Todo amante del cine de terror debería ver Martyrs. Es más, diría que todo amante del cine, pero sé que resulta un ejercicio poco recomendable para según que personas y claramente descartable para ciertas sensibilidades. Ni estando muy curtido en el visionado de films de extrema violencia y casquería resulta una película fácil de digerir. La angustia reminiscente que deja es incomparable a ninguna otra que haya conocido y como gran seguidor del cine de género he visto casi de todo. Y es ahí donde radica para mí uno de sus mayores aciertos y por lo que se convierte en un clásico instantáneo.
Martyrs es la mejor película de terror de su década y de lo que llevamos de siglo, así, sin paliativos. Y eso sin ser del todo una película de terror. Estamos ante uno de los más controvertidos y angustiosos relatos del cine actual, que bajo mi punto de vista marca todo un hito dentro del género, al igual que lo hizo El Exorcista en los 70 o El Resplandor una década más tarde.
Está realizada con precisión milimétrica en cada uno de sus planos. Las interpretaciones son de un nivel muy por encima de la media, en especial sus dos protagonistas femeninas, y todo en ella, montaje, fotografía, maquillaje, música (o ausencia de ella como en la escena más truculenta) está al servicio de las pretensiones del director, y aunque a muchos les puedan resultar excesivas y gratuitas, nada sobra y nada falta, todo está concienzudamente estudiado y calculado.
Pero su punto fuerte pasa por un guión plasmado magistralmente en pantalla como pocas veces se ha hecho en el cine, generando un impacto en el espectador que lo mantiene alerta durante todo el metraje. No son giros de guión si no formas de ensamblar la historia que son como un puñetazo en la cara. La violencia explícita que va in crescendo a lo largo de toda la cinta, está acompañada de una coherencia sobrevenida al desconcierto inicial que abruma y convierte una película de terror al uso en algo mucho más horrible de lo esperado. Y es alargada en ese último tramo hasta una extenuación de los sentidos visceral y deliberadamente autoconsciente, consiguiendo que ese mal rollo generado quede anclado para siempre en la mente de quien observa.
Puedes amarla u odiarla, pero jamás te dejará indiferente.

Vivimos en una sociedad extremadamente dependiente, de tecnología, de infraestructuras, de recursos energéticos... Y lo es de tal manera que si una de esas piezas cayese se desmoronaría el conjunto por completo, hasta ese grado de fragilidad y poca previsión llega nuestro modelo económico-social. Los pilares sobre los que sustentados nuestro modo de vida se vendrían abajo uno tras otro al primer desplome de cualquiera de ellos, e iniciarían un proceso en cadena a todas luces imparable, como si fichas de dominó se tratase.

Esto es lo que muestra principalmente "El colapso", una mini-serie francesa de ocho episodios, rodados todos ellos en plano-secuencia e independientes (aunque más conectados de lo que parece), que se ve de un tirón gracias a la cortísima duración de cada uno de ellos (unos veinte minutos por episodio aproximadamente) y un interés que va en aumento capítulo a capítulo. Muestra esto, pero contiene otra cosa. Contiene historias personales ante la desesperación y el caos, angustia y atisbos de humanidad frente al horror y, sobre todo, un incómodo aire a familiaridad y credibilidad en lo que cuenta. Aquí ayuda mucho el plano-secuencia dotando a las imágenes de mayor verosimilitud. Lejos de ser un alarde de virtuosismo, la forma en la que está rodada, casi como si fuese cámara en mano, nos acerca a la trama y a los personajes de una manera tan tosca y poco sutil que se parece más al "found-footage" y al pseudo-documental que al despliegue técnico de "1917", por poner un ejemplo. Todo está al servicio del fundamento y la inmediatez.

Al finalizar deja un poso de inquietud e incomodidad, como si ese futuro planteado no fuese tan irreal y fantasioso como en otras ocasiones hemos visto. Termina uno preguntándose si no estaremos ya en el principio del colapso. Necesaria en su discurso final.

Ang Lee ha creado la mejor fábula del siglo XXI. Ha dotado al cuento de Yann Martel de los elementos que le faltaban para trascender como historia. Es de las pocas veces que una película supera a la novela en la que se basa, y eso que la novela en cuestión no está nada mal, es entretenida y no difiere prácticamente en nada de lo que cuenta el film. Pero no alcanza su magia.

La Vida de Pi es visualmente deslumbrante, perfecta en su apartado técnico y tomando la buena idea que desgaja el libro, se teje un épico argumento que la convierten en una auténtica obra maestra.
La belleza y el tratamiento de cada uno de sus fotogramas la dotan de un hechizo inexistente en el escrito de Martel, cuya mayor baza consistía en la descripción de una aventura con un final sorpresivo y parabólico, algo que Ang Lee consigue reforzar a través de su concepción artística y eleva la obra a los altares de los grandes relatos cinematográficos.

Un Ang Lee que ya había demostrado en sus otros trabajos su oficio y maestría a la hora de crear imágenes de gran belleza y textura, pero que ahora se topa con un guión a modo de fábula pseudo-biográfica, tan compleja a la hora de llevarla al cine, que sólo un director como él podía acometer. Su buen hacer no se había visto recompensado hasta entonces con una historia de tal magnitud ni tan acorde con su mirada cinematográfica. Es esa conjunción lo que la convierte en su obra más redonda.

Me dispuse a ver The Man from Earth incitado por las buenas críticas y mi amor a la ciencia ficción de cualquier tipo, incluso de bajo presupuesto, como es el caso, siempre que sea con un mínimo de calidad y buen gusto. Lo que me encontré me dejó más que desconcertado.
No es buen cine, lo mires por donde lo mires.
Desde el primer fotograma ya te das cuenta que estás ante un telefilm de sobremesa con tufillo a rancio, como los que se hacían en los 80 (de hecho tuve que mirar varias veces el año de realización porque no daba crédito). No hay nada en ella que desprenda calidad cinematográficamente hablando. Actuaciones del montón o malas en algunos casos (el psicólogo no tiene perdón, sobre todo en la última escena), música pésima y aburrida, montaje, dirección, fotografía..., todo de lo más básico y falto del mínimo gusto por la estética del cine de calidad.
La premisa en la que se basa todo este despropósito fílmico parece buena e interesante a nivel sci-fi, pero se ve rodeada de tanta mediocridad que queda ensombrecida, incluso en algún momento llega a resultar absurda, debido a unos diálogos que no ayudan demasiado a la historia, cuando, paradójicamente, se supone que son la mayor baza del film a la hora de plasmar la historia. Incomprensiblemente decepcionante.

Allá por nuestros años mozos, unos cuantos compañeros de fatigas y el que suscribe, quedamos totalmente asombrados ante la opera prima de un, por aquella época, desconocido director. Un violento thriller de original planteamiento, conceptualmente teatralizado y minimizado, de largos diálogos y cruentas escenas, toda una sorpresa en el cine de entonces. Lo que vino después acabó por desarmarnos del todo, para caer, incuestionablemente, rendidos a los pies de aquel genio.

¿Pero de dónde había salido semejante talento?, ¿dónde se había ocultado todo este tiempo?, ¿porqué ningún estudio se había percatado antes de aquella creatividad desbordante?. Eran preguntas que nuestras trastocadas cabecitas se planteaban durante el visionado de aquella obra maestra llamada Pulp Fiction. Un guión perfectamente engrasado, ensamblado como nunca antes se había visto, unas actuaciones sublimes dentro de unos personajes inolvidables, capaces de hacer todo un film por si solos, delirante humor negro y un gusto por la serie B que se antojaba delicioso, todo ello envuelto en una banda sonora antológica.

¿Cómo podía condensarse tanta calidad en una sola película?. Era como si el artista que había dibujado por primera vez unos buenos bocetos, nos ofreciera de pronto su Guernica particular. Con Pulp Fiction te dabas cuenta instantáneamente que te encontrabas ante uno de los iconos cinematográficos de nuestra época.Tarantino se convierte en el nuevo director de referencia y yo, en uno de sus incondicionales seguidores.

Y digo que fui admirador suyo en pasado, porque ya no voy la semana del estreno a ver su último trabajo, lo cual no quiere decir que no le tenga por un tipo que atesora calidad como creador. Todas sus películas tienen alguna buena escena, y muchas, memorables, sus personajes son verdadera delicatessen para cualquier actor o actriz y nadie homenajea lo "pulp" como lo hace él.

Dicho ésto, Django es lo mejor que ha hecho desde aquel lejano año 94(e incluyo Los Odiosos 8 y Erase una vez...). Vuelve a rendir tributo a la serie B, al cine barato de nuestra infancia, esta vez al spaghetti western, y lo hace con una exquisited inigualable, con un guión que funciona como un tiro, personajes de lujo que son magistralmente encajados en la trama y una soberbia puesta en escena.

Todas las actuaciones son superiores. Se ha hablado mucho de la exageración interpretativa de Jackson, genialmente sobreactuado, diría yo, a exigencia de su histriónico papel. Waltz me parece que está bien; vale, muy bien, pero similar a otras de sus interpretaciones. Eso sí, lo de DiCaprio son palabras mayores, es lo mejor con diferencia de la cinta, y está siempre un paso por delante del resto de sus compañeros. Y no solo aquí, también pienso que es lo mejor de Erase Una Vez En Hollywood, por mucho que el señor Pitt se hiciera con la estatuilla. Desde el momento en que aparece en escena, Django Desencadenado gana enteros y, desgraciadamente, con su ausencia los pierde, ya que el tramo final es lo peor del film, donde más flojea el argumento y donde más desentona el conjunto. Son esos desenlaces tan chirriantes y que tanto gustan últimamente a Tarantino lo que, bajo mi punto de vista, más resta a sus trabajos, aunque para él resulten de lo más onanístico. Aún así, la escena final montados a caballo más que chirriar, daña la vista.