En un documental que viene como extra en el DVD de Fascinación, Brian de Palma y Paul Schrader (guionista de la película) dicen que vieron Vértigo y de ahí sacaron la inspiración para hacer Fascinación
Habrá quien hable de inspiración o habrá quien incluso hable de plagio. La cuestión es que las semejanzas son muchas, empezando por el hecho de que la banda sonora fuese compuesta por Bernard Herrmann (quien también compuso la de Vértigo) siendo más que evidente que hay mucho de la primera en la segunda, siguiendo porque la premisa del guión es básicamente la misma y terminando porque hay planos que parecen calcados.

Fascinación, como digo en el título de la crítica, es una especie de Vértigo meets Rebeca. Nos cuenta la historia de una familia feliz a la que sacude la tragedia cuando la mujer y la hija del protagonista (Cliff Robertson) son raptadas y el secuestro acaba mal.
Pasan los años y él no olvida, así que su socio (John Litgow) le convence para ir a Florencia, curiosamente el lugar en el que conoció a su añorada esposa. Y allí, en la preciosa iglesia de San Miniato al Monte conoce a una joven idéntica a su amor perdido. Como nos podemos imaginar, y al igual que pasaba en Vértigo, el personaje de Cliff Robertson hará todo lo posible por acercarse a esta joven y empezar una relación con ella (y lo consigue, claro).

Es desde este momento cuando la película cada vez se hace más loca e histérica. Reminiscencias de Rebeca, necrofilia latente, y un giro final de esos que le gustan tanto a cierto director de ascendencia hindú

A esto hay que unirle unos diálogos que, por momentos, son sonrojantes (la mayoría de las intervenciones de John Litgow son de traca), una cámara totalmente enloquecida e irritante (como es marca de la casa) y un actor protagonista que no está a la altura en ningún momento porque tiene la misma cara de palo durante todo el metraje (hijo mío, que te pasa de todo y no mueves ni un músculo!!!!).

Mención especial para Geneviève Bujold, la mejor del reparto sin duda, en un doble papel (y que papelón, madre mía).

¿Qué si me ha gustado? pues no va a encabezar mi top ten de favoritas pero cuanto más la recuerdo más ganas tengo de revisionarla

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Esta semana se ha estrenado la esperada secuela de la película de Zack Snyder “300”, una película que marcó un antes y un después tras ser estrenada en 2006 por su potencia visual y su manera tan personal de filmar las escenas de acción. Ese particular estilo y el poco reparo en mostrar la crudeza de la violencia fueron algunos de los elementos más destacables de la película y todos ellos aparecen en esta nueva entrega. En este caso dirige Noam Murro aunque Zack Snyder sigue presente en el proyecto pero como co-guionista y productor.

En “300: Rise of an Empire” el héroe es Temistocles (Sullivan Stapleton), quien es el encargado de dirigir las tropas atenienses que deben evitar que los persas invadan Grecia. No lo va a tener nada fácil ya que al frente del ejército enemigo está un rival formidable, la sanguinaria Artemisia (Eva Green). El punto de partida vuelve a ser, nuevamente, una novela gráfica de Frank Miller, en este caso, “Xerxes”.

El grueso del argumento se desarrolla en paralelo a los acontecimientos vistos en “300” pero también conoceremos el antes y el después de estos sucesos. La vuelta de personajes como la reina espartana Gorgo (Lena Headey) o el rey-dios persa Xerxes (Rodrigo Santoro) y el uso de imágenes de la anterior película ayudan a fusionar una película con otra.

Es imposible no establecer paralelismos entre una película y otra pero mientras que en “300” primaba una épica que se sustentaba en el heroísmo de sus personajes, “300: Rise of an Empire” pierde en personajes carismáticos y gana en efectismo. La verdad es que el hecho de que la mayor parte de la película muestre batallas navales da pié a que la película gane, con respecto a su antecesora, en espectacularidad.

No hay duda de que los fans de “300” disfrutarán de esta película. El resto se sentirán aliviados al comprobar que, a pesar de lo que se esperaba, la película no sólo no es mala sino que es bastante entretenida y pasarán un rato agradable en el cine.

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En líneas generales, Estudio de Terror es una película correcta, bien llevada y bastante entretenida. El principal atractivo de la cinta es ver el duelo de titanes que se desarrolla entre uno de los detectives más famosos de la literatura, del cine y la televisión y uno de los asesinos más célebres de todos los tiempos. Los roles más importantes están bastante bien desarrollados, destacando Robert Morley como Mycroft Holmes y la presencia de una joven Judi Dench en uno de sus primeros papeles en el cine. Sobre John Neville, quien se encarga de dar vida a Sherlock Holmes, podemos decir que sin ser una de las mejores representaciones del detective, está más que correcto. Su Holmes es lo suficientemente arrogante y estirado pero a la vez inteligente y elegante como para que los fans de este personaje quedemos satisfechos con su interpretación. En cuanto a la identidad del asesino, permitidme que no comente nada ya que hasta el final no se desvela y si diese cualquier pista sobre ese personaje, gran parte de la gracia de la película desaparecería.
En ese sentido, en el referente al desarrollo de la trama, la película está bien expuesta. Estamos ante la típica cinta en la que cualquiera puede ser el asesino y, las cosas como son, hasta el último momento sospechas de todo el mundo. Me gustan mucho ese tipo de películas, tipo novela de Agatha Christie, en la que los indicios parecen no apuntar hacia un lugar concreto y Estudio de Terror es una de estas. También tiene a su favor lo bien hilados que están entre sí los datos referentes al detective de Baker Street y los referentes al destripador de White Chapel y, en ese sentido, ayuda mucho la ambientación, con una escenografía muy lograda (esas callejuelas llenas de niebla) y un muy buen diseño de vestuario.
Estudio de Terror no es una obra maestra ni la mejor película que podáis ver sobre Sherlock Holmes o Jack, el Destripador pero es una película que va a gustaros por su desarrollo pausado pero seguro, su buena ambientación y un puñado de actores que dan lo mejor de sí mismos para componer una historia entretenida que os transportará a la Inglaterra victoriana


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Sara, una escritora de novela con un pasado dramático, tiene un accidente de coche y cuando despierta descubre que está en un monasterio en el que los monjes que lo habitan viven totalmente ajenos al progreso y a la civilización sin agua, sin electricidad y sin ningún tipo de comodidad. Poco a poco, Sara se irá dando cuenta de que las paredes del monasterio guardan un terrible secreto...

Lo peor que se puede decir de una película es que no ofrece nada nuevo y este es el caso de "La Hermandad". La película es un conglomerado de tópicos del cine de terror cuyo único punto fuerte es una logradísima ambientación y una correcta puesta en escena. El guión es bastante flojo y es inevitable no recordar otras cintas de terror patrio con las que guarda semejanza en cuanto a historia o atmósfera, como "El Espinazo del Diablo" o "El Orfanato", pero es inferior a cualquiera de ellas porque esa debilidad de guión hace que se abuse de ciertos recursos típicos de este género como el susto fácil y la música de tensión estruendosa.
Tampoco ayuda que el libreto sea tan tramposo y que tire por el camino más fácil a la hora de presentar la resolución de la película. Las vueltas de tuerca no son coherentes (ver spoilers) y al final da la sensación de que todo está demasiado forzado para conseguir el resultado deseado.

En conclusión, creo que el director se ha empapado de las películas de fantasmas más taquilleras de los últimos años y ha tomado buena nota de lo que ha visto en ellas aunque por desgracia, se ha limitado a hacer un refrito con todo lo que vio sin proponer nada que no hayamos visto ya. Pero, oye, qué bien lucen las telarañas y que ambientazo tan tétrico le dan a cualquier cosa.

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La película se inspira en el relato escrito en 1841 Los Crímenes de la Calle Morgue y, aunque se toma unas cuantas licencias con respecto al original, creo que capta muy bien la esencia de la obra de Poe. Estamos ante una película tan macabra como truculenta pero que en ningún momento cae en la vulgaridad de mostrar y no sugerir. Esto mismo pasa en los escritos de Poe, quien era capaz de hacernos sentir los horrores más inimaginables sin tener que recurrir al efectismo sanguinario. El Doble Asesinato en la Calle Morgue es una película atrevida, o al menos, lo que nos llegó de ella porque la propia productora, la famosa Universal, recortó parte del metraje para eliminar algunas escenas especialmente violentas. Viendo el resultado final, en el que hay tramos verdaderamente impactantes, es inevitable pensar que, en su origen El Doble Asesinato en la Calle Morgue tuvo que ser una película aterradora.

Bela Lugosi estaba en lo más alto de su carrera cuando rodó esta película y se nota. El año anterior había protagonizado Drácula (Tod Browning) y en este mismo año rodaría dos películas clave para el género de terror: La Legión de los Hombres sin Alma (Victor Halperin) y La Isla de las Almas Perdidas (Erle C. Kenton). Su papel en El Doble Asesinato en la Calle Morgue es el de un mad doctor de manual, malvado como pocos y con la máxima de que el fin justifica los medios como bandera. Su experimento es especialmente siniestro y, precisamente, en su laboratorio es donde asistiremos a los momentos más perturbadores del film. Clave en ese experimento es el simio que lo acompaña, quien protagonizará una serie de escenas bastante estimables que podemos considerar precursoras de lo que veremos en 1933 en King Kong (Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack).

Pero Lugosi no es el único talento que participó en esta película ya que detrás de las cámaras trabajaron figuras tan importantes en el cine de terror de los 30 como Karl Freund, director de La Momia y Las Manos de Orlac o Carl Laemmle Jr., productor de Drácula, Frankenstein o El Hombre Invisible entre otras. Concretamente, creo que la presencia de Karl Freund, quien conocía de primera mano el Expresionismo alemán, fue vital para la película ya que es innegable lo que le debe la película a esta corriente cinematográfica que se desarrolló en las primeras décadas del siglo XX.

Cómo os podéis imaginar, os recomiendo ver la película. Quizá no sea una de las adaptaciones cinematográficas de Edgar Allan Poe más conocidas, pero, sin duda, merece ser reivindicada porque tiene un montón de cualidades que cualquier aficionado al género apreciará.

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