Si nos vamos a 2009 recordaremos que hubo una comedia que fue toda una sorpresa, que revitalizó el género zombie y homenajeaba a algunas de dichas películas en una divertida “road movie” con ‘Bienvenidos a Zombieland’. Un buen debut que hizo que Ruben Fleischer entrara en Hollywood con pasos firmes y volviera, utilizando los mismos esquemas que tan buen resultado le habían dado, con ’30 minutos o menos’, un film que volvía a coger la mismas ideas de su ópera prima, pero esta vez llevada a los atracos y los crímenes y que por desgracia no consiguió repetir con los mismos resultados. Ahora, el director estadounidense vuelve a probar suerte en aguas totalmente diferentes, entregándonos una película de mafias y guerra de guerrillas francamente entretenida.

‘Gangster Squad’ cuenta la historia de Los Ángeles en 1949, época donde el ex-boxeador y reconvertido gangster, Mickey Cohen (Sean Penn), empieza a controlar y obtener el poder de toda la ciudad, convirtiendo el sitio en un paraíso para la droga y la prostitución. Pero desde las sombras, habrá un grupo de policías liderado el agente Jhon O’Mara (Josh Broslin) que organizará e intentará por todos los medios lograr la caída de la mafia y el imperio construido por Cohen.

Basadas en hechos reales, Fleischer tenía a su disposición un material de primera calidad, con unas bases sólidas para crear una película que trascendiera la media y deleitarnos con una historia atrapante con el mejor aroma al inconfundible cine negro. Pero como ya ha dejado claro en su cortísima filmografía, ese no es su estilo. Porque ‘Gangster Squad’ no busca ser un nuevo referente en el género, no busca jugar en la liga de ‘Uno de los nuestros’, ‘El Padrino’ o ‘Érase una vez en América’, simplemente busca un entretenimiento rápido, directo y sin pretensiones, un film de mafias para gente que no le gusta la mafia y abrir el género a un público mucho más amplio. Y lo cierto es que lo consigue con bastante atino, a pesar de ser un producto vacuo y sin grandes aspiraciones, pero que basa su apuesta en un reparto lleno de caras conocidas (tanto savia nueva como vieja), un estilo visual tremendamente atractivo y un ritmo frenético y sin concesiones.

‘Brigada de Elite’ te mete de lleno en la historia desde el principio, un relato que se sigue con interés y que se concentra sobre todo en su conflicto principal: derrocar la estructura de la empresa de Mickey Cohen. A partir de ese hecho, la cinta transcurre con cierta fluidez y sobre todo con un ritmo endiabladamente rápido, precisamente gracias a que se centra en la idea básica de la historia. Porque el film, a pesar de que toca varios frentes como la corrupción, las consecuencias de la guerra o los conflictos en la familia en situaciones como estas, nunca profundiza en dichas cuestiones mas allá de lo suficientemente necesario, para conseguir que conectemos con los personajes; hay un buen tratamiento de todas esas ideas, pero se queda a medio camino en un recorrido que por supuesto daba para mucho más, y todo ello debido a las intenciones del director de sobreponer el entretenimiento por encima de lo demás. El guion sin duda ayuda a ello, pasando de unas situaciones a otras de manera acelerada pero siempre bien construidas, que no te deja respirar y te lleva por donde quiere de forma eficaz. Esto, que funciona francamente bien, repercute en una pérdida de sutileza en la transición de las escenas y en un argumento ágil pero tremendamente simple, sin medias tintas y que solo en un determinado momento se cuestiona sobre la brutalidad de las acciones.

Y es que el film no se corta con la violencia, dejándonos con algunas escenas realmente crudas, pero que no se deleita en la sangre gratuita y nunca cae en la vía del exceso. Hay sin duda buenas escenas de acción (algunas más que otras) que están rodadas con suma elegancia, y que ganan puntos cuando las balas y la sangre toman el protagonismo en detrimento de las persecuciones, que aunque están correctamente filmadas, palidecen un poco respecto al resto. Todo esto está integrado en una narración eficiente y sólida que combina bien las diferentes partes que construyen el conjunto, y que hay espacio para el drama y algunos toques de humor que le sienta bastante bien al film.

Respecto a los personajes, resultan todo un conjunto de variopintas figuras de lo mas carismáticas y que se reparten los minutos de manera muy acertada. Hay muchos en este explosivo cóctel, pero cada uno de ellos tiene el tiempo necesario acorde al peso que tienen en la película y ninguno se muestra desdibujado ni metido con calzador, adaptándose a lo que el guion necesita. Y es que los personajes son uno de los grandes atractivos de la película, en parte a un reparto de actores y actrices que entran por los ojos y que convencen sobradamente. A destacar se encuentran sin duda Sean Penn, que representa a un villano de la vieja escuela, totalmente “malvado”, poderoso y con más ansias de poder, en un excéntrico personaje que el veterano actor le aporta un puntito de sobreactuación que le viene fenomenal; y en la misma línea se encuentran Josh Broslin, que ejerce una actuación convincente de su papel de defensor del pueblo, y Ryan Gosling, en un personaje que le viene como anillo al dedo en una mezcla de chulería, seducción y buen corazón. Junto a ellos van desfilando todo un conjunto de secundarios que no se quedan atrás, desde Emma Stone, Robert Patrick y Anthonie Mackie hasta Michael Peña, Nick Nolte y Giovanni Ribisi, entre otros. Cierto es que todos y cada uno de los personajes son estereotipos más que conocidos y mil veces visto, pero que no por ello dejan de ser atractivos y eficazmente interpretados (al menos en esta ocasión).

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Resulta curioso como en una época dominada por los medios de comunicación y el incesante bombardeo del marketing y la publicidad, pueden todavía encontrar algunas producciones de bajo presupuesto un hueco para ser un éxito y arrasar. No es exactamente el caso de ‘The Man from Earth’, pero sí que encontramos similitudes a una escala menor y todo gracias al método más primitivo que existe, que no es más ni menos que el del boca a boca que llevó a millones de personas en 2007 a disfrutar de una hora y media de una sorprendente e inusual ciencia ficción.

John Oldman, un profesor de universidad, invita a sus amigos a su casa antes de mudarse a otra ciudad, una despedida que se tornara en confesión cuando le revele a sus amistades que no es un hombre cualquiera, sino que es un ser prehistórico con 14000 años de vida.

Fue en la década de los sesenta cuando la historia empezó a emerger de las manos de Jerome Bixby, que por diversas cuestiones no consiguió terminar de escribirla hasta su lecho de muerte en 1998. Varios años después, el guion de la obra fue trasladado al director Richard Schenkman, quien pudo convertir en realidad el material que le había sido provisto y que sorprendentemente consiguió convertirse, y solo dos semanas después de su estreno, en una película de culto. La entusiasta recepción del público provocó miles y miles de descarga a través de los canales de torrent y las reacciones no se hicieron esperar, algo que el realizador del film agradeció profundamente. Sin duda, un peculiar y largo camino que desembocó en una de las más aclamadas cintas independientes del cine estadounidense y que si bien no es una maravilla, si es un buen film de ciencia ficción que se aleja totalmente de lo que tiene el 90 por ciento de las producciones de este tipo y que por ello realza su valor.

Porque ‘The Man from Earth’ apuesta por el diálogo, por los personajes y cómo no, por el fantástico guion de Bixby. No hay efectos especiales, ni grandes ambientaciones ni nada meramente visual que atraiga nuestra atención de lo primordialmente esencial, que no es otro que el de desarrollar una trama sencilla en apariencia, original y tremendamente magnética. Schenckman traslada con precisión el trabajo del estadounidense, manejando la cámara con soltura e hilando las conversaciones con el tempo adecuado y distribuyendo los puntos muertos con atino. Desde que empieza hasta que acaba, los diálogos toman el control de la trama en un incesante bombardeo de tira y afloja, donde los atónitos invitados (y espectadores) van debatiéndose sobre la credibilidad de un personaje que rompe con todas las leyes de la naturaleza. El fabuloso libreto va avanzando junto a la narración de Oldman, quien va relatando sus experiencias y sus historias desvelando sorpresas mayores a medida que el reloj progresa, llenando las conversaciones de buenas ideas integrándolas notablemente en el devenir del argumento.

Lo cierto es que pocas cosas pueden resaltarse del contenido físico de la cinta, más allá por supuesto del buen hacer de todo el reparto destacando especialmente a David Lee Smith, quien su actuación dota de fuerza y de la necesaria convicción para que nosotros mismos nos quedemos atrapados en su fascinante e inverosímil relato. Luego, nos encontramos con un conjunto lleno de ideas, creencias y todo tipo de aspectos que abarcan un amplísimo abanico de diferentes materias y que no por casualidad los personajes del film son profesionales en varios ámbitos, desde arqueólogos y biólogos hasta historiadores y religiosos. Como si de una clase de historia se tratase, el primer acto va desglosándose a través de los diversos siglos, realizando saltos hacia delante y hacia atrás en el tiempo evocando con palabras lo que con imágenes no se muestra. A partir de ahí, avanza hacia cuestiones más profundas, realizando reflexiones sobre el ser humano y el relativo paso del tiempo en un asunto de retrospectivas tratadas con mimo, y que enriquece el conjunto con los matices que aportan todo esa diversidad de personajes. Pero donde alcanza su pico es cuando se mete en los territorios más espinosos, y claramente polémicos, en el cual sobresale la religión haciendo acto de presencia y desmontando para volver a reconstruirla de una forma que levantará ampollas entre los devotos.

Al final, resulta todo un cóctel de temas sacados desde la mente y el punto de vista de Bixby, que congenian perfectamente unas con otras en un relato bien estructurado y con un hilo bien construido. Juega bien con los elementos que tiene y, aunque sí es verdad que podría haberse sacado algo más de jugo, explota de forma satisfactoria sus posibilidades. Deshace, rehace, modifica y mantiene algunas partes de la historia más destacadas, arriesgando y dando respuestas valientes en algunos casos, y siendo políticamente correcto en otras, dejando un buen sabor de boca.

¿Qué nos queda entonces? Una propuesta diferente en el terreno de la ciencia ficción. ‘The Man from Earth’ triunfa sobre las bases de un guion sensacional, siendo los diálogos el pilar central de esta notable cinta, que esconde multitud de detalles y principios, logrando que durante sus 87 minutos nos quedemos atrapados en su relato. Siete personas y una habitación han sido las únicas piezas necesarias para demostrar que todavía queda ingenio en algunas partes, resultando un producto sólido y con unas bienvenidas raciones de historia.

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Había una época donde el cine no nos masacraba con cintas de superhéroes, una época donde recién el “género” empezaba a emerger y a redefinirse bajo las pautas que marcó X-Men allá por el año 2000. Siguiendo esa estela apareció la primera adaptación de Spider-Man y el siguiente paso lógico era el de otro héroe igual de conocido que el anterior. De esta manera apareció ‘Hulk’, una versión vapuleada y destrozada por el público, que esperando encontrarse con la pauta marcada por sus hermanos mayores, descubrieron la mirada más íntima del monstruo.

La historia de ‘Hulk’ cuenta el origen de la masa, pero mas allá de limitarse a los cánones típicos, Ang Lee se encarga de darle profundidad tanto a la persona como al álter ego. Y es que el sello del director taiwanés se nota y mucho en el film, empezando por coger esa masa de puños, furia y destrozos y reconvertirlo para darle un toque más humano y explorar su psicología.

Porque Hulk no es un superhéroe igual que el resto, Bruce Banner no es una simple persona que adquiere unos poderes y decide usarlo o no, es mucho más que eso y Ang Lee captura ese concepto y lo traslada brillantemente a la pantalla.Se trata a Hulk (y a Banner) como un ser atormentado, cohibido ante un recuerdo del pasado que hace despertar sus miedos y que simplemente desea buscar la paz. Porque todo, desde los diálogos hasta la puesta en escena, esta orientado a darle identidad y profundidad a esas dos personalidades que al final es uno solo. Son dos caras de una misma moneda, que conviven, se necesitan, se auto-contienen y son parte de un mismo ser, representado perfectamente y de forma metafórica a través del subconsciente y las pesadillas que tiene Bruce Banner. La línea entre el monstruo y la persona es tremendamente fina y en vez de separar a las dos entidades, las combina para crear a una sola. Es una historia diferente, centrada en explorar al monstruo en todas sus facetas con todo lo que conlleva, una mirada mucho mas íntima, profunda y personal con un resultado notable y unas características distintas a las de cualquier film de superhéroes, y eso provoca que sean a su vez virtudes y defectos.

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El guion esta muy cuidado, con diálogos correctos y una historia que va avanzando de manera acertada, sin pausa pero sin prisas, acorde con el tono del film. Pero si hay algo que destacar es sin duda su montaje y su puesta en escena innovadora y brillante, que conjuga las viñetas con la formas mas típicas de rodar un film. Ang Lee realiza todo un ejercicio de estilo visual, que mezcla el estilo de los cómics y el cine en uno solo con desplazamientos de pantallas, diferentes capturas y toda una serie de elementos que son dignas de elogios y que nos lleva a una experiencia que nunca antes habíamos visto, respetando y trasladando su fuente de origen al celuloide de una manera impecable. Hay que dejar muy claro que tanto en su concepto como en su forma, ‘Hulk’ es una propuesta diferente en todos los sentidos, mucho más incluso que el Batman de Nolan, y que lo amarás o lo odiarás dependiendo de lo dispuesto que estés a abrir tu mente. No es un producto perfecto, tiene algún bajón en su tramo central, pero es una arriesgada y valiente visión del director, sobre un personaje atormentado y diferente en el mundo del cómic. Es una visión poética y triste, con un ritmo pausado que sabe cuando acelerar y cuando parar.

¿Pero quiere decir todo esto que no hay escenas de acción? Ni mucho menos, ya que a pesar de que no son demasiadas ni tantas como el publico podría esperar, sí hay unas cuantas fantásticamente rodadas y que nos muestra a Hulk en su mayor esplendor, en especial la larga escena del desierto que es toda una delicia. Los efectos especiales eran realmente buenos para su época, aunque hoy en día si que es cierto que han quedado desfasados (más si lo comparamos con el de Ruffalo), aunque no es lo suficientemente molesto para que no podamos disfrutar en la actualidad del film.

En el reparto nos encontramos con un convincente Eric Bana, que aporta una actuación contenida y frágil de Bruce Banner; Jennifer Connelly interpreta decentemente a Betty Ross, alejándose de la típica “chica del superhéroe” y sirviendo de apoyo al protagonista; y Nick Nolte es el que mas destaca de la función en una certera representación de un personaje con diferentes matices y que el veterano actor cumple con creces. Correctos sin más se encuentran Sam Elliot y Josh Lucas, completando un reparto mas que decente para una propuesta como la que nos ocupa.

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La banda sonora es francamente buena, compuesta por Danny Elfman, quién repite después de componer la banda sonora del Spider-Man de Raimi y con el que se notan similitudes en el tono de la obra, desplegando melodías que combinan toda la fuerza del personaje mezclada con esa sensación de profundidad que tiene presencia a lo largo de toda la película.

Estamos pues, ante la versión de un superhéroe más original e íntima que jamás se haya hecho. Ang Lee realiza un film de la masa con su sello personal, para lo bueno y para lo malo, dando como resultado un producto notable e innovador, que amarás u odiarás por su valiente propuesta. ‘Hulk’ es un blockbuster de autor, una rareza del género y un producto lleno de personalidad. Es en sus singularidades donde tendrás que decidir si ves sus encantos o sus defectos. Un film infravalorado con una fuerza tan grande como conmovedora.

No es el Hulk que necesitas, pero probablemente sí el que mereces.

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El género policíaco es sin duda una de las fuentes mas inagotables del cine. Nos ha dejado algunas grandes películas, muchas se han quedado en la mediocridad y otras han permanecido navegando entre las aguas mas discretas y decentes, y todo ello en un rango de presupuesto que va desde lo mas bajo a lo mas alto. Precisamente ‘Training Day’ podría haber encajado en ese término medio de films decentes, pero afortunadamente no es el caso. Y no lo es por una simple razón: Denzel Washington.

El film nos situa en los barros bajos de Los Angeles, donde Alonzo Harris (Denzel Washington), un agente de los Estados Unidos con más de 13 años de experiencia en el mundo de las drogas, deberá instruir a un policía novato en su primer día, Jake Hoyt (Ethan Hawke), quien aprenderá y se formara con su superior.

Como ya suele intuirse por su argumento, el film basa su eje en la dupla Washington-Hawke y ahí es donde reside su fuerza y sus escenas mas destacadas, cuando ambas personalidades chocan y sus principios se encuentran en una lucha en el que ninguno da su brazo a torcer. Denzel es la estrella del film (premiado con el Oscar a mejor actor en 2001), con un personaje lleno de matices, duro, violento, autoritario, y con todos los recursos necesarios para sobrevivir en los barrios mas bajos del país, pero que también es capaz de sacar su mejor cara cuando la situación lo requiere; todo un conjunto de aptitudes que lo realzan el potente carisma del actor. Juega con el público y lo confunde, nunca sabes hacia donde se va a dirigir y siempre tiene un salida, moviéndose como pez en el agua en calles donde la droga es el pan de cada dia. Y del otro lado se encuentra el contrapunto perfecto, un Ethan Hawke que cumple estupendamente y que nunca le pierde la talla a su compañero protagonista, que tratándose de quien se trata ya es mucho decir, y que fue reconocido por la Academia con la nominación a mejor actor secundario. Y es que si bien el agente Harris se encuentra en el borde de la legalidad, Hoyt esta en el extremo opuesto. Imponer la justicia, servirse de la ley para hacer el bien, realizar las cosas de la manera adecuada y guiarse sobre todo por la ética moral, son los principios del policía novato interpretado por Hawke, que logra transmitir acertadamente sus inquietudes y dotar sus acciones de una inocencia propia del primer día de trabajo.

Ambos personajes están desarrollados estupendamentes y su evolución, sobre todo en el caso de Ethan Hawke, es muy notoria. A ello se debe en gran parte a un muy buen guión, donde los diálogos estan francamente cuidados y resueltos con gran habilidad.

Es una lucha psicológica entre lo correcto y lo incorrecto, lo moral y lo inmoral y la determinación por comprobar o desmentir si el fin justifica los medios. Y este lucha que mantienen los dos protagonistas se traslada también a una escala mayor, poniendo en duda las acciones policiales, criticando la “ética profesional” y mostrando desde dentro la corrupcion instaurada en las altas instituciones. El director Antoine Fuqua acierta en jugar al despiste con sus personajes, llevándolos de un lado para otro y colocándolos en distintas situaciones para crear confusión en el espectador, y sin dejar muchas pistas sobre cuál será el destino de cada uno hasta su inevitable desenlace. Una resolución final, que si bien no es malo y está resuelto correctamente, termina dando una respuesta a los interrogantes que plantea film, lo cual desentona un poco con lo que es el resto de la película, que va dejando en el aire las preguntas para que fuera el espectador el que respondiera.

Lo cierto es que el film no reinventa el genero ni lo pretende, pero expone sus ideas de manera sólida y convincente a través de sus dos protagonistas, con un pulso tenso y una narración firme. Todo raya a un buen nivel, aunque nunca sin destacar de forma sobresaliente, pero es la brillante actuación de Denzel Washington lo que hace que el film de un salto de calidad y merezca su visionado por sí solo. Un buen retrato de los sitios más sucios de Los Angeles y las redadas de la droga, para una historia donde los principios y la realidad entran en conflicto, que se combina con un tono realista, sucio y medianamente violento que casa perfectamente con lo que cuenta.

Un thriller convincente e intenso, que sin ser una gran película, si es un entretenimiento sólido, que engancha y que te arrastra gracias a un Denzel Washington estelar.

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Son los superhéroes más poderosos de la Tierra, han conquistado a millones de personas con sus hazañas y sobre todo, han dominado la taquilla mundial como pocas veces se ha visto. La megafranquicia creada por Marvel no solo ha conseguido convertir a sus figuras en iconos de nuevas (y viejas) generaciones, sino que ha reconvertido el blockbuster estándar en un universo meticuloso, calculado y con la formula del éxito integrado en cada una de sus piezas. ‘Vengadores: la Era de Ultron’ viene a aportar su grano de arena, redefiniendo sus directrices, abriendo nuevos caminos y cargando la nueva aventura de matices más oscuros, profundos y también, más discretos.

Cuando Tony Stark intenta crear un programa con una nueva inteligencia artificial para proteger al mundo de las amenazas exteriores, las cosas empezarán a torcerse y el laureado equipo de Vengadores tendrá que enfrentarse a un nuevo peligro para la humanidad: Ultron, un villano que pondrá a prueba las fuerzas de cada uno de nuestros héroes, poniendo en riesgo al planeta de la total destrucción.

Sobra decir que las expectativas por la nueva secuela de la tercera película más taquillera de la historia estaban bastante altas, ya no solo porque la primera Avengers fuera un punto de inflexión tanto para la propia compañía como para el cine comercial, sino porque a lo largo de sus siete años, creando sus fases y su novedoso plan de crossovers y aventuras individuales, sus productos han ido creciendo en cuanto a la calidad manera cuantiosa. Es por ello que Joss Whedon tenia la difícil tarea de volver a sorprender a un público que ha presenciado durante varios años una buena cantidad de películas de superhéroes, perdiendo el factor sorpresa y obviamente, con ganas de que ese ‘crescendo’ no pare de subir. De esta forma, y con una brutal campaña de promoción detrás, esta nueva entrega venía con un reto harto complicado y que inevitablemente da lugar a responder la ansiada pregunta: ¿Ha conseguido cumplir las expectativas? La respuesta es sí, pero con algunos “peros”. Porque ‘La era de Ultron’ es ante todo un capítulo de transición, un nuevo cómic trasladado a la gran pantalla de una serie que va por medio camino, que su culminación aún queda algo lejos y que todavía tiene que sufrir algunas transformaciones. Es un film más preocupado en servir de puente hacia la Fase 3 que en adquirir identidad propia, estableciendo bases e integrando nuevos elementos para lo que está por venir, y eso repercute en una cinta competente, satisfactoria y mucho mejor desarrollada que su predecesora, pero también en una pérdida de personalidad que puede resultar determinante para la valoración final según se mire. No es un defecto en sí mismo, pero es algo que hay que tener en cuenta a la hora de enfocar una aventura que no pretende más que entregar un entretenimiento sólido y seguir expandiendo un universo cada vez más grande que se va acercando a su recta final.

Por esta razón, estamos ante un producto que no arriesga, simplemente se dedica a mejorar los pilares que la encumbraron al éxito y a ofrecer un lavado de cara a la franquicia. Las formas cambian, pero el contenido sigue siendo el mismo con algunos retoques, resultando ahora un episodio mucho más coral, centrado en el grupo y no tanto en sus individuos, logrando un equilibrio prácticamente perfecto. Whedon firma en esta ocasión un guion mucho mejor realizado, jugando con una cantidad de elementos mayor e introduciéndolos en la historia de forma precisa y con un hábil manejo en la distribución de ellos, en un relato cargado de equipaje y más consistente en su contenido. Ya no sólo se busca el espectáculo de grandes efectos especiales, sino que se dedica también tiempo tanto al aspecto psicológico de los protagonistas como a reflexionar sobre su papel en el mundo, encajándolo en la estructura de forma fluida y con razones argumentales de peso, construyendo un mejorado trasfondo al asunto que se presenta más oscuro, sucio y complejo. Pero por supuesto, se sigue manteniendo las claves que tan bien funcionaron en el pasado: el humor marca de la casa sigue estando presente y funcionando fantásticamente en la mayor parte de las ocasiones, mientras que la acción se ha visto redoblada en unas escenas notablemente dirigidas, siguiendo la estela de la primera cinta.

Los personajes siguen siendo una de las grandes bazas y es precisamente uno de los pocos puntos que se han mantenido intactos. Tanto los nuevos como los viejos protagonistas resultan igual de estimulantes en la narración, cumpliendo con solvencia en sus papeles y con el carisma característico de cada uno, en un reparto magnifico encabezado por Robert Downey Jr., Chris Evans, Chris Hemsworth, Mark Ruffalo, Scarlett Johansson y Jeremy Renner, éste ultimo alzándose como la mayor sorpresa del conjunto y explotando su figura como nunca antes lo había hecho en el Universo Marvel. Entre las novedades destacan sobre todo los personajes de Elizabeth Olsen y Aaron Johnson, quienes sus gemelos suponen un bienvenido aire fresco en el conjunto, mientras que la Visión de Paul Bettany logra destacar en los pocos minutos que posee (y siendo fundamental en el relato), y el Ultron de James Spader forma un buen villano, algo desaprovechado, pero con un buen desarrollo y una fuerte presencia en la pantalla.

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