He seguido la filmografía de Ostlund en sentido contrario al tiempo de su realización. No tengo la sensación de haberme perdido una evolución en su cine, porque creo que lraíces que subyacen en Play son las mismas que subyacían en el Triangulo de la Tristeza. Está claro que es un director incómodo, un director de cine social que no toma partido, se limita a exponer y deja que sea el espectador quien se posicione. En el Triangulo de la Tristeza abordaba lo irracional de la lucha de clases, la forma en la que la posesión determina la posición social. En The Square exponía la vacuidad cultural moderna, la victoria del Marketing sobre el Arte. Fuerza Mayor se metía de lleno en los valores de la masculinidad y las consecuencias de su alteración. En Play parece que se adelanta a lo que ahora tanta gente decide llamar movimiento Woke, así como a la integración social del emigrante.

Como casi todas sus obras, el resultado es sumamente visual. Considero que se trata de un director que es capaz de dejar escenas indelebles en el recuerdo, capaz de transmitir con imágenes sensaciones como la incomodidad, la rabia o la compasión de una forma certera y muy afilada. Quizás su mayor pero, es que en ocasiones prima esto sobre la fluidez del relato. No es una película hecha por tanto para todos los públicos, pero si que creo que si te gusta el cine europeo y el cine de autor, es una película que se puede disfrutar en sobremanera.

Con esta película, podríamos encontrarnos ante una especie de Ventana Indiscreta, donde no sospechamos de ningún asesinato o confabulación, sino donde simplemente observamos una lluvia de erotismo, celos y en definitiva; amor.
Kieslowski es un maestro entendiendo la carga de las emociones humanas. Con su habitual ritmo lento y pausado, pero repleto de simbolismo y tensión, nos ofrece una película inolvidable. Avanza durante los primeros momentos generando una mezcla de inquietud e incomodidad. Una mujer es observada en su vida más íntima por un vecino. La vemos realizar las tareas más habituales bajo un ojo atento que la inspecciona y la persigue, tratando incluso de cambiar el curso de sus rutinas, o simplemente de incomodarla.
Nos vamos pronto dando cuenta de que ese vecino acosador, no se guía por la lujuria, ni por el odio, la envidia o el rencor, sino que simplemente se guía por un sentimiento irresistible, y es el enamoramiento. La lente a través de la que observa pronto se torna insuficiente, necesita más. Necesita oírla, sentirla, tocarla y formar parte de su vida.
Kieslowski nos hace participes de esta creciente interrelación entre el acosador y la acosada, y la brillantez de la película, posiblemente, se encuentre en la trasposición de los roles.
Una vez comienzan con el juego del amor, ella lo hace sin cargas, mientras que él lo hace como tarea vital. Como en la Insoportable Levedad del Ser de Kundera, observamos como ella juega con la levedad, mientras él está sometido a la extrema gravedad. Como una marioneta, es controlado y manejado por la voluntad de ella, con la única diferencia de que esta marioneta tiene sentimientos.
Llegamos así al momento climax de la película (nunca mejor dicho). Pocas escenas podrían haber plasmado mejor lo que significan el uno para el otro. El mínimo contacto supone la máxima tensión y el máximo placer para él. Por otro lado, la mínima participación en el juego supone la máxima diversión para ella. La consigna de la escena está clara, quien maneja los hilos de la marioneta pone voz a la historia y simplemente le dice: No amarás. Trata de aleccionar, de enseñar y de mostrar su filosofía de vida, aunque con ello también desencadena el propio cuestionamiento de la idoneidad de la misma.
Al finalizar la película, la sensación que queda es confusa, (demasiada intensidad en tan poco tiempo como para procesarla correctamente) pero el mensaje predominante parece claro: No amarás...aunque quizás no puedas evitarlo.

Lo cierto es que tras haber visto 2-3 veces la película, creo que es uno de esos ejemplos, en los que segundos visionados te hacen darte cuenta de que lo que estás viendo no es tan bueno como parece.
En un primer contacto es una película que impacta, muy buena banda sonora, muy dinámica, buena ambientación, algunas actuaciones memorables, escenas que se han convertido ya en míticas dentro del cine y un final feliz que te deja con buen sabor de boca.
Sin embargo, cuando profundizas un poco más comienzas a ver los fallos. Si Robert de Niro y Sean Connery realizan interpretaciones muy loables, Kevin Costner y Andy García ofrecen papeles bastante flojos para la carga de protagonismo que tienen.
A nivel argumental, resulta poco creíble la evolución de los personajes y su implicación con el proyecto. (Por ejemplo, la escena en la que Andy García entra a formar parte de los Intocables me resulta totalmente forzada y carente de credibilidad). Muchas veces anteponen la espectacularidad de las escenas a la coherencia argumental de las mismas. (El ejemplo más claro posiblemente sea la mil veces imitada escena de la estación y el carro del niño).
En definitiva, creo que peca demasiado del sindrome Hollywood por crear un blockbuster, en cuyo caso, hay que reconocerle a de Palma que logró el objetivo sobradamente. No está a la altura de otras películas policiacas o de cine negro en cuanto a calidad, pero si lo que uno busca es pasar un buen rato viendo una película que se ha convertido casi en un hito cultural de los 80, es una elección acertada.

Junto a la Piel Suave, otra de las películas más "hitchcockianas" de Truffaut. Muy buena interpretación (como casi siempre) de Jeanne Moreau, en un papel muy frío y contenido. Aunque dentro de la filmografía de Truffaut no sea uno de sus títulos más destacados, es capaz de demostrarnos que a través de la pantalla, gracias a su enorme talento y devoción por el cine, puede proponerse y atreverse con lo que quiera, en este caso, con un género que no suele trabajar, como es el suspense. En cualquier caso, para mi, Truffaut, siempre será el director que mejor supo plasmar y entender el amor, y creo que es en ese campo donde sus películas más destacan.

Elegir el blanco y negro en esta película casi parece necesario, teniendo en cuenta lo sombrío de su argumento. Retratando la vida de un grupo de artistas fracasados en el París de los 70, como si de la época impresionista se tratase, Kaurismaki nos brinda aquí una nueva obra de crítica social que casi duele por la dureza del argumento. No les preocupa el dinero, porque la vacuidad de sus vidas les impide concebir un futuro cómodo. No les preocupan sus propiedades porque carecen de raíces en cualquier sitio. No les preocupa su propio arte y su propia contribución artística, porque son incapaces de concebir que algo creado por ellos posea algo de valor. (Quizás la crítica social más dura sea el papel de Leaud, un ricachón que colecciona cuadros de un pobre desgraciado porque no sabe en que gastar su dinero). Al final, lo único que les preocupa de verdad, es que incluso morir dignamente tiene un precio...