Poppy Field es la opera prima del director rumano Eugen Jebeleanu, ganadora del premio Talents 2021 a mejor película, galardón principal del D'A Film Festival Barcelona. Este filme narra la historia de un policia que se enfrenta a una realidad controvertida, relacionada con la diversidad sexual y la libertad de expresión que existe en Rumanía.

Desde el punto de vista narrativo, la trama es contada con cámara en mano, lo que produce una sensación más cercana y que permite ver de forma más realista todo lo que sucede. Este elemento es clave para el desarrollo de la historia, pues consigue transmitir de manera muy directa y dinámica, a través varios planos secuencia espectacularmente ejecutados, la situación más sorprendente y trepidante de la película. Asi mismo, la interpretación de los personajes es bastante buena,  sobre todo en la escena del cine, donde la intensidad emocional y la sincronización de los planos secuencia mantienen cautivo al espectador, con actuaciones y diálogos muy naturales y fluidos.

Por otra parte, el trasfondo ideosincrático está muy bien planteado y sirve para exponer la realidad de una sociedad conservadora que, en general, discrimina a la comunudad LGBT+ y toma acciones represivas para invisibilizar la diversidad sexual, incurriendo en la censura de la libertad de expresión. Poppy Field es una película muy notable, contada con sinceridad, que invita a reflexionar sobre las libertades y derechos sociales de una cominidad discriminada, que se ve señalada y humillada por una mayoría injusta y por autoridades incompetentes e hipócritas que no logran establecer un marco de toleracia y diálogo para que exista convivencia y respeto entre la sociedad.

Escrito por Gabriel Bonanni Caldeira, para CINEZIN.

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En 2009, Nicolas Winding Refn todavía no había saltado a la fama como lo hizo después con Drive o The Neon Demon. Sin embargo, ya llevaba unos años demostrando personalidad en la dirección con trabajos como la saga Pusher, Fear X o Bronson. Después de este drama biográfico, con un espléndido Tom Hardy, decidió hacer una incursión en el subgénero de las películas de vikingos con Valhalla Rising, un experimental descenso al Valhalla o infierno a través de un personaje enigmático, deshumanizado y casi monstruoso.

Entre el género de aventuras, el drama y, según se mire, el de ciencia-ficción, Winding Refn explica, por episodios, la historia de One-Eye, un guerrero esclavo en plena Edad Media que logra escapar del yugo en el que había permanecido durante años para vivir su vida en libertad. Aparentemente, parece una historia básica y convencional, pero el director y su equipo realizan un trabajo espléndido a nivel técnico para convertir dicha historia en un viaje introspectivo y reflexivo sobre la evolución del ser humano. Aunque parezca inverosímil y el film tenga un ritmo pausado, casi tedioso, la historia de One-Eye es la visión del director sobre la vida: nacemos ligados y esclavos, nos liberamos y andamos sin rumbo, topamos con la religión y el cristianismo, el cual nos nubla y aturde, pero nos motiva a seguir un rumbo hasta que se vuelve innecesario y ficticio y volvemos a liberarnos para, al final, acabar pereciendo.

Todo este relato está presente en el trabajo de Winding Refn. Debe avisarse, sin embargo, que consiste en un periplo extraño e inusual que a no todos los públicos les gustará. No es habitual visualizar proyectos así, tan personales y con elementos tan abstractos e interpretativos. Por momentos, recuerda a El Reverendo (Paul Schrader, 2017) o Los Últimos Días en el Desierto (Rodrigo García, 2015). En definitiva, Valhalla Rising no se trata de una película de acción y luchas entre vikingos sino, más bien, una visión muy personal y diferente de la evolución del ser humano adornada por una fotografía y un uso del color impactantes, y un Mads Mikkelsen imponente.

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Vivimos en una sociedad machista. Nuestro día a día está plagado de comentarios despectivos y faltantes hacia las mujeres. A veces, sin quererlo, nos expresamos de una manera que nos puede parecer normal pero que, en realidad, es una falta de respeto. Como sociedad, tenemos integrados aparentes gestos de amabilidad y respeto que pueden convertirse en micromachismos y, en consecuencia, actos peyorativos que nos embrutecen como personas. Para que la sociedad cambie, reaccione y actúe hacen falta, a veces, mensajes radicales, duros y auténticos puñetazos contra nuestra conciencia. Una Joven Prometedora es un ejemplo.

La directora Emerald Fennell inaugura su filmografía con la historia de venganza de Casandra, una mujer destrozada por la trágica experiencia machista que vive su amiga. Mientras tanto, la película va mostrando situaciones y comentarios en las que una mujer se puede encontrar en cualquier momento. Por ejemplo, el típico «se lo busca», los comentarios ofensivos de unos obreros a una mujer vestida aparentemente de manera «provocativa», momentos en los que un hombre da por sentado que a la chica le apetece pero, en realidad, no dice en ningún momento que sí, entre otras. En definitiva, circunstancias que, desgraciadamente, aún en pleno siglo XXI y en 2021 se siguen reproduciendo día a día.

Sin embargo, el film no termina de concretarse entre el drama, la comedia y el thriller, y contiene algún giro de guión demasiado previsible y falto de originalidad. Además, su polémico mensaje puede tacharse de ultrafeminista y anti-hombres, puesto que solamente hay un personaje masculino «bueno» en todo el metraje, dejando en muy mala posición al resto. Por consiguiente, puede crear rechazo a según qué espectador a menos que se visualice la película con la mente abierta, dispuesto a pensar y, en consecuencia, a cambiar. En cualquier caso, es cierto que Una Joven Prometedora acoge una perspectiva de la sociedad muy cerrada y radical pero, a veces, necesitamos mensajes así de duros para que se reaccione y actúe.

Lo bueno: el mensaje y Carey Mulligan.
Lo malo: su realización no destaca por nada en particular.

Nota: 8/10

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'Vivir sin nosotros' es el primer largometraje del director sueco David Färdmar, quien estrenó la película en el pasado Göteborg Film Festival 2020. Esta historia cuenta, desde la perspectiva de Adrián, cómo vive el proceso de separación tras la ruptura con Hampus después de cuatro años de noviazgo y convivencia en pareja. En este sentido, el filme comienza con el desencuentro definitivo, marcado por la insatisfacción que ambos sienten después de tener relaciones sexuales, reflejo de que todo lo demás ya no funciona.

La puesta en escena es bastante sencilla, con una cinematografía básica y sin grandes alardes técnicos ni estéticos; se enfoca más en las conversaciones y vivencias de los protagonistas. Puede que, debido a la poca compenetración de los actores o a su experiencia actoral, en un primer momento no logran transmitir emocionalmente lo que se supone que sienten sus personajes. Esta característica evoluciona favorablemente a medida que avanza la película, lo que denota mayor complicidad entre los actores y mejor desenvolvimiento interpretativo.

Por otro lado, el ritmo de la película es acertado gracias a un guion bien escrito y estructurado. Así mismo, la muestra del duelo por desamor y la confusa toma de decisiones está muy bien reflejada; muchas escenas provocan tristeza, vergüenza o incomodidad, pues representan situaciones dolorosas producto de la inmadurez y el egoísmo que se da entre los protagonistas. Hacia el final de la película, los personajes consiguen despertar verdadera empatía con sus circunstancias. En definitiva, 'Vivir sin nosotros' es un filme modesto, que pretende mostrar el sentir universal de amor y desamor que se puede dar entre dos personas, sean del género que sean.

Lo bueno: la sinceridad que se percibe en cómo está rodada y el mensaje de amor universal entre cualquier pareja.

Lo malo: la secuencia final, estilo vídeo musical, totalmente anticlimática tanto por la música como por la escena en sí.

Escrito por Gabriel Bonanni Caldeira, para CINEZIN.

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Érase una vez en Queens (Boogie) es el primer largometraje del polifacético director Eddie Huang, quien en esta historia escrita en tan solo cinco días, cuenta las andanzas de Alfred, mejor conocido como Boogie, un joven talentoso en el baloncesto que se ve inmerso en una batalla familiar para conseguir su sueño de ser jugador profesional. La idea original está basada en la propia experiencia del director que, al ser de ascendencia taiwanesa, ha luchado toda su vida con las vivencias de ser un inmigrante en Estados Unidos.

La película está espléndidamente dirigida, con una narrativa muy dinámica perfectamente fusionada con la banda sonora, que interviene de manera muy acertada y dotando al filme de un aspecto moderno y actual. Los planos y movimientos de cámara se sienten muy inspirados y cinematográficos, con una mirada muy juvenil e íntima que causa esa sensación de empatía. El romance entre los protagonistas es realista y sincero, se aprecia una muy buena química entre estos actores y el resto del reparto. Así mismo, merecida mención a la dirección artística, con unos decorados muy convincentes y bien logrados.

En definitiva, Érase una vez en Queens es una película coming-of-age que habla sobre ser un inmigrante en EE. UU. y querer alcanzar tus sueños lidiando con los obstáculos que eso supone en una sociedad sensiblemente racista y discriminatoria, que a pesar de eso, ofrece oportunidades de superación personal y profesional sobre todo para quien se esfuerza por conseguir algo más y no se conforma con la cotidianidad de la rudeza civil y sistemática.

Lo bueno: la narrativa cinematográfica tanto en lo visual como en lo sonoro y la autenticidad de la historia.

Lo malo: las escenas retrospectivas, aunque aportan a la trama, al mismo tiempo ralentizan la fluidez del filme.

Escrito por Gabriel Bonanni Caldeira.

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