El argumento pivota sobre un alienígena que se estrella sobre una casa en medio del campo matando al padre e hija que vivían en la misma. Este ser procedente de un planeta de la constelación de Casiopea, buscaba un lugar para solucionar la soledad de los habitantes de su planeta.

Décadas después la hija, vive con su padre (convertido en abuelo) y cuenta con una familia de tres hijos. La pequeña, Una (interpretada por una talentosa Lana Hranjec) está muy atada a su abuelo. Será ella quién sea testigo de como unos extraterrestres secuestran al abuelo y así empieza su aventura.

Mi abuelo es una extraterrestre es una metáfora sobre la muerte para el público infantil a partir de la aventura de la niña Una buscando a su abuelo secuestrado. En realidad la historia es sencilla, con elementos modernos, incluido Dodo, un robot inteligente pero racional, que aprende sobre el significado de las emociones como la amistad.

Cada una de las escenas nos lleva precisamente a situaciones que nos pueden dar pie a plantear el debate de la muerte entre los niños y adolescentes. La aventura de Una en busca del abuelo no es sino la excusa para ir comprendiendo que la vida es un milagro gracias al amor y la amistad.

No estamos acostumbrados a que nos lleguen películas del Este de Europa. Esta coproducción de origen croata puede sorprender por su calidad, por unos efectos especiales sencillos, pero efectistas y visualmente atractivos.

Uno puede pensar que parte de elementos ya vistos en otras películas, desde el extraterrestre que ha quedado atrapado en la Tierra, hasta el que se apropia de un cuerpo humano, pasando por la pérdida del abuelo.

Sin embargo, desde el primer momento uno queda asombrado por la calidad cinematográfica con una fotografía que nos captura por su belleza, amén de la naturaleza que rodea la historia.

En cualquier caso, estamos ante una película infantil emotiva i visualmente impactante. Una cinta que toca el corazón incluso del adulto, quién por poca sensibilidad que tenga, será también secuestrado por esta fantasía de toques alienigenas. Una fantasía destinada a abrirnos a la aceptación de la muerte como parte de la vida.

La versión que se exhibe está doblada al castellano y cuenta con versiones en catalán y euskera, lo cual facilita el acceso al público infantil.


Reseña elaborada por Funeral Natural.
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La película de Denis Imbert aborda temas como la separación, el duelo, la tolerancia o la preservación. A su vez invoca implícitamente una parte de la nostalgia ligada a la infancia de todos, y al mito del "lobo feroz" tan cercano al miedo a la muerte que los adultos tienen por la pérdida de la progenie.

El secreto de Vicky (Mystère) es también una magnífica oda a la naturaleza, en la que la trama, sencilla y previsible, pero exquisitamente tratada, se mezcla con la belleza salvaje de paisajes y amplios espacios abiertos, en contraste con el miedo que genera el lobo.

Todo parte pues de un misterio: el regalo de un pequeño animal que desbloquea el trauma de la pequeña Victoria por la muerte de su madre. Así que entre el cachorro de un aparente perro pastor sin madre y ella huérfana también, se convierte en una relación casi fusional.

El secreto de Vicky no es una película para debatir la problemática del lobo. Otros cineastas galos han rodado sobre el tema con gran tino. Por ejemplo, Le Loup (2009) de Nicolas Vannier o Marche avec les loups (2020) de Jean-Michel Bertrand, se adentran en la relación atávica entre el lobo y el ser humano.

Esta es una película sobre el amor entre el lobo y la niña que lo cría con cariño. El film va repleto de valores como la tolerancia, el respeto y la apertura a los demás. Que no hay una actitud de mayor coraje que vencer los propios miedos y saber soltar incluso aquello que uno más se quiere.

La película nos da un mensaje claro: el acercamiento a la naturaleza es una buena forma de encontrar, de conocer y observarse a uno mismo. El film destaca tanto en la dirección como en la interpretación de todos los personajes.

El secreto de Vicky tiene como escenario natural los montes del Cantal en la región francesa de Auvergne (sin duda, filmados se forma suntuosa). Le acompaña una impecable banda sonora del prestigioso músico Armand Amara.

En Francia se publicó en noviembre 2021 como novela escrita por Nadia Coste (1979), autora de literatura juvenil e infantil. Llegará a las pantallas de cines el 13 de abril 2022 y en España se exhibió en el Festival de Sevilla 2021.

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De la muerte se habla cuando se tiene que hablar, comenta a Laura, su padre Eusebio tras el almuerzo. Acto después, Eusebio muere repentinamente en el sofá.

La protagonista, Laura, treintañera, dibujante talentosa, es una mujer dubitativa y capturada por un matrimonio en grave crisis que se mantiene con trabajos sin interés.

La muerte en casa de su padre con el que vivía hacía un par de semanas, le obligará a afrontar que hacer con su vida.

Es una película sencilla en medios, pero con una excelente interpretación y sobretodo con unos diálogos ingeniosos que apuntan temas cotidianos a los que muchas personas pueden enfrentarse.

Remarcamos el tema de la vela en casa (deseo del difunto) y de los trámites derivados de un deceso. A su vez nos invita a surfear por las derivas emocionales que se dan tas la muerte de un ser próximo como puede ser un padre.

Todo el film se desarrolla en menos de un día y esto nos lleva a seguir a Laura en su agenda y a adentrarnos en sus relaciones personales, sobre todo con su marido y su primo Tristán, con el que tiene un vínculo un tanto especial. Laura, también descubrirá facetas de su padre que ni sospechaba.

Este film explora una visión sobre los cambios vitales que nos causan la muerte de un ser querido próximo como puede ser el padre.

Es especialmente interesante el tratamiento que hace de la muerte en casa y de la relación que se da en la vela entre hija y padre, pero también con el hermano de Eusebio, Mauricio.

Una posible moraleja del film es que la vida nos pone clavos ardientes, así que cuando estos surgen, uno los debe agarrar y no soltarlos.

Una película muy recomendable estrenada en varias plataformas online.

Reseña de Funeral Natural
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No hay más dolor que el de la pérdida de una hija o un hijo, y si es en plena adolescencia todavía más. Hay muchos testimonios en libros vivenciales.

14 días, 12 noches, es una película llena de silencios, pero a la vez con una banda sonora impecable que acompaña el llanto del alma. De la pena que deambula por la aflicción en mayúsculas ante el duelo por la pérdida de la hija.

Lo hace con el retumbar de la bravura del mar Ártico que dio acogida a esta niña adoptada, Clara y lo contrasta con el tormento de una madre vietnamita huérfana a la que arrebataron a su hija y la dieron a los bárbaros.

Entre dos culturas, dos vivencias y dos formas de maternidad, la película nos sumerge en la emoción del duelo en mayúsculas, sin escenas para la lágrima fácil.

Gracias a un trabajo interpretativo de gran calado de las dos mujeres protagonistas, la historia, que puede parecer simple, se convierte en un homenaje a todas las madres y padres que han vivido la experiencia de este tipo pérdida.

No es un peregrinaje para concluir un deseo como en The Way llevando las cenizas por el Camino de Santiago para honrarlas en un sitio recordado,

Tampoco es un viaje cultural al encuentro de los orígenes de una hija adoptada. Es un viaje a las profundidades del corazón donde arde el tormento, de la pérdida más sentida, la de la hija. Pero sobretodo es un viaje para encontrar la paz del perdón.

La película nos lleva de viaje al dolor que persiste en el espíritu de un pueblo al que las guerras rompieron familias enteras y donde el drama sigue vivo no tanto en el rostro siempre sonriente, pero sí en el alma.

Es una película claramente intimista pero a la vez con toques costumbristas. Mientras el duelo guía los pasos de la madre adoptiva, la madre biológica transita en silencio por sus muchas pérdidas. Al final, sólo la redención de ambas puede darles la paz que el corazón siempre anhela.

Reseña elaborada por Funeral Natural
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Mientras seas tu, el aquí y ahora de Carme Elias es un documental sobre la realidad vital de la actriz catalana Carme Elias a quién el verano de 2019, la diagnosticaron de Alzheimer.

El documental es un mosaico de imágenes de archivo junto con momentos de reflexión que transitan por la evolución de la enfermedad a lo largo de los cuatro años siguientes.

Una de las principales preocupaciones de la actriz que muestra el documental es su voluntad de apostar y reclamar que la dejen morir cuando ya no sea ella.

Por un lado el docuemtnal es un homenaje a la actriz, a una trayectoria viviendo apasionadamente fuera de su yo para emocionar.

Con la enfermedad neurodegenerativa que padece el yo personal se va disolviendo sin dejarle recuerdos de lo que fue la actriz. Esto ya lo expresó en el libro que escribió Cuando ya no sea yo (2023). Un libro que es un testimonio indispensable sobre el alzhéimer narrado en primera persona por una de las actrices más reconocidas de nuestro país

El documental en cambio centra la atención en la memoria que se desvanece, en la frustración por perder la palabra que tanto amó. Y ante esta carcoma de su cerebro, emerge la determinación de Carme Elias por reclamar que la dejen morir con dignidad, cuando ella sea consciente que el deterioro personal le es inaceptable.

Carme Elias anima a redactar el testamento vital o documento de últimas voluntades ya que señala que es un documento que le da tranquilidad y sobretodo control sobre su vida en esta nueva etapa que está viviendo: "una vida llena se merece un buen final y es un buen regalo de despedida tanto para los familiares como para los profesionales de la sanidad".

La directora, Claudia Pinto, venezolana afincada en España, ya rodó con Carme Elias la película La distancia más larga (2013).

El documental se inicia contando que este empezó como una película secreta y sin pretensiones, y que pronto se convirtió en un trabajo de seguimiento de vivir el presente por parte de la actriz. Un pacto de amor y amistad. Un homenaje y canto a la vocación y al milagro del arte de la interpretación.

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