Soñador (2005) es una película dirigida por John Gatins. La cinta contiene una trama con ambiente familiar y una historia poco motivadora. Las interpretaciones de los actores Kurt Russell y Dakota Fanning son virtuosas, le brindan luminosidad al filme.

La cinta transmite amor y una nueva forma de amar a la naturaleza, en especial a los caballos. La historia de vez en cuando se hace tediosa, tengo que admitir que contaba las horas para que acabara la película, no es mala pero tampoco buena, digo que intermedia. Una historia predecible, pero una buena cinta familiar para pasar la tarde.

Después de << Pulp Fiction (1994) de Quentin Tarantino todo cambia. Al momento en el que Quentin Tarantino sube al escenario del Festival de Cannes por Pulp Fiction, el cine acababa de cambiar en ese momento.
Pulp Fiction, ningún productor de Hollywood ante las insolentes negativas de Tarantino de cambiar el guión se comprometía en producirla, frases como "voy a practicar el medioevo en tu c***" o escenas como la reanimación de Uma Thurman se mantuvieron en la cinta sin cambios. Solo Harvey Weinsten tuvo fe en el proyecto.

El triunfo inmediato de la película (récord de recaudación para el cine independiente:200 millones de dólares frente a 8 de presupuesto, siete nominaciones al Óscar, ganando mejor guión) obligó a Hollywood a replantearse todas las fórmulas que creía infalibles. Tarantino demostró que darle libertad creativa absoluta a un cineasta, si es el cineasta adecuado, no solo aporta respeto sino dinero. A partir de Pulp Fiction el público exigía otro tipo de cine distinto.

Sin Pulp Fiction, quizá habría existido igualmente la violencia cool e hiperestelizada de El Club de la Lucha y Sin City. Pero lo que si tal vez no habría ocurrido era la inauguración mental del público a la hora de consumirla. Pulp Fiction mostró que otro tipo de cine era posible. Sin Pulp Fiction, quizá ningún estudio se habría arriesgado en invertir sus presupuestos generosos al considerar que el público no estaba preparado para ellas.

Pulp Fiction retrata una sociedad que ha perdido la fe. Cuando la ciencia empezó a ganarle la partida a la religión, los seres humanos se encontraron desamparados ¿ cómo medir entonces el valor de las cosas? Con el dinero: el maletín y Mía tienen valor porque un magnate, Marcellus Wallace lo ha señalado. ¿ Qué hacer por la noche, si ya nadie reza? Ver la televisión ¿ Dónde congregarse con la comunidad? En los cines y los teatros, conciertos y salas de fiestas. De este modo, la cultura pop pasó a ser el principal tema de conversación de los americanos: diálogos vacíos que, sin embargo, permiten a los individuos poner en práctica su capacidad para juzgar, discurrir, socializar.

Ante este panorama, Butch (Bruce Willis) ya no cree en nada excepto en su reloj de oro: un objeto que no tiene valor económico, pero simboliza el honor porque se pasó siete años metido en c*** de dos soldados en Vietnam. Butch busca, sin saberlo, conectar con algún tipo de sentido superior y más trascendental que la cultura de comida rápida en la que ha nacido.

Así fue como Tarantino adaptó sin hacer una concesión, el posmodernismo al gran público. Los arquetipos estaban ahí (el gánster, la mujer fatal, el antihéroe). Esta película es un peaje obligatorio en la formación de cualquiera cinéfilo. Tarantino no inventó nada pero consiguió que el espectador medio se mostrase más receptivo a la deconstrucción, a la complejidad y a los grises morales, también ha creado una mezcla de tabús, cultura pop y humor negro que resultan en un estilo único y gráfico, siendo reconocido no sólo por sus administradores sino por la crítica.
Del mismo modo, el director intenta empujar los límites de los tabúes sociales como la violencia, la sexualidad o drogas a una hiper-realidad en su trabajo. Por ejemplo: la violencia de ultra encontrado en las películas de Quentin Tarantino ha sido elogiado y criticado por representar gráficamente estos actos reprobables como una secuencia de la tortura en tiempo real, la explosión de la cabeza de un hombre de un disparo accidental a quemarropa, y violación masculina.

Pulp Fiction. Es la obra maestra de Quentin Tarantino, llena de presentes alusiones a la cultura pop ( desde la imagen de la falda de Marilyn Monroe hasta los diferentes tipos de hamburguesas mencionadas) han contribuido a su vez a que muchos críticos encuadren la obra dentro del posmodernismo.

Tarantino es uno de los directores más aclamados, queridos, exitosos y reverenciados de todos los tiempos. Su estilo, basado en recoger la tradición cinéfila de todos partes del mundo, ha creado millones de fans, fieles seguidores de sus invenciones. En una película de Tarantino siempre habrá mucha sangre y violencia, ya sea de manera constante como en "Kill Bill" o de manera tardía como en "Había una vez en... Hollywood" . Además de recomendar Pulp Fiction obviamente, les recomiendo: "Django Unchained", "Inglorius Bastards" y "Reservoir Dogs"; en estas película Tarantino da lo mejor de sí mismo. Para un tipo que ha dirigido solo siete largometrajes en 20 años, Quentin Tarantino ha arrojado una sombra increíblemente grande.

La naturalidad es la mejor arma de esta película. Registra la cotidianidad en un mundo violento. Los personajes que van desde unos delincuentes profesionales, que lo único que conocen de si mismo son sus "matices", la esposa yonqui de un mafioso que pide malteadas de 5 dólares, un boxeador ambicioso y dos matones que tienen conversaciones tan normales como discutir el nombre de una hamburguesa de McDonald's en Francia. Es esa mezcla de actitudes, una parte esencial en la fórmula de Quentin, que sin duda nutre a la historia de una manera en que pocos lo harían.

Para la audiencia Pulp Fiction es un poema visual con un ritmo y una vista peculiar. A diferencia de las influencias de Quentin como: Robert Rodríguez, los hermanos Cohen; sus películas son gráficas sin llegar a lo difícil de digerir. Y si, contiene mucha sangre, pero en la mayoría de los casos logra hacerlo con tal sutileza que no molesta ni al cinéfilo más especial.

Estamos en pleno 2021. La mayoría de las personas vemos filmes hoy en día, peliculas de diversos géneros. Han pasado años de la época de Oro en Hollywood o de la de las películas en blanco y negro. En nuestra sociedad abunda la opinión generalizada de que las cintas en blanco y negro no son tan buenas como las actuales, aunque este tipo de filme no abarca la misma calidad de efectos especiales que las actuales, son odas maravillososas al séptimo arte, enmarcan la capacidad de estrujarte el corazón y hacerte derramar alguna que otra lágrima sin hacerte perder en ningún momento una sonrisa cómplice, no sólo por el prisma único con el que el cineasta observa el género, sino, por su particular sentido del humor o por sus fantásticas interpretaciones.

Abbott y Costello forman parte de la época de Oro en Hollywood. Durante años su trabajo en el teatro, la radio, el cine y la televisión nos arrancaron muchas sonrisas. Marcaron las pautas del humor para los años siguientes. Una de sus obras principales es esta película que estamos leyendo sus críticas hoy. Esta cinta constituye "Historia del Cine", la trama tiene un buen ritmo de narración provista de diálogos graciosos capaces de sacarle una sonrisa a todo el que ame el humor.

Hemos visto seguramente obras maravillosas del cine de comedia como: El gran Lebowski, Annie Hall, El reportero, Luces de ciudad, entre otras; pero muy pocas pelis del cine de comedia vinculan el terror con la comedia como lo hacen Abbot y Costello, muy buen trabajo de verdad.

Madres Paralelas es una película dirigida por el odiado y a la vez amado: Pedro Almodóvar( director de películas como: "La piel que habitó", "Todo sobre mi madre", "La voz humana", "Kika", "Mujeres al borde de un ataque de nervios", entre otras).

El filme se centra en dos temas: La maternidad, y La memoria histórica. Acerca de la memoria histórica: Creó realmente que sacar a los muertos no es remover las heridas, sino cerrarlas, en España hay cerca de 100000 desaparecido por la guerra Franquista, muchas de esas personas que fueron fusiladas, yacen en fosas desconocidas, el mero recuerdo que tienen sus familiares, es la última vez que los vieron siendo llevados por soldados a su muerte, muchas de esas personas todavía sueñan con una despedida a sus familiares, con ponerles un ramo de flores en su tumba, el pueblo español debería estar orgulloso de esta película, porque las personas que fallecieron víctimas de los crímenes del gobierno de Franco no murieron como cobardes, sino como valientes. Los días en los que cada familia encuentra a sus personas queridas en las fosas se impone una atmósfera de júbilo a si alrededor, y derrocha de su luz celeste, la bóveda celestial que lleva el camino hacia la libertad y la alegría.

Madres Paralelas relata además una historia acerca de: la maternidad, la madurez intelectual, el dolor, el sexo, las relaciones de pareja, la aceptación y superación personal.

Penélope Cruz destaca con su brillante actuación y Milena Smit termina de consolidarse como la joven promesa del cine español. Las mujeres son un aspecto valioso en la cinematografía de Almodóvar por consiguiente vemos cómo pilar fundamental de la maestría de su cine: el despertar de sentimientos.

Toro salvaje es una obra maestra del cine americano dirigida por Martin Scorsese en 1980, y protagonizada magistralmente por Robert de Niro, Joe Pesci y Cathy Moriarty. Llegó a ser aspirante a ocho premios Oscar y se elevó con dos, en la categoría de: mejor montaje, y mejor actor.

Toro salvaje (1980) es mirada como uno de las más perfectas películas de la cinematografía norteamericana. En mi opinión es una de las mejores películas de todos los tiempos.

Esta cinta no es solo un filme deportivo, sino, un filme acerca: del dolor, de la superación personal, de como el hombre puede autodestruirse y llevarse a la miseria, de como los complejos y los celos producen heridas en nuestro bienestar psicológico; explica el mundo del hampa y de la mafia, destacando su papel en el mundo del deporte.

Concluyentemente, Toro Salvaje(1980) condujo a Martin Scorsese a configurar un verdadero trayecto. Según Scorsese: La hice como si fuera el final de mi vida. Cómo pueden creer la resolución más enredosa para Scorsese fue la disyuntiva entre la fotografía a color o en blanco y negro. Su blanco y negro no trae a secas remembranzas de un cinema de los años cuarenta y cincuenta que verdaderamente equivale a un reflejo ornamental y narratorio, igualmente es una notificación de finalidades: siendo más una caída a los abismos que una aventura poco más o menos de boxeo. Caída que recorre Jake LaMotta (Robert de Niro), un individuo emotivo y vehemente hasta la exacerbación, aún cuando igualmente, sobradamente humano: mortificado, desconsolado, ofendido en su ánimo. A partir del origen de la historia nos queda de manera límpida que el adversario superior de LaMotta es LaMotta. Scorsese se escabulle y entra, sin referencia, en el llano de lo indeterminado, del pesimismo anímico y la agudeza interior.

La madura espontánea de preparación de las peleas en esta película se liquidó con distintas de las superiores y más conmovedoras técnicas de rodajes. En la fotografía creada entre Scorsese y Thelma Schoonmaker se adjudica una excitación inventiva en el proyecto y montura pocas veces visto, haciendo que cada golpe duela, que cada pelea cuente una historia, logrando una de las más escalofriantes historias acerca de la añoranza y la auto flagelación.

Aunque este filme tradicional no indujo primeramente a la censura, que captaba a LaMotta como "uno de los individuos más monstruosos de la empresa del cine" , sin embargo, logró la anagnórisis de la industria cinematográfica.