“El último duelo”, la última película de Ridley Scott, es una mala película. Y lo es pese a que sus actores principales ( Matt Damon, Adam Driver, Jodie Comer y Ben Affleck) están bien, con una interpretación sin estridencias pese a lo dramático de las situaciones. Es una mala película pese a que la dirección del señor Scott se nota especialmente en lo que es su especialidad, la acción. Es una mala película pese a que la música (Harry Gregson-Williams) subraya aunque no destaca. Es una mala película pese a que nos transmite esa sensación de ruptura con la idealización que de la Edad Media suele hacer el cine. ¿Y por qué es una mala película? Porque el guión es malísimo. Ben Affleck, Matt Damon y Nicole Holofcener han adaptado la novela de Eric Jager y lo han hecho utilizando una técnica narrativa que nos cuenta las tres versiones de un mismo hecho.

El ritmo de la película es lento, reiterativo y solo cobra pulso en la tercera parte, desde el momento del juicio hasta el último duelo, propiamente dicho.

La historia nos presenta a tres personajes principales, el interpretado por Matt Damon, un guerrero que se juega la vida por defender los intereses de su señor. Un hombre bruto, curtido en las batallas pero incapaz para gobernar sus posesiones y lo que es peor, incapaz de satisfacer a su esposa no solo en lo sexual sino también en lo emocional.

El otro personaje femenino es un compañero de armas del primero, un personaje distinto, educado como un clérigo y con otras ambiciones y formas de hacer. Está interpretado por Adam Driver que da vida a un personaje que sabe aprovechar sus oportunidades, acercarse al poder y progresar socialmente.

La historia nos lo muestra como un ser sin sentimientos más allá de su propio ego, fornicador y caprichoso y que se siente atraído por la esposa de su compañero de armas.

La esposa está interpretada por Jodie Comer, personaje más controvertido de la historia. Una mujer que pese a vivir en aquella época se revela contra la sumisión y el concepto de que la mujer es una posesión más del marido. Muy bien remarcado con las escenas en las que se habla de su dote y con el enfrentamiento con su esposo en el juicio y tras el mismo.

El nudo de la historia es una violación, cuando el personaje de Adam Driver abusa de la esposa de Matt Damon. Se nos contará el argumento, como ya he dicho, desde sus tres puntos de vista. Los guionistas, como deben de pensar que el público es tonto (quizás el público USA si que lo sea), la historia contada desde el punto de vista de la protagonista se subraya con el título “La verdad” a mi juicio totalmente innecesario si la historia se contara con mejores argumentos.

Evidentemente que cada punto de vista nos otorgará una visión distinta de cómo la vivieron sus protagonistas, pero lo cierto es que lo hace de forma bastante confusa, muy reiterativa (repitiendo planos) y estableciendo muy ligeramente el trazo psicológico de los personajes. Solo la tercera parte de la película, cuando nos cuenta la historia de Marguerite de Carrouges tiene interés pues es la oportunidad para indagar en el universo femenino de la época, de mujeres muy capaces de gestionar haciendas, de mujeres que saben leer, de mujer que quieren gozar del sexo. El enfrentamiento con su suegra está bastante desdibujado y solo tiene fuerza cuando hablan sobre la violencia que en la época se ejercía y se toleraba hacia las mujeres.

La película hubiera sido otra, posiblemente de mucho menor metraje, si la historia arrancara en el juicio y las tres versiones se contaran mediante falshbacks según declararan los tres implicados. Pero sería otra película y me atrevo a decir, que posiblemente más eficaz.

El papel del deseo en la mujer queda muy ambiguo, ligeramente apuntado, muy cobardemente expresado. Si están bien ejemplificados los mismos conceptos que hoy en día siguen estando en vigor: poner en duda la credibilidad de una mujer que expresa en público que un hombre le guste y éste la viole. En la Edad Media y ahora mismo se sigue poniendo en duda o exigiendo unas actitudes virginales a las mujeres a las que se les juzga por ser violadas en lugar de indagar en la verdad, como malamente reza el título de esa tercera parte.

La película se arrastra lentamente hasta llegar al juicio y como no, a la escena que da título a la película. Ahí es donde brilla el viejo Ridley Scott. Es una escena emocionante, cargada de significado y trascendente para el desarrollo de la historia ya que es su desenlace.

Pero el guión vuelve a cagarla y nos incluye una absurda escena final donde Marguerite puede disfrutar de su ansiada maternidad, con su niño rubito, por si quedara alguna duda de que su ansiado hijo fuera el fruto de aquella violación que por cierto, hay que decirlo, posiblemente sea una de las violaciones más burdas jamás rodadas. No digo que debiera recrearse en un acto tan despreciable, pero siendo como es el nudo de la trama debería al menos parecer verosimil.

Una pena que teniendo una buena historia se haga una mala película. Oportunidad perdida. Habrá que leer la novela.

En el año 2022 ya no asustan las películas donde las puertas se abren y se cierran solas, donde las luces se encienden y apagan sin criterio aparente, donde los espejos se rompen y surgen de ellos manos que nos tiran del pelo, donde un retrato en un cuadro evoluciona según lo hacen los protagonistas.

Tampoco funcionan los escenarios lúgubres, decadentes, oscuros, chirriantes… Ni las personas envejecidas hasta la parodia… A nada que tengamos un mínimo de cultura cinematográfica todos esos recursos ya los hemos visto y sufrido.

¿Por qué utilizarlos entonces? Solo se me ocurren dos opciones que los autores del guión y de la dirección de la película creen que son efectivos y que funcionan o lo que es peor, que no se les ocurre otra forma de transmitirnos angustia, terror y miedo.

Pero no solo es que la forma de contar la historia esté agotada es que la interpretación de Almudena Amor y de Karina Kolokolchykova desmerece los escasos méritos de la cinta de Paco Plaza.

Almudena Amor es una actriz con un físico maravilloso pero en cuanto abre la boca se diluye todo su encanto. La escena en el hospital, nada más llegar a Madrid cuando la doctora que le explica la situación de su abuela es inverosímil, con una entonación, perdón, con una lectura del guión que no transmite nada.

Lo mismo ocurre con el único diálogo (menos mal) entre Almudena y Karina, en una escena que podría ser tensa, dramática o intrigante pero que no alcanza esa categoría gracias a una interpretación forzada, pésima e inadmisible.

Existe en psicología un término conocido como deuda de cuidados, es decir: cuando somos niños nuestros padres (en este caso la abuela) nos cuida y en ese momento contraemos una deuda con ellos que debemos saldar cuando son mayores y son ellos quienes necesitan los cuidados.

Ese es el debate interno del personaje de Almudena Amor, Susana, que se ve obligada a cuidar a su abuela Vera Valdez, Pilar en la película, en un ambiente claustrofóbico, en una prisión decadente y donde proliferan los tópicos de las película de terror de serie B.

A mi juicio un debate mal resuelto y donde solo cobra importancia el artificio. ¡Qué lejos del terror psicológico que podría producir esa situación sin necesidad de tanto recurso manido!

En resumen, un guión malísimo, unas actrices para olvidar, un ritmo lento plagado de tópicos y una dirección aceptable. Dos estrellas y porque hoy estoy generoso.

Muy bonita, imaginativa, tierna y visualmente un espectáculo. No se puede pedir más.

Como me gusta nadar contracorriente diré que lo peor de la película, como era de esperar, es la actuación de Jason Momoa empeñado en crear su versión de Jack Sparrow. Resulta curioso que a la gran mayoría del público sea lo que más le gusta de la película. Pero claro, no todo el mundo tiene el mismo criterio, incluso me atrevería a decir que la gran mayoría no tiene criterio. Ja, ja, ja...

La película en sí nada contracorriente porque a estas alturas plantear un historia sin tintes de género no es lo más habitual. Hablar del concepto de paternidad no está de moda y la película no habla de otra cosa del amor que se profesan padre e hija. La madre está ausente, no existe a nivel argumental. Algo que a las "charos" les costará digerir.

La línea argumental es bastante predecible pero no por ello es una película aburrida; de hecho habla del viaje que tiene que hacer la niña y su acompañante para descubrirse a sí mismos, nada nuevo en nuestra tradición cultural y como no puede ser de otra forma en una cinta familiar, termina con un final feliz con unas gotas de amargura muy ténues.

A nivel visual es una película preciosa, con una sucesión de escenarios fantásticos, llenos de colorido y muy ajustados a la forma en la que el cine nos suele presentar el mundo de los sueños.

El tono general de la película me ha recordado, salvando las diferencias a "The lovely bones" aquí conocida como "Desde mi cielo", película mucho más truculenta pero que contenía una parte con una estética muy parecida a los sueños de ésta. También es cierto que la protagonista, Marlow Barkley en todo momento me recuerda a la jovencísima Saoirse Ronan. Tiene esa mirada ausente y en ocasiones es parca en expresiones, pero para eso ya tenemos a su compañero de reparto.

Hablando de reparto, cómo no fijarse en el irlandés Chris O'Dowd, con esa cara de bueno y la ternura que desprende en toda la película hasta que termina por asumir una paternidad forzada que le devuelve al mundo de los vivos.

En resumen, es una película familiar, aunque tengo mis dudas de que les pueda gustar a los niños que se quedarán únicamente con "las peripecias" del cerdito; película poco pretenciosa y ahí reside su mayor atractivo que no pretende más que entretener y emocionar a mi juicio lo consigue. ¿Para qué pedirle más?

Flow (en letón significa arroyo) es una película de animación independiente de fantasía y aventuras de 2024, dirigida por Gints Zilbalodis, y escrita por Zilbalodis y Matīss Kaža. Se trata de una coproducción letona-belga-francesa.3 La cinta se destaca por estar completamente renderizada con Blender, un software libre y de código abierto, y por no contener ningún diálogo. Es la película que ha ganado este año el Oscar a la mejor película de animación.

¿Pero qué es Flow, qué significa? Cada cual puede hacer la lectura que desee, para mí, como digo en el título de esta reseña, es un viaje espiritual. Una road-movie en el sentido de que habla de un viaje; con la consiguiente adaptación, evolución y toma de conciencia con la que termina la película.

“Dejar el mundo atrás” es una película dirigida por Sam Esmail con Julia Roberts, Mahershala Ali, Ethan Hawke, Myha'la Herrold, Kevin Bacon que se ha estrenado recientemente en Netflix.

Confesaré que la he visto con reticencias porque en ella aparecen dos elementos que aborrezo: Julia Roberts y un protagonismo especial a la serie “Friends” que siempre he detestado.

Está basada en la novela del mismo nombre de Rumaan Alam que fue una de las novelas finalista del National Book Award en 2020, best-seller de The New York Times y uno de los mejores libros del año según varios periódicos. No la he leído pero confío en que sea mejor que la película, porque la versión cinematográfica es bastante mala.