La coreógrafa alemana Pina Bausch exigía a sus bailarines, más que seguir sus coreografías, vivirlas; dejar de ser simples intérpretes y convertirse en transmisores de los sentimientos que evoca cada una de las piezas de baile. “Pina”, la nueva película del director alemán Wim Wenders, exige del espectador ser más que un observador, dejándose envolver por el poder de las coreografías creadas por Bausch, siendo el receptor de los sentimientos que los bailarines en pantalla quieren transmitir.

“Pina” es un proyecto que Bausch y Wenders quisieron emprender por más de 10 años y que siempre pospusieron por temor de que se limitara la magnificencia de las piezas de baile. No fue hasta el 2009 que Wenders se convenció que el uso de la tecnología 3D sería lo necesario para lograr transmitir a través de la pantalla los sentimientos que Bausch evoca en cada una de sus coreografías. Así nació “Pina”, una cinta que se encuentra en el límite del documental y la película de baile—al mejor estilo de los filmes de Carlos Saura—y que en poco más de noventa minutos busca mostrar la esencia de Pina Baush como persona, pero sobre todo como artista.

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Cada año, cerca de 5000 niños y adolescentes de todo el mundo se presentan al Youth America Grand Prix la competencia de ballet más grande del mundo. De todos los participantes, solo 300 llegaran a la final de la competencia en Nueva York y unos pocos lograrán conseguir una de las becas y contratos con las más importantes compañías de ballet del mundo que les permitirán seguir con sus carreras. De esas 5000 historias, la directora Bess Kargman eligió siete para su documental “First Position”, historias que dejan claro que nada en la vida llega sin sacrificios.
Joan Sebastian es un joven colombiano que tuvo que dejar a su familia para poder seguir sus sueños en Estados Unidos. Michela es una huérfana sierraleonesa que quiere romper con los estereotipos hacia las bailarinas afrodescendientes y Rebecca una adolescente estadounidense que puede ser la representación perfecta de todos los estereotipos que existen sobre las bailarinas de ballet. Estas son algunas de las historias que se muestran en este documental, en el que no hay rivalidades atrás del escenario, ni padres frustrados que quieren cumplir sus sueños a costas de sus hijos. Aquí solo hay jóvenes que disfrutan y sobre todo aman lo que hacen.
Kargman, quien practicó ballet en su niñez, conoce perfectamente el mundo de la danza y eso se nota en la manera como muestra las arduas sesiones de entrenamiento en las que se repiten los mismos movimientos una y otra vez o los ejercicios de estiramientos que parecen más métodos de tortura, pero que a pesar de lo complicado son hechos por los bailarines siempre con una sonrisa en la boca porque saben que son necesarios en su camino al éxito. En otro punto donde se nota la sensibilidad artística de la directora es en la manera en como filma las escenas de baile, siempre buscando ángulos y posiciones que permitan ver la cadencia de los movimientos de los bailarines y que nosotros como espectadores entendamos lo que los bailarines quieren expresar.
“First Position” avanza rápidamente, pero eso no impide que las historias de los protagonistas, sus familias y profesores tengan el desarrollo adecuado y que nos podamos relacionar con ellos, sintiendo sus triunfos y derrotas. Todo en la vida requiere sacrificio, pero la vida no es justa y algunos de los protagonistas terminan fracasando en sus intentos por triunfar, pero eso no les resta importancia a todo lo que han logrado. Al final, “First Position” no solo logra mostrar la belleza del baile sino también la tenacidad necesaria para alcanzar el éxito en ese mundo.

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El cine es un ejercicio de nostalgia en el que cada director crea su estilo inspirado en el de sus predecesores mientras trata de aportar algo nuevo. Cada persona que ha trabajado en la industria ha hecho su aporte para avanzar al cine como fuente de entretenimiento y creación artística, todos siguiendo el ejemplo de aquellos pioneros que a finales del siglo XIX y principios del XX dieron inicio a una revolución cultural que cambió la historia. “Hugo”, la más reciente película de Martin Scorsese, es una carta del amor al cine en sus inicios, un homenaje a aquellos que decidieron que el cine sería el lugar en donde los sueños se hacen realidad.

Hugo es un joven huérfano que se dedica a reparar y dar cuerda a los relojes de la estación de trenes Gare Montparnass en París mientras trata de pasar desapercibido para el guardián de la estación que no sabe de su presencia y trata de reparar una viejo automaton –máquina que imita la figura y los movimientos de un ser animado– que es la última conexión que tiene con su difunto padre. Las aventuras de Hugo lo llevan, sin querer, a descubrir la magia del cine y de un personaje que hasta ese momento se creía desaparecido.

En todos los aspectos técnicos, “Hugo” es una película maravillosa. Los vestuarios, el maquillaje, y los efectos visuales mantienen en la pantalla una sensación de magia que acompaña de manera perfecta el diseño de producción a cargo Dante Ferretti y Francesca Lo Schiavo, quienes logran recrear de manera casi perfecta el París de los años 20s. La música de Howard Shore también se hace evidente durante toda la película y en algunos casos –como la maravillosa secuencia inicial– se convierte en una pieza fundamental de la historia. La dirección de Scorsese es impecable y se hace notar desde los primeros segundos de la película. Y es que en esta película Scorsese da la impresión de estar disfrutando más que nunca su trabajo, llenándola de referencias, a veces muy obvias y a veces muy sutiles, al trabajo de los directores que más admira.

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Al principio del tiempo, un grupo de inmortales libró una gran guerra. Los ganadores fueron proclamados dioses y gobernaron toda la existencia, mientras que los perdedores fueron llamados titanes y se les encerró en el monte Tartato por toda la eternidad. Así inicia “Immortals”, la más reciente película del director Tarsem Singh, un desastroso viaje por la mitología griega al que ni lo impresionante de su estilo visual, la salva de ser solo un mediocre intento por capitalizar del éxito que han tenido otras películas del mismo estilo. MORE

Singh, reconocido por la innovadora estética visual de sus dos anteriores producciones “The Cell” y “The Fall” no decepciona en “Immortals” y con la ayuda del CGI (imágenes generadas por computador), logra crear escenarios impactantes, los cuales, acompañados por el muy buen diseño de producción y los vestuarios de Eiko Ishioka, elevan la calidad visual de la película a un nivel bastante alto. Sin embargo, los demás aspectos de la película, incluyendo en algunas ocasiones la propia dirección de Singh, hacen que todo lo logrado visualmente decaiga y que al final “Immortals” termine siendo solo una colección de bonitas imágenes y secuencias.
“Immortals” tiene como personaje principal a Teseo (Henry Cavill), un joven pastor elegido por Zeus para derrotar al Rey Hyperion (Mickey Rourke), quien, en busca de venganza hacia los dioses—cuyos motivos nunca quedan lo suficientemente claros—, quiere liberar a los titanes y destruir todo Grecia. Mientras transcurre todo esto, los dioses griegos simplemente posan bellamente preocupados—hay que reconocer que el trabajo del casting también fue una maravilla visual—sin intervenir en un conflicto donde los más afectados serán ellos, de nuevo por razones que nunca quedan lo suficientemente claras. Y es que la principal falla de esta película está en su guión, el cual está lleno de diálogos bastante pobres, personajes muy mal desarrollados y de momentos que pretenden ser muy dramáticos y nunca llegan a serlo.
Como buena tragedia griega o por lo menos como algo que pretende serlo, “Immortals” está cargada de batallas y luchas para las cuales Singh hace un uso un poco desmedido de la violencia, quizás pretendiendo hacer más atrayente la película para un público que disfruta de este tipo de cosas. Las escenas de tortura en todas las formas posibles son bastante comunes pero se quedan cortas en número con las que muestran una excesiva cantidad de decapitaciones (al parecer es la mejor forma de matar a un enemigo). En estas escenas, el uso de la cámara lenta y los movimientos de cámara nos permiten ver hasta la última gota de sangre de cada batalla.

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Un grupo de mujeres camina por el árido desierto libanés. Sus rostros reflejan el dolor de sus almas, mientras sus cuerpos siguen una hipnótica coreografía y la narración de fondo nos indica que la historia que vamos a ver, es la de mujeres vestidas de negro, que sin estrellas brillantes o flores hermosas hicieron de la valentía su mayor virtud. Ese es el inicio de “Where Do We Go Now?” la segunda producción de la actriz y directora libanesa Nadine Labaki, la cual ganó el premio del público en el festival de cine de Toronto 2011 y represento al Líbano en los premios Oscar de ese 2012.

En “Where Do We Go Now?” Labaki cuenta una historia sencilla, sobre los habitantes de un pueblo aislado en el desierto, en el que cristianos y musulmanes han vuelto a convivir tranquilamente después de la devastadora guerra civil que azotó al Líbano durante varias décadas. Pero a pesar de la calma actual, las heridas de la guerra son evidentes y esperan ser abiertas en cualquier momento. Es por esto que cuando las mujeres del pueblo se enteran que una disputa en una lejana ciudad puede reavivar los conflictos religiosos del país, tratan de hacer todo lo posible para que los hombres del pueblo no se unan a las confrontaciones.

La premisa parece bastante adecuada en momentos en los que el mundo ve cómo la intolerancia religiosa crece rápidamente. Sin embargo, la ejecución de la historia es muy débil y termina haciendo pensar si Labaki en algún momento supo verdaderamente hacia donde quería dirigirse. Y es que es difícil catalogar a “Where Do We Go Now?”. Las escenas de comedia abundan y algunas de las situaciones a las que llegan las mujeres para evitar el conflicto son muy graciosas, pero también hay momentos muy dramáticos, especialmente hacia el final de la película, en donde la realidad termina llegando al pueblo. Además de esto, Labaki incluyó tres secuencias musicales que, aunque bien logradas desde el punto de vista técnico, no aportan nada a la historia y sólo sirven para añadir a la confusión general.



Labaki se ha ido ganando la reputación de ser una directora de mujeres y esto se nota en la manera en la que logra que este reparto de actrices realice interpretaciones bastante acertadas que van mostrando lentamente cada una de las capas de los personajes. En especial hay que destacar la actuación de Claude Baz Moussawbaa, quien logra robarse la película en varias escenas dramáticas. A pesar de lograr muy buenas actuaciones, Labaki queda en deuda con su propia actuación, la cual es opacada por el resto del reparto.

“Where Do We Go Now?” termina tal como empieza, con un grupo de mujeres vestidas de negro caminando por el árido desierto libanés, aunque estas mujeres son diferentes a las del inicio. Su lucha por evitar una guerra las ha dejado agotadas y las ha obligado a tomar decisiones que las cambiarán para siempre. Tanto la secuencia inicial como la final son sobrecogedoras en diferentes maneras y son sus dos puntos más fuertes, pero lamentablemente todo lo que está en el medio debilita la historia y quedamos sin saber a dónde ir ahora.

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