Me sorprendió gratísimamente que la seleccionaran para el Zinemaldia de 2020. Era un filme elegido para Cannes pero el Covid impidió su celebración.

Lo que no me sorprendió fue que el Jurado de la Sección Oficial fuese tan rácano otorgándole un, a todas luces, escaso premio: el de interpretación para los cuatro actorazos que están entonados (y no necesariamente por el alcohol). ¡Qué pena que la Concha de Oro no fuera para ella!

Película que bajo un envoltorio de comedia se esconde (cómo no siendo Thomas Vinterberg) un drama coral. Algo al estilo de El apartamento, en donde el drama y la comedia maridan perfectamente como en la vida misma.

Es de lo mejor que van a ver este año 2021. Y creo no confundirme.

Otra ronda me recordó a un episodio de mi vida juvenil: aquel profesor que un día me dibujó unas gráficas en mi cuaderno. Aquellas líneas me revelaron que había tenido un problema con el alcohol . Los profesores, esa profesión nunca ensalzada lo suficiente, tienen una vida privada que, en ocasiones influye para bien o para mal, en su labor.

La película se ve con gran fluidez y en ningún momento la trama se desvía de su cometido : el de describir las vidas de estos cuatro profesores y su labor docente, que el director la convierte en algo muy, muy entretenida para el espectador. Tiene un final que levanta el ánimo como si hubieras participado en la "juerguecilla" de esta cuadrilla de profes. Si no te gusta la peli, pago Otra ronda.

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Todos los años ando justo para llegar a Valladolid desde Bilbao y disfrutar de la película de inauguración de la Seminci, que este año le correspondía el honor a Isabel Coixet con Nieva en Benidorm. Llegué al Teatro Carrión con la lengua fuera y con la respiración sofocada por la mascarilla Covid. Para más inri, no había baños abiertos por eso del contagio, última hora de la proyección de pie porque me orinaba... Pero valía la pena -me decía a mí mismo- por ver qué había maquinado la Coixet metiendo a un guiri en la Costa Blanca. Como ella es un poco marciana (no es peyorativo), prometía el experimento. Benidorm fue una pequeña villa pesquera hasta la década de 1960 y, actualmente, es un popular destino vacacional mediterráneo famoso por su vida nocturna. El pasado está oralmente recordado por la (inverosímil) Carmen Machi en su papel de policía que le cuenta al alucinado inglés que hubo un tiempo en que Benidorm era un pueblito virginal, y que incluso escritores ilustres como Sylvia Plath (pertinente flashback lo recuerda) disfrutaron de sus encantos. Plath escribe en una carta a su madre: "Una extraña mezcolanza de pobreza, limpia y llena de colorido, y hoteles color pastel, todo aparentemente como si lo acabasen de construir… Novísimo, con los más modernos estilos amalgamados a la sencilla arquitectura del lugar"
Toda la descripción del urbanismo actual y cierta tribu que habita Benidorm, narrado a través de los ojos de Timothy Spall, es lo más atractivo de la historia en mi opinión. La historia de amor otoñal entre él y la ciertamente atractiva Sarita (con algunas escenas sonrojantes) y toda la trama detectivesca en busca del desaparecido hermano de aquel me parecen bastante poco convincentes e interesantes. Le salvo todo el arranque de la descripción del inglés en su país natal. Pero desde el momento en que aterriza en Benidorm, la obra sufre borrascas, tormentas y huracanes de desinterés y desaciertos.

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Tengo todavía presente en la memoria el viaje que hice con unos compañeros del Cineclub FAS de Bilbao al Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Era 1989 y contaba con 23 años. Si mal no recuerdo sería viernes o sábado y la única película que dejó huella en aquella escapada era una japonesa de título poético y de mal augurio: Lluvia negra (1989) de Shôhei Imamura. El título alude a las partículas radiactivas procedentes de la explosión de las bombas que Estados Unidos lanzó sobre Hiroshima y Nagasaki en los estertores de la II Guerra Mundial. Imamura se centraba en un personaje femenino, Yasuko, que había sido testigo del bombardeo en Hiroshima y que sufriría las consecuencias de esa lluvia radiactiva. Todavía permanece en mi pupila cómo ante el espejo su pelo se caía a mechones consecuencia de la exposición a la radiactividad. Y ahora el reverso.

La película Oppenheimer (2023) de Christopher Nolan no habla ni de las consecuencias ni de una ucronía (qué pasaría si…), sino del origen: el descubrimiento de la bomba nuclear como arma disuasoria y del devastador ataque de (ciertos) personajes que aspiraban a un cargo en la administración norteamericana contra el que fuera su precursor, Robert Oppenheimer.

Él es el protagonista de la historia y sobre él gira todo el metraje. Físico nuclear americano, profesor en la Universidad de California, en Berkeley, políglota, jinete... en fin, un brillante judío que coqueteó con el comunismo de la época y que cayó en desgracia ante la opinión pública en la época del macarthismo y la caza de brujas... comunistas.

Uno de los aspectos más interesantes y, en mi opinión de mayor acierto en el filme, es el tema de la postura ética del físico cuántico frente a la elaboración del arma: por una parte, colabora a favor de la materialización de la bomba y no rehuye el contacto con sus amigos y colaboradores comunistas norteamericanos; por otra, es fiel a su patria y duda de si el uso de la bomba atómica no provocará “esa reacción en cadena entre países que pondrá en peligro a la humanidad”. La escena del debate sobre el desarrollo de la bomba de hidrógeno y la posibilidad de que los rusos, ya en el inicio de la guerra fría, logren obtenerla con lo que esto supondría es muy emblemática de la postura de Oppenheimer en el Consejo de Seguridad Nacional.

Otra escena clave está en el momento en que han probado el prototipo en El Álamo, poniendo fin al proyecto Manhattan, y se reúne en un auditorio para felicitarse ante sus colaboradores durante esos tres años. Pues bien, Nolan nos hace ver que su alegría está empañada por la duda que le reconcomerá el resto de su vida. Sí, es el artífice de poner fin a la II Guerra Mundial –Alemania ya se había rendido pero quedaba Japón en su extertor– con ese arma letal pero los allí presentes son sacudidos por un viento radiactivo que les arranca la piel de sus cuerpos: son las víctimas, 240.000 como se llega a decir.

La película está estructurada en cuatro bloques: rica descripción de los aspectos más destacados del personaje, todo el proceso de ideación, creación y prueba de la detonación de la bomba; la investigación a que es sometido Oppenheimer en la Comisión de Energía Atómica tras el fin de la guerra; y, por último, la historia de Lewis Strauss (magnífico Robert Downey Jr.), director del Instituto de Estudios Avanzados y cuya ambición le lleva a querer formar parte de la Administración norteamericana previa comparecencia en una comisión en el Congreso americano. Esta última en blanco y negro frente al resto en color, manera de manifestar la crítica al comportamiento de Strauss.

Pues bien, tal vez las cuatro historias por separado no resulten satisfactorias dramáticamente. A mí lo que le pasa a Robert Downey Jr. no me interesa especialmente ni me intriga, y el proceso en la Comisión de Energía sobre si le renuevan o no la acreditación de seguridad es lo de menos.

Pero apunten un nombre, de mujer y que se llevará el Oscar, Jennifer Lame. Ella es la montadora de esta obra de 180 minutos. A parte de la actuación sobresaliente del protagonista, Cilliam Murphy, Lame logra con su montaje que, como si fuera una reacción en cadena impredecible para el espectador, las cuatro historias se imbriquen de tal modo, que se retroalimenten en una implosión dramática de efectos verdaderamente exitosos. Son las interacciones "fulminantes" de todos los personajes sobre el núcleo (Oppenheimer) los que logran provocar la emoción y el interés por él. La cámara usa un gran objetivo para retratar el rostro cada vez más demacrado de Cilliam Murphy a medida que el fiscal interroga a los testigos en la comisión del Consejo Nuclear y no le van dejando en buen lugar.

El espectador que mire el recipiente XXL de palomitas –en el Cine Yelmo de Barakaldo había bastantes– se perderá entre saltos temporales y una riada de personajes que apenas tienen una presencia “testimonial” pero suficiente para la dramaturgia escrita por el propio director basado en una biografía: American Prometheus. Puede parecer extraño que los Kenneth Branagh, Josh Hartnett, Florence Pugh, Rami Malek, Casey Affleck o Gary Oldman se hayan apuntado, pero cómo decir que no al sucesor del nuevo Kubrick del siglo XXI, el británico Christopher Edward Nolan.

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Decía Julio Medem en la presentación de 8 en la sala del Museo de Guggenheim de Bilbao el pasado miércoles 26 de marzo que el público debía verla sin “pensarla mucho, dejarse llevar por la silueta del número 8, por su forma circular que se cruza, por cómo esa estructura tiene sometida a la historia y a los personajes, en secreto. Dejad de aplicar las reglas de la realidad estricta. 8 tiene su realidad paralela, su propia meta, tiene dentro una magia secreta e invisible que la sujeta y que tiene sentido. Dejad que 8 sea todo lo que ella quiere ser, todo lo poética que le dé la gana, todo lo libre, todo lo osada y, sobre todo, emocional. Espero que os dejéis llevar por las emociones”.

8 arranca con una cita del poeta Antonio Machado: "Ya hay un español que quiere, vivir y a vivir empieza, entre una España que muere y otra España que bosteza. Españolito que vienes al mundo te guarde Dios. una de las dos Españas ha de helarte el corazón". Toda una declaración de intenciones de por dónde va esta historia de los 90 años de la vida de Octavio y Adela, desde que nacen el día de la proclamación de la República hasta el año en que la pandemia del covid hizo su aparición en 2021.

El director de Vacas (1992) lo lleva diciendo desde que empezó haciendo cine: “Dejad la cabeza de pensar debajo de la butaca”, advertía al público asistente, “y ved el cine con la cabeza de emocionar. Sé que hay espectadores, en especial, críticos de cine, a los que debería haberles avisado antes de ver 8, que no fueran tan racionales. A 8 los juicios racionales no le van a sentar bien”. Lo decía Medem porque su obra no fue bien recibida por la crítica en la pasada edición del 28º Festival de Málaga. Se le notaba dolido, y eso que no lee las críticas según nos confesaba.
Entre el público también estaba parte del equipo de rodaje, la parte vasca, a la que Medem agradecía su labor, “porque os lo puse difícil. Primero me lo puse difícil a mí al querer contar una historia de noventa años de la vida de Octavio y Adela, desde que nacen, contando ocho momentos de su vida en sendos planos-secuencia, que tienen una gran exigencia técnica. No había hecho esto en la vida".
Más información en:
https://lanocheamericanacine.blogspot.com/2025/03/8-de-julio-medem.html

Mi flechazo por esta documentalista madrileña, proviene de la Seminci. Aquella tarde de 2020, en el infame Teatro Cervantes, hacia las 16:30, "hora de echar más bien la siesta, que de ver un documental" como dejó caer a modo de protesta solapada por ese horario ante el público que iba a ver Zurbarán y sus doce hijos, tuve la constatación de que Aguirre era una mujer dotada de talento visual y sensibilidad artística.
Ciento volando lo ha ratificado.
En 2010 conocí Chillida Leku, un museo al aire libre donde reposa tanto la obra escultórica como el cuerpo del su creador donostiarra. El lugar, ubicado en Hernani, es una cita obligada.
En el lugar, sobre una pequeña colina se alza un caserío de hace 500 años, que el escultor adquirió para restaurarlo. Sobre él gravita la obra de Arantxa Aguirre. Y la del propio Eduardo Chillida.
Cuando entré en el caserío Zabalaga, me llevé una decepcionante sorpresa: estaba vacío por dentro. No lo entendí, pues no comprendía su arte. Ahora me pregunto: ¿no hay mejor metáfora de la obra de Chillida que el vaciado de un edificio por dentro y dejarlo en su esencia? Llego a escuchar: "Pretendía vaciarlo de materia para llenarlo de espacio".
La directora arranca su obra con un plano cenital del mar. Los títulos se van desplegando y a medida que el oleaje del Cantábrico en encabrita y la espuma los cubre, los títulos van desapareciendo. Es como si expusiera así, visualmente, el inconformismo de Chillida ante su obra: nunca ve el camino de la creación claro, hay que persistir hasta que con paciencia y dejando que la inspiración asome su naricilla, como si fuera una ceremonia de preparación del té. Sin prisa. Allí una mujer contempla el Cantábrico por el lugar señero del extremo de la playa de Ondarreta: el Peine de los vientos. Más tarde esa mujer leerá una carta de amor que el escultor manda a su mujer, Pilar, en la que desvela el significado del título: Chillida prefería los ciento volando, antes que conformarse con el pájaro en mano. Inconformista en la creación.
Chillida tuvo una revelación: su vida y su trabajo no pertenecían a París, de moda en esos años de formación, sino a su casa: el País Vasco y a su grisácea y húmeda luz. Por eso, Arantxa Aguirre y sus tres directores de fotografía captan la variedad de luces de las cuatro estaciones vascas. Y la lluvia, el sirimiri, rebotando sobre el acero corten de muchas de sus obras, cuya oxidación me recuerda a las vías de los trenes de mi infancia. El tiempo que necesita Chillida para sus obras se ve trasladado a un plano fijo del documental en el que se ve un árbol (zuhaitza) a lo largo de las estaciones del año. Tampoco Arantxa escatima el tiempo para cincelar su visión artística sobre el escultor.
Más detalles: https://lanocheamericanacine.blogspot.com/2025/01/ciento-volando.html?m=1