Muchos se han atrevido a realizar remakes de grandes películas que transcendieron en el mundo del arte por su grandísima calidad, sin embargo, muy pocos lograron si quiera alcanzar un rango de calidad elevado. Wernar Herzog no solo se atrevió a hacer un remake de una de las mejores películas de la historia si no que, por encima, logró alcanzar ese rango de calidad forjando consigo uno de los mejores remakes de la historia. Pese a que ni de lejos es mejor que la original es una película que intenta dar su propia visión de la historia con el estilo de Herzog muy bien definido que, en ocasiones, respeta y referencia a la obra de Murnau. Dicho esto, pasaré a analizar uno de los grandes remakes de la historia del cine, Nosferatu el vampiro de la noche.


La película empieza con un montaje intelectual mostrando unas momias que probablemente sean los ancestros de Nosferatu. Es un montaje magnífico que da muchísima información sobre la antigüedad del vampiro y que probablemente sea el único de su especie, cosa que refuerzan con los diálogos que recitará el propio Nosferatu más adelante. La escena está grabada con cámara en mano así que produce una sensación de mal estar muy bien lograda.


Mientras que Murnau fundía al vampiro entre sombras para conseguir una estética terrorifica como si fuese una bestia que ataca por las noches. Herzog optó por enfocar al vampiro como un ser trastornado después de tantos años de soledad, en este caso el director utiliza la noche y las sombras para darle una sensación melancólica. Esto se puede ver muy claramente en una escena en la que Harker (Bruno Ganz) esta cenando y llega el Conde a sentarse a su lado, hay en un momento de esta escena en el que enfocan a Nosferatu en un plano medio corto completamente rodeado de oscuridad en el que solo se ve su pálida cabeza. En ese plano el vampiro no se comporta de una forma inquietante si no que, actúa con tristeza y recita un diálogo poéticamente oscuro: "Los hijos de la noche hacen oír su música". En este diálogo se refiere a los lobos como los hijos de la noche dando a entender que todo lo que sale a cazar por la noche es como una familia y el es el padre de todos ellos. Después Harker se corta el dedo y el vampiro ya saca la bestia que tiene dentro. Esto es a lo que me refiero cuando digo que el director le da su propio estilo a la obra, Murnau se centra en el terror y trata al Conde como un monstruo pero Herzog intenta rodear al vampiro en un aro de melancolía e idealiza el sentido astral de la noche y todas las criaturas que salen a cazar.


Los diálogos, como bien dije antes, es uno de los puntos más favorables de la película, en concreto los que tiene que decir Kinski. La escena en la que más potencia tienen los diálogos es en la que Harker está en el comedor leyendo todo el papeleo y se acerca Nosferatu. La escena empieza en un plano general de todo el comedor en el que vemos cómo lentamente se acerca el Conde junto a Harker, rápidamente cambia a un plano conjunto de ellos dos y Nosferatu dice la mejor frase de toda la película: "Yo ya no le doy importancia a la luz del sol ni a las fuentes brillantes que tanto ama la juventud, me gusta la oscuridad y las sombras donde puedo estar solo con mis pensamientos..." Después de eso el Conde se mueve hacia un lado de la mesa y la cámara le sigue con un paneo quitando a Harker del plano para dar importancia únicamente a las palabras del vampiro. Esta frase es magnífica porque retrata a la perfección lo que me refería cuando digo que Herzog destruye por dentro al vampiro y refuerza su increíble conflicto interno. Es un personaje que lleva tanto tiempo con esta maldición que ya ni le importa el privilegio de la luz y se ha acostumbrado tanto a la oscuridad que hasta la ama. Como podéis ver el poderío que tienen los diálogos es increíble, cada diálogo suma más información al personaje de Nosferatu y a la propia trama en general.

En cuanto a las actuaciones Isabelle Adjani deja mucho que desear y Bruno Ganz, pese a ser un actor increíble, en esta película no le veo muy comprometido con su labor. La estrella de la película es indudablemente Klaus Kinski que hace un trabajo igual de magnífico que el de Max Schreck en la original. La verdad es que desconozco si en el guión habían muchas acotaciones de gestos que tenía que hacer kinski o los hizo el mismo improvisando, sea como sea es un gran trabajo tanto por él como por el guionista.


Seguire analizando en la zona de spoilers.

En lo profundo de una ominosa noche vemos un coche yendo medianamente rápido, aunque más rápido le sigue la cámara, dando una sensación de peligro. Posteriormente la cámara muestra a los sujetos que estaban en el coche. Tres personas: el conductor, el cual está muy agotado, le alumbra la tenue luz de los faros del coche; los otros dos, están dormidos y cubiertos por un manto de oscuridad. De repente, empieza a sonar un ruido en el maletero y paran en un bosque a ver de que se trata. La luz roja del intermitente cubre a los tres personajes de un aura de violencia. La cámara hace un zoom in hacia el maletero que lo empalma con otro hacia los dos personajes que antes estaban dormidos, dejando de lado al conductor, mientras la cámara hace un paneo, el del medio saca un cuchillo de cocina, y el conductor abre el maletero mostrando a un moribundo agonizando. El del medio, rápidamente lo acuchilla mientras le insulta y le dice que le miré a los ojos; el de la izquierda, saca una pistola y le dispara unos cuantos tiros; el conductor se queda quieto sin hacer nada presenciado todo ese espectáculo. Posteriormente, cierra el maletero mientras la cámara lo sigue con un paneo y hace un zoom in hacia su cara, la imagen se congela y en voz en off dice la frase que todos conocemos. Una introducción en in media ress magistral donde define en menos de 2 minutos a los tres personajes principales y nos expone con la causalidad la causa que posteriormente tendrá su efecto. El personaje de Joe Pesci es impulsivo y sádico (por eso es el q le ataca con el arma más violenta); el de Robert de Niro es controlador y ataca o actúa cuando la situación está a su favor (por eso ataca con una pistola después de que Pesci le acuchillase); y el de Ray Liotta, es un personaje pasivo frente a dos activos (esto lo apreciamos en la introducción porque todo lo que hace es acatar órdenes, y los movimientos de cámara le siguen pese a que no haga nada relevante) no suele meterse en problemas, a veces incluso los evita. Esta es la introducción de mi análisis y de la película que voy a comentar.

Martín Scorsese relata la vida de Henry (Ray Liotta), un tipo q siempre ha querido ser un gangster. El primer acto es el proceso de aprendizaje en este rol, el cual está absolutamente todo narrado con la voz en off de Henry, explicándonos lo "increíble" que es ser un gangster. La voz en off está muy presente en la gran mayoría de películas de Scorsese (puesto que se vio influido por la nouvelle vague, en la cual se utilizó mucho este recurso). Aunque teóricos del guión como Robert Mckee la odien, si la sabes implementar bien a la narrativa se puede lograr una construcción e indagación en los pensamientos de los personajes bastante buena, sin caer en sobrexplicaciones ni clichés. Para mí, Scorsese la utiliza magistralmente, aunque no llega a la implementación tan perfecta que hace en "taxi driver" o "casino" puesto que aquí, se llegan a repetir bastante las frases idealizando a la mafia y, en diferentes momentos, sobrexplica una escena que ya ha ocurrido quitándole sutileza a los diálogos. Los problemas que comento sobre este recurso no se dan en este primer acto, puesto que es completamente necesaria ya que el montaje de este acto no está hecho en base a los diálogos, sino a la voz en off y a la música. Es, en esencia, un montaje puramente métrico. Los cortes son rápidos, las escenas son muy cortas, los planos se ven influenciados por la música y todo esto produce un ritmo de montaje increíble. En este primer acto presentarán a muchos personajes que serán, en mayor o menor medida, importantes para la minitrama de Henry, pero el más importante de ellos es Jimmy (Robert de Niro). Cuando conoce a este personaje se da el incidente incitador, el cual es positivo porque le ayudará a progresar y a hacerse amigo de los peces gordos de la mafia, que a su vez presenta al principal catalizador de Henry. Por último introduce a Tommy (Joe Pesci), el personaje más delirante, gracioso y conflictivo de toda la película. Que a su vez, es el que más golpes de efecto causa en la trama principal e iniciará la trama amorosa entre Henry y Karen. Ella será la que finalice el primer acto diciéndole a Henry que un vecino se ha propasado. En el clímax Henry le da una paliza a ese vecino y culmina mostrándole una pistola a Karen, confesando que es un gangster, y dando pie al segundo acto.

Los movimientos de cámara y la composición son algo muy importante. Un simple acercamiento de cámara puede decir más que mil palabras. Por ejemplo, en la escena en la que Morris (uno de los que les ayudó a dar un golpe) le pide a Henry que Jimmy le de la parte que merece, el espectador sabe que como siga montando jaleo, Jimmy le matará. Por suerte, Henry logra calmarlo y la situación acaba bien. Sin embargo, cuando Morris entra al bar cantando, la cámara lo encuadra en un plano americano (detrás suya no hay muchos elementos que le "resguarden") y todo enfocado a la perfección, es él el que se tiene que acercar sin ayuda de ningún movimiento de cámara y una vez está en un plano medio corto el fondo se desenfoca. Como vemos nada está a su favor y ahora es cuando viene la antítesis de todo esto. Lo siguiente que vemos es un plano medio de Jimmy sentado en la barra fumando, la cámara hace un travelling in desenfocando todo el fondo a su paso y dejándolo en el primer grado de la profundidad de campo, sin que él tenga que hacer nada. Todo esto acompañado con el tema "Sunshine of your love" (hasta la música está de su lado, no como en el plano de Morris que él era el que cantaba). Por último Jimmy se queda en un primer plano observándole fijamente y, en este caso, detrás suya hay muchas personas que acompañan el plano, está absolutamente respaldado. Todo esto nos quiere decir que Morris está totalmente acabado, nada está a su favor, al contrario de Jimmy que tiene toda la situación controlada. No hace falta ningún diálogo, solo dos planos con una composición y movimiento impecable.

Barry Lyndon es una obra de arte audiovisual con una escenografía perfecta. Diría que es una de las películas con mejor fotografía que he visto.

La dirección es sublime, Kubrick convierte cada plano de esta película en un cuadro como los de aquella época. La película está llena de planos generales y planos enteros que nos muestran la belleza y elegancia del Siglo XVIII, de hecho, muchas escenas suelen empezar en plano medio y acaban en un plano más abierto mediante un zoom out, esto refleja lo pequeños que son los problemas del protagonista en comparación a su alrededor.

Como bien dije antes, Barry Lyndon tiene una escenografía impecable y cada plano es un cuadro. Esto es gracias a la maravillosa puesta en escena, el vestuario es perfecto y va acorde a la época, la iluminación es increíble, toda la luz es natural y eso le da un toque muy único a la película y es una de las razones de porque se ve tan natural y atractiva visualmente, los escenarios son magistrales, ver esos verdes prados y esos ríos fluyendo por los bosques es simplemente perfecto.

También es muy importante nombrar la bella banda sonora que incluye una importante selección de piezas musicales del siglo XVIII.

Algo malo que puedo decir de esta película es que la actuación de Ryan O'Neal no es especialmente buena, en ocasiones, no sabes si está triste, disgustado, preocupado... Parece que tiene la misma expresión facial durante toda la película, de todas formas el personaje de Barry Lyndon está muy bien escrito y si te centras en el guión y no en la actuación pasará desapercibido.

También mencionar el ritmo de la película, mucha gente se quejó de ser bastante lento, y tienen razón, los planos son muy largos y la película tiene mucho dialogo, sin embargo si tienes paciencia y aprecias el buen cine se te pasará rápido.

En conclusión, Barry Lyndon es otra obra maestra de Stanley Kubrick, visualmente impecable y con una dirección sobresaliente.

Son las pequeñas cosas o momentos los que hacen que la vida de una persona tenga sentido y está película lo refleja a la perfección. Cuando creas que nada puede ir a peor recuerda que no estás solo en el mundo, tienes a tus amigos, hijos, mujer, padres... Son esos pequeños momentos los que te hacen preguntarte ¿Es tan bello vivir? La respuesta es... Si!
Frank Capra expone todos esos bellos momentos en la escena final, una escena preciosa que refleja el sentido de la vida en todo su esplendor, logra emocionarte y a la vez te hace plantearte la belleza de la vida.
James Stewart refleja a la perfección el prototipo de hombre perfecto, que con un golpe de mala suerte todo se le echa encima y se piensa que todo está perdido, hasta que llega un ángel que le enseña a valorar su vida como debería y se da cuenta de todas las personas que le aman y sobretodo de lo bello que es vivir.

La casa de Jack, la última obra de Lars Von Trier, retrata la maldad del planeta tierra. En todos los lugares del mundo reina el caos: En los bosques, océanos, selvas, ciudades... Han ocurrido multitud de catástrofes a lo largo de la existencia humana, y Von Trier plantea una pregunta ¿Que pasa si una persona convierte la maldad en arte?.

Jack es un psicópata con trastorno obsesivo compulsivo que cree en la belleza de la muerte, cuenta que todas las personas que mató fueron por un bien común, el arte. En la película escuchamos conversando dos voces en off, la de Jack (Matt dillon) y la de Verge (Bruno Ganz), la de Jack cuenta algunos asesinatos que cometió durante los últimos 12 años, diciendo que los mataba por arte, mientras que la voz de Verge le humilla diciendo que es una excusa para poder matar, y le debate que el arte es algo bonito como el amor y no algo horrible como la muerte.

Lars representa cada muerte como un cuadro, esto es muy parecido a lo que hace Kubrick en Barry Lyndon que compara cada plano con cuadros de aquella época, por ejemplo, en la película de Von Trier la primera ejecución que nos muestra la compara con un cuadro de Picasso, y no solo referencian a Picasso también a Bach, Dante o incluso a Hitler.

El filme no cuenta la típica historia de un asesino imparable, todo lo contrario, Jack es un asesino pésimo con muchos defectos, por nombrar algunos: deja huellas, manchas de sangre, es olvidadizo... Sin embargo ocurre algo bastante curioso que el mismo Jack admite "Todas las cosas que he hecho nunca resultaron en un castigo". Esto nos proporciona una visión distinta de la historia porque ya sabemos de ante mano que no le va a ocurrir nada malo, sin embargo, también le sirve a Von Trier como excusa para que todos los conflictos que se le presenten no acaben en una catástrofe para el protagonista.

La historia del cordero y el tigre es una personificación que se representa en la obra de Von Trier. El cordero se representa como todas las víctimas de Jack, son personas puras que no hicieron ningún mal a nadie, como un bonito e inofensivo cordero. Mientras que el tigre se representa como Jack, un cazador que mata para alimentarse y sobrevivir, como el mismo Jack que mata para alimentar sus necesidades artísticas.

Ahora comentaré una serie de cosas en la zona de spoilers