Se pueden apreciar en esta cinta, las características esenciales del cine realizado por el austriaco, Haneke. Principalmente son, extender al máximo la duración de sus planos y arraigar el movimiento de cámara ,dentro lo posible, para centrar la atención en el movimiento descrito por lo personajes dentro de la escena, característica primitiva.

Dentro del marco de esta película, la presentación de misma marcará el tono y anticipará acontecimientos que estarán estrechamente conectados con las primeras imágenes de la cinta. En ellas el personaje protagonista es Benny, joven que ha grabado las imágenes mencionadas anteriormente, en las que se ve como asesinan a un cerdo con mucha sangre fría.

Por lo general en la película las movimientos de cámara y el plano se centran en Benny, aunque la cámara no está ligada en su totalidad al protagonista. Nos lleva por lo que es estrictamente necesario pasar.

A lo largo de la película se van atribuyendo planos a ciertas situaciones y comportamientos del personaje ( Así como siempre se muestra a Benny en su cama desde el mismo plano). Este hermetismo espacial se va combinando con imágenes más sueltas y con más movimiento, desde la cámara del personaje. Y yendo más allá también recurre a esta asociación para marcar la rutina de transito del personaje ,empleando escasos planos pero remarcando el mismo en varias ocasiones. Dicho lo del movimiento del personaje, hay que comentar que la dirección del mismo se asocia a donde se dirige, si el personaje avanza de izquierda a derecha del marco quiere decir que está de camino a algún destino y si lo hace al revés significa que está volviendo a casa.

Dentro de la rutina, existe en la película una fragmentación de la secuencia en planos detalle de los trámites realizados , con lo que resuelve sencillamente la interacción, guiándonos a lo estrictamente necesario para volver de nuevo a la centralidad del personaje en plano. Es decir se ayuda de la reiteración de estos planos para marcar la rutina y el carácter del personaje. La necesidad de marcar excesivamente la cotidianidad es la de romperla con más brusquedad después. Buen ejemplo sería cuando por primera vez la cámara se desplaza de la habitación de Benny a planos aéreos de la ciudad. Además la centralidad del plano en torno a Benny se vuelve todavía mas abusiva cuando se encara comportamientos sociales.

Aunque la rotura de forma más grande de la película es a la vuelta de su viaje, ya que se cambia muchos de los planos que eran asociados anteriormente a específicos lugares y , sobre todo, por el drástico cambio en la iluminación que se le da a la habitación del joven. Solamente es en este periodo se rompe con la linealidad y el orden cronológico-espacial de la obra.

La tipología de planos no es ampliamente variada en la película, se repiten a lo largo de ella los planos medios y dependiendo de la profundidad del dialogo , primeros planos más o menos cerrados. Los planos como el general, solo aparecen en momentos puntuales, sobre todo para localizar mejor alguna escena.
La mirada de la cámara no solo se puede atribuir al director, si no que, al ser una de los engranajes de película hace que se entre en contacto directo con la mirada del protagonista,con la que se auto describe. De suma importancia tiene todo lo registrado en ella, de forma que las imágenes exteriores asociadas a la cámara retornan al mundo interior por medio de la televisión( la violencia explícita de la película se traslada de la realidad al monitor y la vemos siempre a raíz de ahí).

Por último destacaría lo cuidado que llega a estar la posición de los personajes en el cuadro. Y esto lo ejemplificaría con dos planos generales frontales , uno que muestran la primera cena de la familia y el último que nos enseña el almuerzo de esta . En el primero, la posición de la familia está sobrecargando el lado derecho del encuadre, cada miembro en diferentes posiciones, el padre ¾, la madre perfil y Benny escorzo; desproporcionando la composición en representación de la tensión y situación de la familia. En el segundo , Benny se encuentra exactamente en el medio de la composición, de espaldas a la cámara, mientras la madre de perfil se encuentra en el marco derecho, la forma del plano muestra y sugiere algo totalmente diferente al primero.

Se antoja como una película terriblemente cruel en el relato y totalmente fría en lo fílmico, lo cual transmite al espectador estar viendo uno relato oscuro, donde la violencia se abre paso a través de cualquier fisura hasta hacerse realidad. Así es Michael Haneke, un creador enfocado en señalar lo mordaz del ser humano y los aspectos más sombríos de este.


Dirección: 10
Guión: 9
Interpretaciones: 10
Fotografía: 8
Montaje: 9
Sonido: 8
Efectos Visuales: 9
Coherencia Interna: 8
Originalidad: 9
Simbolismo: 10

Nota Final: 9,0

La misión era laboriosa, re-filmar una película de éxito como “True Grit” por la cual, en 1969, John Wayne se llevó el Óscar a mejor actor, aunque por muy poco estuvo Jeff Bridges de seguir el mismo camino. Pese al listón que había colocado Henry Hathaway, los hermanos Coen han sabido crear un western tragicomédico muy hábil, ejemplar, con un virtuoso trabajo de dirección de actores, logrando unos personajes pulidos, aunque es verdad que Jeff Bridges eclipsa con suma diferencia a un buen Matt Damon.

La historia gira en el tópico marco de la venganza, tras el asesinato de su padre, Mattie Ross, interpretada por Hailee Steinfeld, decide ponerse sus ropas de abrigo y con una madurez poco común para su edad, contratar a un ex-agente para salir detrás del asesino. La trama no es para nada compleja, nada que no se haya contado ya, pero es algo que los Coen no habían contado y cuando este par de hermanos pretenden dar su visión, cinematográfica, sobre cualquier historia, por muy simple que pueda parecer, esta se empapa del pulido y atento estilo que tienen para narrar ,combinado además con un sensacional Roger Deakins, que nos fascina con sus encuadres y la manera en la que va presentando poco a poco tanto ubicaciones como a personajes.

La dirección de arte también tiene mucho de qué hablar en esta película, además del vasto trabajo realizado para recrear la ciudad , las texturas y las ropas de los diferentes personajes lucen muy particulares, dotando a estos de una psicología sofisticada y refinada. Todos estos departamentos perfectamente sincronizados, conciben un verdadero espectáculo visual que concluye con uno de los tiroteos finales más épicos y arriesgados de los que he
tenido la suerte de apreciar.
El resultado, una fascinante obra de género que se suma a la impecable filmografía de los hermanos Coen. Realmente una maravilla del cine nuestro siglo.

La serie de Masaaky Yuasa, uno de los creativos detrás de la serie "Hora de Aventuras" y director de la magistral "Mind Game",es sobre todo un ejercicio de estilo, bizarrismo, existencialismo y un potencial tan abrumador como terrorífico que nos irá quebrando la cabeza según vayan avanzando los capítulos.

Los trazos de aire nuevo y distintivo persiguen a Yuasa desde “Mind Game”, ahora en Devilman mantiene ese estilo surrealismo para encuadrarle una buena dosis de terror gore, sustituyendo la línea amorosa que suele emplear en sus relatos. En Devilman podemos encontrar un sin fin de aspectos sociales a tratar, mucha crítica a como los humanos llevan una vida basada en los estímulos y el auto-complacimiento. En la historia se nos presenta a Akira, un joven llorón que tiene el corazón lleno de empatía y que pese a tener un demonio dentro no pierde la humanidad. Esa humanidad que mientras el se sacrifica por salvarla , le demuestra que no es digna de su salvación.
La historia se vuelve auténtica-mente brutal por momentos, y sin duda cualquiera que la vea se encontrará con emociones muy fuertes que sobre todo se irán desarrollando a partir de la mitad del relato aproximadamente, cuando el relato comienza a tornarse más crudo.
De primeras se presenta como un anime con más estilo que sentido,con unos personajes difíciles de comprender hasta bien llegados al ecuador de la obra.
Engancha por su diferente estilo de animación que emplea pero nos quedaremos en su visionado cuando nos vayamos dando cuenta de que los personajes está mucho mejor construidos de lo que parece a simple vista.
Aunque ha decir verdad, Masaaky Yuasa parece que por momentos no tiene muy claro los aspectos de su obra que quiere evidenciar en cada capítulo, pero cada capítulo se va volviendo más revelador que el anterior.
Además nos dejará con varias explosiones neuronales al final de algún que otro capítulo, que nos estremecerán el corazón.
Sobre todo el capítulo final, que para mi personalmente es el más flojo de toda la serie.

¿Demonios contra humanos y humanos contra demonios, puede un ser humano contener más maldad que un demonio, quien influye en la maldad de quien? ¿Es el humano una raza digna de salvarse? ¿Que nos convierte en humanos?
Devilman Crybaby se establece como una gran obra de anime, rebosante de aires de originalidad y un asombroso estilo pop. Será de lo mejor lo producido por Netflix, en materia de anime, hasta la fecha.

Guión: 6
Estructura Narrativa: 7
Diseño Personajes: 7
Originalidad: 9
Animación: 8
Estilo: 9
Tratamiento de Arte: 8
Bso: 7
Doblaje: 7
*Abstracción: 8
Nota Final: 7,6

Andres Goteria se inaugura en el mundo del cine con una película rupturista, y no desde una perspectiva formal o de discurso, pues se dejan ver con creces las influencias de muchos ejemplos de cine de autor europeo. “Dhogs” rompe con el modelo cinematográfico propuesto por las tendencias norteamericanas, que son las que más venden, y desde labores de producción, se ha creado una película a través de crowfunding que da un golpe en la mesa, mostrando que se puede hacer cine libre y de calidad sin estar atado a exigencias de codiciosas productoras.

La obra comienza con la explicación del título que es una palabra compuesta. “Dog” : perro, sumiso y fiel; y “Hogs”: animales sucios y perversos. Con esto tenemos el resultado del título y además los dos ejes sobre los que gira la, enigmática, trama. Una trama que aparece fragmentada y separada por personajes que dan mucho que pensar acerca del comportamiento humano.

El trabajo en todos los campos es impecable y se ve con mucha dedicación. La fotografía de Lucía Pan, que sabe en que contextos utilizar la profundidad de campo y nos deleita con unos exquisitos planos abiertos. La música de Germán Díaz nos traslada al estado mental que parece querer describir el director, con unos tonos casi tribales. En campo interpretativo tenemos como principales caras del elenco a cuatro actores de experiencia. Melania Cruz, Antonio Durán "Morris", Eduardo Blanco y Miguel de Lira. Poco más que decir. Tan solo realzar la actuación de Melania Cruz que desgarra emocionalmente al espectador, quizás porque sabemos que, igual que juegan con su personaje en la película, es el mismo juego que ejerce el sistema sobre la realidad.

A fin de cuentas, un film que muestra el lado más perverso y oscuro del ser humano. Todo muy bien aglutinado por Andrés Goteira que no se podría haber estrenado de mejor manera.La obra ha ganado la sección oficial en Sitges, en el festival BAFICI de Argentina, en el festival Frighfest de Londres y en Split Film Festival de Croacia a mejor largometraje. Ha tenido gran éxito internacional, lo que seguramente abra puertas para el director y su equipo.

Es todo un orgullo que desde Galicia se realicen obras de tan grande calidad puesto que sin duda “Dhogs”, seguramente despierte muchas inquietudes entre los futuros directores que puedan verla, pues demuestra sin lugar a duda, que se puede hacer cine libre desde cualquier sitio del mundo.


Dirección: 9
Guión: 8
Fotografía : 10
Interpretaciones: 10
Montaje: 7
Originalidad: 10
BSO: 10
D.Producción: 9
Coherencia Interna: 7
Innovación: 10

Nota Final: 9,0

Ópera prima de Cristopher Nolan, rodada en el 98, dos años anterior a su majestuosa “Memento”, en clave de thriller psicológico. En esta cinta el propio Nolan asume el puesto de director de fotografía /cámara, en el cual demuestra una abrumadora soltura, un estilo personal y un gusto exquisito por el blanco y negro. Aunque todos estos son ingredientes que había gestado en su primer cortometraje “Doodlebug” también de corte psicológico.

En “Following” crea una obra independiente con bastantes elementos de Nouvelle Vague, la película está rodada con muy pocos fondos y la particular manera con la que, Nolan, mueve la cámara recuerda a la libertad con la que jugaban los maestros de esta etapa.

Esta apampanante primera obra, elevó al director británico a grabar títulos de mucho más presupuesto, como “ Origen” o “ Interestellar”, filmando todos ellos con asombrosa capacidad creativa, aunque paulatinamente influido por elementos comerciales hollywoodienses.

Aquí se crean dos vertientes en cuanto a Nolan. La del aclamado director, por parte del sector palomitero de los espectadores, y la vertiente de detractores que exigen a Nolan un cine menos comercial.
Para estos últimos recomendaría el visionado de esta pieza. En esta, les sorprenderá la frescura del director y posiblemente les ayude a comprender un poco mejor a Nolan.


Dirección : 8
Guión: 8
Interpretaciones: 6
Fotografía: 8
Montaje: 8
Diseño de Producción: 9
Sonido: 8
Coherencia Interna: 7
Originalidad: 7
Diseño de Personajes: 9

Nota Final: 7,8