¿Qué es mejor entonces? ¿Tener años de experiencia o ser joven y estar continuamente expectante ante los sucesos que vienen? El otro día mantuve una breve conversación con otro miembro de este blog sobre si los veinte son mejores que los treinta. Qué tontería, pensarán algunos. Pues los veinte, pensarán otros.

Hay miles de maneras de afrontar el paso del tiempo. Cada uno lo lleva de la mejor manera que puede. Unos desean que pase rápido mientras otros ven que cada segundo que pasa es un trozo de vida que pierden. Entre toda esta maraña de reflexiones tan "veraniegas" tuve la suerte de toparme en cartelera con la película Viaje a Sils María del director Olivier Assayas. Sinceramente me llamó la atención poco más que el cartel y el elenco actoral (Juliette Binoche vs Kristen Stewart). ¿Qué harán estas dos mujeres juntas?

La película empieza en el interior de un tren que va camino a Zúrich. Entre los ruidos de ruedas y las sombras del paisaje nos encontramos a la actriz María Enders (Binoche) con su secretaria o asistente personal Valentine (Stewart). La muerte de Wilhelm Melchior (director que iban a homenajear tras el viaje) detendrá los acontecimientos de las dos mujeres y las sumergirá en una historia apasionante que se camuflará entre juegos de espejos distorsionados por la ficción y la realidad. Un joven y prometedor director teatral le propone a María representar la misma obra que le llevó al éxito, pero ya no con el papel de la joven Sigrid, sino con el de la madura Helena, mujer que termina locamente enamorada de Sigrid, suicidándose por el rechazo de esta.

El director francés decide jugar a entremezclar la cara y la cruz de una misma moneda para presentarnos a una señorial y exitosa actriz opuesta a la juventud exuberante y sensual de Jo-Ann Ellis (Chloë Grace Moretz) que realizará ahora el papel de Sigrid. Assayas conoce a Binoche desde hace más de veinte años y parece que ha estado diseñando el papel de María desde que la conoció. María, una actriz que se sorprende de cómo la difusión rápida de información en estos días de Internet y drogas ensalzan a su “predecesora en el puesto” .
Valentine ayudará a la actriz en sus ensayos, le acompañará al cine, al bar, a conocer a su futura compañera e incluso emprenderán viajes por las montañas para observar paisajes tan espectaculares y estremecedores como son los Alpes Suizos. Sin duda su duelo continuo es lo mejor del film. Durante más de la segunda mitad de la película su ayudante será el apoyo y espejo de María. Curiosa y bien manejada mezcla entre las frases del guión que estudian y lo que realmente se dicen. Continuos guiños y engaños. Valentine siempre llevará consigo el librito, por si acaso la requiere la jefa en cualquier momento. Puro teatro vivo que se pierde en los momentos en los que las dos actrices no están juntas. Sin ellas, el nivel y la intensidad de la película baja. Cuando están en escena la película está en la cima, pero sin ellas se desliza vertiginosamente hacia largas pausas. Y sí, tan curiosa relación traspasa las pantallas al mostrarnos cómo una actriz que llegó a Hollywood gracias a una saga de vampiros puede llegar competir con una curtida mujer que ha actuado en algunas de las películas de los directores más asombrosos de la cinematografía actual: Michael Haneke, Krzysztof Kieslowski, David Cronenberg (guiño guiño) o Bruno Dumont. Entonces...¿por qué demonios se le ocurre a Assayas la genial idea de que Kristen Stewart dé paso de ese modo tan tajante al tercer acto de la película y derrumbar mis expectativas de un final asombroso?
Dado que todos sabemos que la cartelera en verano no está para echar cohetes, Viaje a Sils María nos ofrece un momento de reflexión y un espléndido viaje hacia el autoconocimiento de las zonas más altas de nuestra personalidad.

Después de esto creo que mis pesadillas son sueños maravillosos. Quizá no la haya entendido, quizá sí. Cabeza borradora, del aclamado y odiado director David Lynch podrá no gustarte, pero no te dejará indiferente. Si lo que se proponía era hacer vomitar al espectador, conmigo casi lo consigue. Lo que no quiere decir que sea malo. Tan insensibilizada estoy ya que solo las películas con escenas verdaderamente crueles (concretando el significado de la palabra) o asquerosas (también matizando el significado) pueden revolverme el estómago. Cabeza borradora lo ha logrado. Como tengo poco tiempo para utilizar la televisión del salón, la vi alrededor de las ocho y pico de la mañana, grabada del canal TCM (arriba la publicidad al canal que tantos buenos momentos me ha dado), lo que me llevó a tener un día de mierda y a experimentar toda clase de pesadillas a lo Marilyn Manson por la noche. Después de esta preciosa película se me pasó por la cabeza ponerme a escuchar la discografía de Rammstein para terminar perturbada lo que quedaba de semana. Lo de Rammstein no era por nada, me acordé de que en la incomprendida película Corazón Salvaje, Lynch utilizaba a estos señoritos de traje y corbata para la banda sonora. Ahora todo encajaba. Si el universo de Cabeza Borradora te lleva a querer escuchar todo tipo de género industrial es por algo, porque ambas cosas te transmiten miedo. Lograr transmitir miedo es un arte. Y que me dé miedo algo solo lo logran dos cosas: los humanos y los aviones. Por eso es tan espeluznante observar cómo Lynch juega con las pesadillas humanas a ese nivel de genialidad y a modo kafkiano. Era la película preferida de Kubrick, por algo será.

La película nos ofrece un lápiz y una goma para borrar algunas partes de nuestra memoria. El deseo de omitir la voz de nuestra conciencia después de cometer un acto moralmente cuestionable. Esto es lo que desea el protagonista, borrar borrar y borrar. Eliminar de su vida ciertos momentos que jamás deberían haber sucedido. Pero no lo logra y ahí comienza su frustración. Aparecen una y otra vez sus pesadillas, pulsiones reprimidas, el dolor. Quien no sienta todo tipo de sensaciones al ver a la mujer del radiador o a ese feto tan asqueroso que a mí ni se me acerque. Porque aparte de estar asfixiándome durante todo lo que dura la película, experimenté un sentimiento de angustia espantoso cada vez que salía cualquier personaje en la pantalla. El actor que hace de Henry está genial, mirad qué ojitos pone cada vez que ve a su nene, es tremendo. Y qué decir de la música. Creo que la película no tendrá ni más de diez minutos de diálogo, pero la música actúa como un personaje más. Corrosiva, al igual que las paredes de los edificios por los que deambula Henry al comienzo, y hermética, como esa especie de planeta/luna que es su mente enferma.

Después de ver Cabeza Borradora creo entender lo que es el infierno o, lo que es peor, que el infierno está dentro de nosotros.

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Un francotirador tiene la obligación de matar para salvar a los suyos, sea quien sea al que apunte por su diminuta mirilla. Es el dios de la escena, el amo y señor de la caza. Me quedo sin palabras ante la terrible recepción de la última película de Clint Eastwood El francotirador (American Sniper, 2014). Un patriota americano que después de alistarse en los SEAL (bajo un entrenamiento agresivo y destructivo) marcha a Irak para matar a los enemigos de EEUU.

El francotirador (2014) es de las mejores películas actuales de Clint Eastwood, que después de sus obras amenospreciadas Más allá de la vida (2010), J. Edgard (2011) o la desapercibida Jersey Boys (2014) y de haber llegado a sus cotas más altas en Sin perdón (1992), Un mundo perfecto (1993) o la genialidad de Millon Dollar Baby (2004), está siendo injustamente tachado de “fascista” por mostrar sin tapujos el punto de vista de un patriota americano en la guerra de Irak.

En El francotirador (2014) Eastwood nos muestra con maestría las firmemente asentadas convicciones morales de su protagonista principal Chris Kyle, el cual para nada es el héroe que muchos se han forzado a ver. Si el concepto de héroe norteamericano que tenemos en mente es el un hombre profundamente desequilibrado que mata a mujeres y niños, con la idea de defender su patria pululando por su mente, que se cree, sin pararse a reflexionar un momento, un perro pastor con el claro deber de defender a los suyos (aunque nunca esté con ellos en los momentos más importantes, que emborracha a su mujer para llevársela a la cama el primer día que la conoce y que termina excluido de la sociedad que lo ha utilizado como objeto para conseguir la victoria... Si ese es el concepto de héroe que manejamos, debemos revisar más a menudo el diccionario.
En El francotirador lo que realmente se dice es que Chris Kyle era un héroe porque los que le rodeaban decían de él que lo era.

Algunos críticos estadounidenses como Noah Gittell («The Atlantic») indican que “la película levanta controversia porque revela la cultura de las armas en EEUU y refleja nuestras profundas divisiones sociales al respecto”. El protagonista tiene una obsesión desde casi su nacimiento por las armas. Las convicciones por las que lucha y mata son tres: Dios, patria y familia. Desde bien pequeño, su padre lo ha educado en la violencia, en la dominación del débil a manos del más fuerte. Si prestamos un poco más de atención a lo que se nos presenta veremos a uno de los personajes de película bélica más vacío y solitario de los últimos años, mucho más que el humano sargento William James (Jeremy Renner) de la ganadora del Oscar En tierra hostil (2008). Clint Eastwood no rueda las escenas que Chris Kyle no quiere recordar, tampoco reflexiona sobre la vida de Kyle porque él tampoco desea reflexionar sobre ella. La Biblia, los recuerdos de niñez, sus convicciones y su habilidad para apuntar con un arma es lo único que tiene este héroe vacío para seguir viviendo. No hay que olvidar cómo se vuelve Bradley Cooper a la hora de retratar la escalofriante parsimonia con la que Chris Kyle mata. Durante el transcurso de la película nos topamos ante algunas de las escenas más terroríficas y escalofriantes del cine bélico que hemos tenido la oportunidad de ver en mucho tiempo.

Aunque todas estas escenas siempre se narran desde el punto de vista subjetivo del personaje, esto no quita que también se ruede la violencia de los estadounidenses a la hora de irrumpir en las casas de los irakíes en busca de datos para hallar a los enemigos más fuertes no es para nada una forma de ensalzar a los soldados. Ambos bandos están en guerra y por lo tanto ni uno ni otro reflexionarán a la hora de escoger a una familia como fuente de datos para sus fines, independientemente de las consecuencias.

Si bien el director respeta en todas las escenas la ideología del francotirador (que puede llegar incluso a compartir) quedó bien claro en el magnífico díptico Banderas de nuestros padres (2006) y Cartas desde Iwo Jima (2006) que el director no estaba a favor de la guerra, manifestando su aversión y sus consecuencias desastrosas. Debemos remitirnos a las palabras de Eastwood: “es la declaración más fuerte contra la guerra porque exhibe las consecuencias que tiene para un soldado y su familia [en cuanto al] trastorno postraumático que conlleva”.

La conciencia americana se tambalea ante películas como El francotirador. Interpretaciones que se presentan fáciles para aquellos que no se adentran en su verdadero dilema. La película es todo un juego de espejos contradictorios para los que se detengan a analizar algo que va más allá de su apariencia.

Las grandes películas generan debate: ¿Quedará Chris Kyle en nuestra memoria como un héroe o como un patriota sin escrúpulos?

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Cuando nos referimos a la película Con faldas y a lo loco (1959) hablamos de la COMEDIA en mayúsculas. Bajo la dirección del reconocidísimo y alabado Billy Wilder, con la interpretación de la musa americana por excelencia del s.XX, Marilyn Monroe y el dúo cómico formado por Jack Lemmon y Tony Curtis, tenemos ante nosotros una mítica joya del humor. Para quien no lo sepa y le haya gustado esta película, Billy Wilder es el responsable de obras tan reconocidas en el mundo del cine como Sabrina (1954), El crepúsculo de los dioses (1950), El gran carnaval (1951) o Testigo de cargo (1957) entre muchas otras más.

Con faldas y a lo loco está plagada de sabrosos contrastes: por un lado el frío de Chicago de los años 20, infestado por la mafia que intentaba cubrir los vicios prohibidos bajo la ley seca que asolaba la legislación en tiempos de modernidad acelerada, por otro lado el calor sofocante de Florida, paraíso a los prófugos de las grandes y endeudadas urbes del interior. Prófugos como Joe y Jerry, obligados a huir tras presenciar una vendetta mafiosa y bajo la identidad travestida de dos músicas de una banda femenina donde conocen a la inocente y simple Sugar, una Marilyn Monroe que tuvo que agradecer a todos los dioses y diosas del universo este papel pues se convirtió en la insignia de su fugaz carrera.

Pero parece ser que la personalidad simplona de Sugar no se quedaba solo en la gran pantalla, pues Billy Wilder tuvo que aguantar carros y carretas en el rodaje a causa de las venidas de la voluptuosa Marilyn, que lo llevaba por la calle de la amargura. Parece ser que a la musa rubia se le olvidaba continuamente el papel. En frases tan cortas como sencillas "Soy yo Sugar" necesitaba la ayuda de pizarras que le ayudaran durante la actuación. Curiosidades que quedarán en la memoria de los allí presentes, como cuando Marilyn, por mucho que repitieran una escena, no se aprendía el nombre de la botella de "Wisky Bourbon" e insistía en que se llamaba "Wisky Bombón". Wilder, para acabar ese absurdo continuo, propuso poner una chuleta con el nombre dentro de un cajón de la habitación donde se rodaba esta escena, pero lo que no se esperaba es que se le olvidaba por completo en que cajón se encontraba. La pesadilla se solucionó forrando todos los cajones con apuntes para que abriera el que abriera pudiera decir con claridad el nombre de la dichosa marca de Wisky.

Wilder tuvo que convencer a Marilyn en que la película debía ser en blanco y negro para suavizar las caras maquilladas de sus compañeros Lemmon y Curtis, yendo en contra de la cláusula de cine a color que la actriz impuso en todos sus contratos (menos en este gracias a las peripecias del director). Pero aun así, el austriaco acudiría de nuevo a la actriz para rodar otra obra de sus obras más reconocidas y populares como es La tentación vive arriba (1955)

Para la elaboración del guión de Con faldas y a lo loco, Billy Wilder y su preciada colaboración con el guionista Izzy Diamons, escribieron un guión perfectamente engrasado donde abrieron la diversidad y la transcontextualización de la comedia. Ya que que "Con faldas y a lo loco", "Some like it hot" en America del Norte o "Una Eva y dos Adanes" en la del Sur, mezcla la comedia, el asesinato y una idea innovadora y transgresora en esa época como es el travestismo para ofrecer al espectador dos horas de diversión y humor, con tintes trágicos y agridulces, para entablar una conversación muy íntima con nosotros consiguiendo que no únicamente riamos a carcajadas, sino que también lo hagamos de manera franca y profunda.

Nos encontramos ante una obra referencia de la comedia, inspiradora para muchos artistas de la gran pantalla y de la pequeña, pero no es 100% original pues esta película es un remake de otra francesa producida un cuarto de siglo antes. Titulada Fanfare d´Amour (1935) derivada esta a su vez de una historia de Robert Thoeren y Michael Logan. Pero que se trate de un remake no quita ni un ápice de genialidad al guión ni a las imágenes tan rocambolescas y divertidas de uno de los tríos de personajes más memorables de la historia del cine. Una película que forma parte de ese cine clásico que nadie debería perderse.

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