disciplina que destruyo sus emociones al acabar con su amor por las notas de un piano. Miss Shepherd era una mujer solitaria que encontró su lugar en la música y que desde que esta desapareció de su vida vagabundea en busca de un lugar donde poder descansar en paz.

La perfecta normalidad del barrio que se ve alterado por la presencia Miss Shepherd. Refleja la hipocresía de una clase media que busca mantener las apariencias con muestras de caridad hacía la vagabunda. Una situación que recuerda a Placido de Berlanga cuando los vecinos hacen una campaña para reflejar su bondad al ayudar a los mas necesitados «En navidad siente a un pobre en su mesa», una muestra de hipocresía donde realmente no importa la vida ni bienestar de la persona. Los vecinos regalan a Miss Shepherd una tarta a regañadientes, pero sin acercarse demasiado vaya a ser que les contagie la pobreza. Una mujer incomprendida que ha perdido todo, pero que conserva su orgullo y honor aunque haya sido arrastrada a vagabundear. Una historia humana con un tono de comedia que esconde en su interior el reflejo de una sociedad donde reina la incomprensión. La falta de empatía hacía el diferente, que se ve aislado y arrastrado al terrible agujero de la soledad que ahoga el alma. Todos necesitamos de la compañía, comprensión y tener alguien al lado. Una búsqueda desesperada no por bienes materiales sino por la solidaridad humana. Todo esto pareció entenderlo Alan Bennet tras 15 años al lado de Miss Shepherd que hicieron cambiar su vida abandonando la soledad del escritor. Porque a pesar de las diferencia social entre ambos personajes tenían algo en común, la soledad e incomprensión del mundo exterior.

Vivimos en continuo cambio, desde que nacemos hasta que morimos; crecemos, engordamos, adelgazamos, nos cambia el rostro, etc. Pero hay ciertas cosas que prevalecen intactas a todos esto. Aquellos valores que permanecen inalterados a lo largo de nuestra vida son los que realmente nos definen como personas. Pero en ocasiones es difícil despegarse de aquellas primeras impresiones meramente físicas o más visibles, sobre todo cuando nos encontramos con alguien distinto. El rechazo al diferente es uno de los grandes males de la humanidad, este tipo de ideas han causado muerte y sufrimiento a lo largo del tiempo. Es necesario que las personas seamos capaces de mirar en el interior sin juzgar las apariencias y el cine tiene un papel necesario para contribuir a que dejemos de atacar a aquello que no conocemos o somos incapaces de comprender.

Dagur Kári nos muestra en su última obra Corazón gigante la vida de Fúsi un hombre de unos 43 años que aún vive con su madre, solo tiene un amigo con el que juega diferentes batallas de la II Guerra Mundial en un tablero, con soldados y tanques en miniatura. Su aspecto desaliñado, su sobrepeso y su dificultad para socializarse le convierten en objeto de burlas de sus compañeros de trabajo. Señalado por ser un tipo distinto, al que todos quieren tener lejos. Entre ellos la pareja de su madre que intenta que salga de casa cuanto antes. Por casualidad conoce a Sjöfn, una mujer con graves problemas emocionales con la que entabla amistad -a pesar de su dificultad para relacionarse- y de la que más tarde termina enamorándose. Aunque la relación no lleva a ningún lado, el amor de Fúsi es desinteresado, sin importar el rechazo se vuelca en ayudar y cuidar de Sjöfn cuando ella lo necesita.

Y si, Fúsi es grande, pero por su corazón gigante. Siempre dispuesto ayudar a todo aquél que lo necesita, incluso a los compañeros que le acosan. No busca nada a cambio, no se aprecia ningún atisbo de maldad en su mirada que pide desesperadamente comprensión. La inocencia de un niño, que aún no ha sido ensuciada por los males y prejuicios de la sociedad. Como la hija de su vecino, que entabla una amistad con Fúsi porque un niño no juzga, no discrimina, se relacionan con todos sin tener en cuenta las apariencias “mi padre dice que eres un bicho raro, pero yo no lo pienso”. Es interesante, como a veces los niños son capaces de ver más allá que los adultos. El personaje juega con la niña, ella le enseña sus muñecas y él sus miniaturas de la guerra. Pero el padre de ella no ve posible esa amistad e intenta impedir que su hija se relacione con él. Realmente lo que era incapaz de comprender es la inocencia de Fúsi, que lo único que buscaba era alguien con quien poder jugar.

Una película capaz de conmover, pero sin necesidad de buscar la lagrima fácil. Solo necesita mostrar el punto de vista del personaje, convertir al espectador en su compañero anónimo. Nos sitúa en su lugar, viendo la vida a través de sus ojos que luchan contra las continuas barreras con las que se encuentra, el uso de los cristales durante varios planos, sirve para crear esa distancia entre el personaje y el exterior. Finalmente, el cine a cumplido su función de acercar al espectador otro punto de vista, para hacerlo capaz de empatizar con el diferente, porque la inocencia y humanidad del personaje es finalmente lo que permanece. Ahora es imposible pensar en Fúsi y no sacar una sonrisa, porque consigue conquistar hasta el corazón más duro, solo era necesario mirar más allá de las apariencias.

Alejandro García - @NoTodoEsUSA - http://www.cinemaldito.com/corazon-gigante-fusi-dagur-kari/

La adolescencia es quizás la etapa de mayor conflicto familiar, Adelaida vive con sus padres en Bogotá. La familia se desenvuelven entre las habitaciones del hogar, mostrando al espectador los rincones de su intimidad. Lina Rodríguez presenta un retrato intimo de la vida familiar, situaciones que todos conocemos, pero que bajo la mirada de la directora se consigue profundizar en ellas. Una obra austera, que goza de una naturalidad única, con maestra interpretación que te sumerge en lo más profundo de la relación familiar. Obligando al espectador a mirarse a sí mismo y ser consciente de cada momento que desaprovecho. El tiempo sigue pasando, y mañana a la misma hora todo puede ser distinto.

En los primeros minutos Lina Rodríguez convierte al espectador en testigo de la relación familiar, con un cuadro de Adelaida junto a su padre tumbados viendo la televisión, mientras su madre se encarga del trabajo domestico. Todas las responsabilidades recaen de la madre, haciendo que la relación con su hija se encuentre entre continuas tensiones, provocadas por sus intentos de organizar la vida familiar. Mientras que la relación entre Adelaida y su padre, al encontrarse ausente de responsabilidades domesticas, está exento de tensiones, generando aparentemente una mayor conexión con la hija. En plano fijo consigue construir a los personajes y las relaciones entre ellos, de forma sutil, a través de este cotidiano momento familiar.

Las obra muestra los problemas de comunicación que tienen las personas a la hora de comunicarse, cosas que no decimos por no hacer daño, por no recibir una respuesta negativa o por no generar tensión… Pocas veces se habla con claridad de lo que sientes, sobre todo en la adolescencia queda presente esa incapacidad de comunicarte dentro del hogar, sentir que no se comprende lo que sientes y que de nada sirve expresar tus emociones. La necesidad de escapar, de conocer nuevos lugares en el exterior, es el momento de alejarte de tu hogar, para comenzar a conectar con nuevas personas ajenas al núcleo familiar.

Un fundido a negro y el resonar de una canción, anticipan un trágico acontecimiento al día siguiente.

Los rostros de distintas personas nos anuncian, sin necesidad de palabras que alguien no volverá, los rostros de Adelaida, junto con otros, muestran incomprensión, ante lo impredecible del futuro. Nunca sabes cuando será el último momento junto a una persona, cuál será el último cumpleaños, el ultimo abrazo o el último «hasta luego». De la noche a la mañana todo ha cambiado, pero el tiempo no espera a nadie, todo sigue en movimiento aunque esa persona ya no este. Hay que seguir avanzando aunque esa persona, tan importante se haya quedado atrás en el camino. El tiempo pasa muy rápido, sin dar muchas oportunidades para decir lo que realmente sientes.

Un espejo que refleja a través de la pantalla, los comportamientos que desde la perspectiva que da el cine, pueden llegar a parecer incluso irracionales. Un grito para liberarnos de las cargas y candados que nos imponemos. Aprovecha cada minuto, se tu mismo porque nunca sabes que sucederá mañana. Valora lo que tienes, porque cuando falte te darás realmente cuenta de su valor. La carga de la mujer obligada a mantener el hogar, la que pide que tires la basura, la que te dice que estudies… La que siempre está allí, aunque no aparezca en pantalla. Porque su ausencia manifiesta con mayor fuerza, la dependencia que existe hacía ella. Mañana a la misma hora, de nuevo padre e hija se encuentran tumbados en la cama, pero algo ha cambiado, la ausencia de la madre, la hace presente con mayor intensidad en sus miradas, que antes se encontraba perdida
en la luz parpadeante del televisor.

Alejandro García Rodríguez
@NoTodoEsUSA http://www.cinemaldito.com/manana-a-esta-hora-lina-rodriguez/

Arrancamos el DocumentaMadrid con el nuevo documental de Xavier Artigas y Xapo Ortega autores de Ciutat Morta donde denunciaban la impunidad policial en un caso de represión sucedido en Barcelona en el año 2006. En esta ocasión participa como co-director Marc Serra, abogado del Observatori DESC, asociación que produce el documental. Tarajal es una obra de investigación que busca esclarecer los hechos sucedidos el 6 de febrero de 2014, donde murieron ahogadas 15 personas, mientras intentaban cruzar la frontera de Ceuta a nado, al ser disparados con pelotas de goma por la Guardia Civil. Un caso que conmociono en su momento a la opinión pública, pero que con el tiempo parece que ha terminado cayendo en el olvido y al mismo tiempo judicialmente el caso ha sido archivado, sin que nadie haya asumido actualmente responsabilidades antes este terrible suceso. Xapo Ortega y Xavier Artigas afirman que su objetivo con este documental no es tanto presionar a la justicia española en la que no confían, sino despertar la conciencia de la población para que responda ante estas injusticias.

Con un estilo muy personal, cargado de rabia y una tremenda sensibilidad. La película muestra sin reparo que no busca ser imparcial ante los hechos, sino que se posiciona de forma clara. Un documental que cuenta con una investigación muy rigurosa, en la que ha colaborado ElDiario.es, donde contrasta toda la información y se argumentan las conclusiones de forma precisa. El documental solo asume con firmeza aquellas conclusiones que han sido probadas en la investigación, dejando a la interpretación del espectador otras hipótesis o conclusiones que no han podido ser demostradas. El film cuenta con aproximadamente 20 entrevistas a juristas, activistas, artistas, periodistas y guardias civiles con la que se va hilando todos los entresijos de lo sucedido desde las diferentes ópticas, con una estructura muy cerrada donde se van tratando punto por punto diferentes cuestiones entorno a los hechos para poder acercarnos lo máximo posible a la verdad de lo sucedido. Posee un montaje rítmico y una utilización consciente del sonido con la que consiguen emocionar. El documental cumple su objetivo de despertar la conciencia del espectador y hacerlo reflexionar.

La versión oficial ha ido modificándose, a medida que las evidencias la desmentían. En un principio desde el gobierno afirmaban, de forma rotunda, que no se habían utilizado balas de goma, para terminar, reconociendo su utilización junto con botes humo. En el vídeo se muestra como la Guardia Civil apunta y dispara a las personas que se encuentran nadando para llegar a tierra. El documental denuncia la utilización de balas de goma que desde 1990, en España, ha causado a más de 23 personas la pérdida de un ojo además de otras lesiones graves a manifestantes, sin olvidar la muerte de Iñigo Cavacas tras el impacto de una de estas balas. Este tipo de armamento tiene una función militar y está pensada para conflictos armados debido a su potencia, por lo que en la mayoría de países de Europa hace años que ya solo se utilizan en este tipo de situaciones. Pero si el efecto de estas armas es desproporcionado en terreno firme, su utilización contra personas que se encuentran nadando en el mar, en medio de la noche, es terrible.

En esta ocasión, el suceso llego a la opinión pública debido a las grabaciones de varios vecinos de Ceuta que se encontraban presentes ese momento. Si esto no hubiera sucedido, seguramente nunca nos hubiéramos enterado de este trágico hecho y posiblemente no existiría este documental. ¿Hasta qué punto somos consciente de lo que sucede? Seguramente actuaciones similares se han realizado con anterioridad, pero no tenemos constancia. Al igual que sucedía con el caso de Patricia antes de Ciutat Morta, que era completamente desconocido para gran parte de la opinión pública. Hay parte de la información que no nos llega y otra nos llega de forma sesgada, como sucede en muchas ocasiones, si comparamos el tratamiento que hacen los medios a la inmigración proveniente de Siria a la que se les concede el estatus de refugiados, pero no sucede lo mismo con aquellas personas provenientes de África que también huyen de los distintos conflictos que hay en el continente. Este tratamiento de forma mal intencionada es debido a los intereses de Europa que le interesa la entrada de inmigrantes sirios, en su mayoría de clase media. Mientras que por otro lado evita con el uso de pelotas de goma la entrada de inmigrantes subsaharianos.

Un documental imprescindible y necesario para descubrir cómo funciona en realidad nuestro país, el reino de la impunidad; donde la justicia, se encargar de sostener las injusticias y donde cada vez es más visible que poco cambio de épocas anteriores. Un crimen que se ha intentado arrastrar al olvido, donde lo más sangrante ya no es: que no se depuren responsabilidades ante la muerte de 15 personas, sino que se nieguen a investigar. Por eso es tan necesaria la labor de Xapo Ortega, Xavier Artigas y Marc Serra que ya se han convertido en referentes del documental político en nuestro país, siendo capaces de reavivar las injusticias para que no caigan en el olvido.

Alejandro García
@NoTodoEsUSA
CineMaldito

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