Narcotráfico, cárteles, crímenes, corrupción… Sicarios. Son temas que abundan en las noticias, ya sea su cara más visible o su red más oculta; sin embargo, sigue siendo un tema en extremo peligroso para todo el que pretenda llegar a desenmascarar cada involucrado en el conflicto. Ante este panorama aparece “Sicario”, la reciente película del canadiense Denis Villenueve, quien posee un currículum portentoso. Pero ¿qué nuevo aporta la película a esta temática?
La acción parece centrarse (más adelante explico) en la agente del FBI Kate Macer (Emily Blunt). Ella es movida a la frontera con México para ayudar a destapar una red criminal ligada al narcotráfico, con un equipo de élite liderado por Matt Graver (Josh Brolin) y asesorado por Alejandro (Benicio del Toro). Al involucrarse con estos hombres comienza a cuestionar sus procedimientos en una zona de conflicto real. Poco a poco es afectada psicológica y físicamente por lo que observa en el lugar.
Hay que definir “Sicario” como un filme irregular. Abre la acción en los primeros minutos, pero no se establecen conexiones ni relaciones entre los personajes y los sucesos. Todo es simple rutina de un tema común. Luego se obtienen buenas escenas de acción, ayudadas de una fotografía del siempre excelente Roger Deakins y una música de atmósfera a cargo de Jóhann Jóhannsson, con la misma línea de “Prisoners”.
El dilema que enfrenta la película es el guion flojo que posee, con incongruencias, historias paralelas que no aportan o mejoran el relato (policía corrupto de México) y soluciones forzadas o superfluas (policía de Texas). Otro punto débil es el personaje de Blunt, una mujer que no tiene peso dentro de la película y no se desenvuelve con credibilidad. Es rescatada por la buena actuación de la londinense, pero no lo suficiente para mejorar la película.
En síntesis, termina siendo una cinta sin relevancia, sin metáforas y sin significado, más allá de ser una excusa de mostrar lo mal que está geográficamente el sur de Estados Unidos/norte de México.

Calificación: 6 (Irregular)

La escalera de Jacob hace alusión a aquel pasaje bíblico donde este personaje tuvo una visión en la que ángeles bajaban y subían por medio de una escalera, entre el Cielo y la Tierra. Esta combinación de símbolos religiosos combinados con lo terrenal, camina paralelamente en conjunción de géneros, tales como drama, suspenso y misterio, que invitan al espectador a quedarse tranquilo descifrando este enigma.
Luego de una tormentosa estadía en medio Vietnam, mientras la Guerra Fría aún estaba en su desarrollo, Jacob (Tim Robbins) comienza a tener alucinaciones y pesadillas demoníacas, debido a traumas. Sin embargo, conforme avance su estado, la sospecha por algo más ocurrido secretamente en la base militar crece e involucra a varios compañeros.
El argumento y dirección se entienden muy bien en este relato, donde con cada paso se entremezclan realidad y ficción, al punto de no saber qué se observa verdadero y tangible, o qué es producto de la mente del sujeto principal. También, la alusión del título y el mensaje bíblico se funden en el concepto narrativo, terminando de dar una metáfora que se esclarece en su clímax y desenlace.
Tim Robbins ejerce una excelente actuación como el atormentado ex soldado. Domina muy bien cada estado de ánimo según la situación en la que se encuentra. Asimismo, Elizabeth Peña también es digna de ser mencionada, ya que provee el soporte necesario para la historia.
La última pequeña escena puede ser su talón de Aquiles al cambiar el sentido de la historia. Más allá de ser un giro argumental, termina optando por una conclusión metafísica. Aun así, esto poco debe importar para descifrar el rompecabezas mental de la cinta.

Calificación: 9 (Excelente)

Ed Wood o cómo el peor director de la historia es retratado en una fabulosa película. Conocido por estrepitosas producciones, el particular cineasta es llevado en un cómico relato que evoca el tono perfecto para hacer reír sobre sus trabajos, pero al mismo tiempo no se deja de sentir un fuerte apego hacia su optimismo y forma de vida. Tim Burton trae un justo homenaje-parodia de esos tipos que simplemente terminan encantando.
Sin perder la fe en ningún momento, Wood sigue en busca de su primer gran éxito cuando conoce al legendario pero alicaído y olvidado Bela Lugosi. A partir de ahí, se construye una entrañable amistad de admiración mutua. Con algunos problemas de financiamiento y personales, el joven director hace lo imposible por cumplir sus sueños, aunque resulten en la burla de todos.
Con grandes matices, Burton conjuga la mezcla ideal para salvar la carrera del extraño director. Una ambientación ejecutada con extrema sutileza y elegancia, que va desde una fotografía exquisita en blanco y negro hasta el maquillaje y vestuario, hacen que la época de la década se sienta con tal franqueza desde sus primeros minutos mostrando con sumo cuidado una fiel representación. Además, se deja acompañar de una partitura musical hilarante por el talentoso Howard Shore. Una estética en su más alta concepción en los trabajos de Tim.
El guión y la edición de la película están muy bien tratados, al punto de ofrecer un variopinto menú de caracteres y situaciones bastante emotivas, ya sean graciosas o serias. Hasta aquí, Johnny Depp resulta genial en su protagónico y hace una maravillosa dupla con el inmejorable Martin Landau como Lugosi, que logra un retrato perfecto. Aunque los dos son insuperables, el reparto secundario no flaquea en ningún momento y resulta de gran valor en su totalidad.
Para apreciar esta increíble historia se necesita ver al menos "Plan 9 from outer space" o conocer algo sobre el director y sus películas, esto debido a que abundan las referencias con todo su trabajo, por lo que el disfrute de ésta puede estar asociado a lo que se conozca previamente. Entre las escenas por recordar está precisamente la recreación del rodaje del mítico clásico de lo peor, alternada por una conversación con el ídolo de Wood... Orson Welles.
Calificación: 10 (Obra maestra)

Reiteradas veces se ha dicho que el cine es una experimentación de ingenio y mezcla. Aquí se obtiene una apabullante historia tomando en cuenta el argumento de Masacre: Ven y mira (película rusa), el impacto visual de “Apocalypse Now” y la voz ‘en off’ de las películas de Terrence Malick. Todo para reconstruir el psique dañado de alguien que se ve envuelto en la devastadora guerra.
En algún lugar de África, la guerra civil cubre el territorio donde se desenvuelve la trama. El ejército del gobierno y los rebeldes armados se cruzan devastando pequeños pueblos en una búsqueda incesante por el poder. Ahí es donde habita Agu (Abraham Attah), niño que pierde a su familia y es capturado por un grupo revolucionario, donde cambia para unirse a ellos en la guerra.
Fukunaga es un director que poco a poco se hace su propio espacio en el medio. Dos títulos como “Sin nombre” y “Jane Eyre”, además de la exitosa primera temporada de “True Detective”, corren en su historial. Aquí se hace cargo también del guion adaptado para mostrar no solamente el contexto que se viven en varias naciones de África, sino también el descenso psicológico de su protagonista y una clara crítica a la figura de la autoridad y la religión.
Abraham deja atónito a cualquiera en su caracterización de Agu, fiel y realista de lo que se puede ser en un conflicto armado. Esto se logra por su interpretación y por un excelente recurso muy bien empleado, como lo es la voz de su propia mente que se escucha en momentos clave. A su vez, Idris Elba luce impresionante como el demonio que lidera el grupo, como un predicador con una voz llena de súbitas, pero sutiles, palabras a su beneficio.
Por último, hay dos elementos empleados con gran profesionalismo: la fotografía y la música. La cámara prodigiosa de Fukunaga trabaja en armonía con una amplia gama de colores que van acomodándose a los sentimientos de Agu. Y para cada escena impactante, se debe adjudicar el logro a la gran música de ambientación creada para el filme.
Se percibe que el viaje siempre fue dentro de la cabeza de su protagonista, a pesar de estar siempre viendo el exterior de los combates. Al igual que la película rusa, y como dice Agu en una línea, después de la guerra ya no podrá hacer cosas de niño… sin embargo, queda una luz de esperanza en los últimos minutos del filme.
Calificación: 10 (Gran película)

Llega a Costa Rica un nuevo filme propio con una línea de reconocimiento internacional y dos premios en su haber (Mejor película y Mejor actriz en el Festival de Santander). Esta vez, quien se sienta detrás de la producción es Esteban Ramírez, director ya reconocido en su territorio por sus anteriores trabajos: Caribe (2004) y Gestación (2009).
Ahora es el turno de “Presos” que narra la historia paralela de Victoria (Natalia Arias) y Jason (Leynar Gómez). Ella es la típica joven que busca la forma de sobrevivir con los pocos recursos que tiene a su alcance. Una vez consigue su nuevo empleo, entra en contacto con el joven, amigo de su jefe, quien permanece recluido en un centro penitenciario.
A simple vista se puede pensar que el rumbo de la historia es una excusa fácil para presentar el lado malo de las cárceles o una historia decorada de amor. Sin embargo, Ramírez va más allá y se adentra a la vida cotidiana de la cárcel, donde se observan seres humanos que han fallado y siguen con sus debilidades tratando de llevar una vida mejor.
Pero también afuera existen otro tipo de presos, y ahí es cuando el título toma vigencia por su pluralismo. Caminan en supuesta libertad personas que son ofuscados por su falta de recursos, sus rencores y por vivir para otras personas.
Lo que se dice es simple y sencillo de interpretar, gracias a una visión que capta la naturalidad y las expresiones de sus personajes. Los dos actores principales son excelentes a la hora de cumplir con el guion, y en general, las demás actuaciones están por encima de lo que se ve casualmente en el país, aunque algunos personajes se sienten de relleno.
Todas las situaciones que se plantean en el filme no están amarradas del todo y se sienten un poco dispersas, no obstante, se debe reconocer que la estructura y estilo se mantienen siempre lo que ayuda a llegar al excelente final que posee. A nivel técnico (sonido, fotografía…) se siente una mejora, con pocos desperfectos, pero cumplen lo correcto.
Esta es una nueva oportunidad para seguir evaluando el progreso del cine nacional. Y por lo visto, se puede asegurar que va caminando por buen lugar. Como costarricense se puede salir satisfecho del cine y sentirse identificado con los pequeños detalles que tiene esta película sobre su país, aunque su mensaje puede transmitirse como algo universal.

Calificación: 8 (Muy buena, recomendable)