Apasionante documental de Edmond Roch de un impresionante espía catalán apodado Garbo, que participó muy activamente en el desarrollo victorioso de los aliados en la segunda guerra mundial. Joan Puyol, así se llamaba este hombre que nació en Barcelona en 1912 en una familia medio burguesa, y llevó una vida normal hasta que estalló la guerra civil española y después de estar más de un año escondido decidió alistarse en el ejército republicano. Aquí es cuando empieza la trepidante historia de Puyol, donde acabó siendo al mismo tiempo, agente secreto para los servicios de inteligencia alemán e inglés para “ayudar a la humanidad”, como él decía, en la segunda guerra mundial donde lógicamente daba información falsa al régimen nazi, para así poder ayudar a los aliados. Gracias a su información falsa, los alemanes pensaron que el desembarco de Normandía por parte de los aliados no era el ataque principal, y por eso no reforzaron demasiado la zona de tropas. De esta manera picaron el anzuelo, porque por supuesto que era la ofensiva principal y gracias a Garbo, (el nombre secreto de Puyol para Inglaterra), los aliados vencieron más claramente en el ataque clave que decantó la victoria de la segunda guerra mundial para ellos. Estamos por tanto, ante un hombre muy importante y poco conocido al que habría que poner en un pedestal, por lo que contribuyó en la contienda bélica engañando a los nazis. Curioso también mencionar que fue distinguido con las máximas condecoraciones por el bando alemán y por el inglés.

Edmond Roch equilibra muy bien el film porque combina muy acertadamente, imágenes de archivo, películas de ficción y entrevistas, dotándolo de mucho humor al explicar el carácter de Garbo con personajes de ficción, y así hacerlo muy entretenido y educativo a la vez. Podría haber utilizado las muchísimas entrevistas que disponía de Puyol, pero así es más divertido y dinámico el film, al compararlo con espías de ficción y dándonos cuenta de que lo que él hizo incluso supera a la ficción. Cabe mencionar también a Nigel West, que gracias a que descubrió que Pujol vivía en Venezuela después de cambiar su identidad al hacerse pasar por muerto tras acabar la guerra, hemos podido descubrir las hazañas de este gran agente doble, y todo gracias a que pensó que un hombre tan farsante como Garbo podía haber fingido perfectamente su muerte para poder vivir tranquilo fuera de Europa. Es un gran documental por su original propuesta narrativa, y por la grandes hazañas que cuenta de este mítico espía apodado Garbo, al que habría que hacerle un gran homenaje a nivel mundial, para que fuera conocido por la inmensidad de la población de este planeta llamado Tierra al que no le sobran personas así.

Maravillosa película visual y emocional donde la poesía fílmica brilla como nunca. No es un film perfecto por las lagunas argumentales que tiene, pero eso es parte de su grandeza el ser imperfecto, porque se le da más importancia a las emociones, al lirismo y al amor intemporal, que a la coherencia argumental en algunos momentos. Visualmente es una joya, con una fotografía que recuerda al Expresionismo Alemán, (sobre todo al dúo que formaron los maestros Murnau y Karl Freund), y con una belleza plástica asombrosa sobre todo cuando aparece ella, porque parece que estemos viendo un cuadro, y el director William Dieterle lo subralla poniendo en la fofografía las típicas marcas de la tela de un lienzo. El prólogo es excepcional porque cuenta el tono espiritual y poético de la vida y la muerte, y ese será el tema de lo que irá toda la película. Las interpretaciones són geniales, con un Joseph Cotten tan bien como siempre, y una Jennifer Jones tan bella que nós hace comprender porque el personaje de Cotten se fascina y enamora cada vez que la ve. El final también es muy bueno con esos chicos que se quedan asombrados viendo el cuadro de ella con tanta vida. Es, (siendo imperfecto), uno de los films más extraños y bellos que jamás se han hecho.

Espléndida película de Hawks en la que su mundo brilla a la perfección. Como decía el propio cineasta, “solo soy un contador de historias y no me considero un artista”, pués bien es cierto que hasta los años 60 no fue considerado un maestro al igual que otros directores de cine clásico de Hollywood, hasta que desde Francia en “Cahiers du Cinéma” empezaron a darse cuenta que dentro de las restricciones que el cine clásico tenía, se habían hecho innumerables obras maestras y se habían forjado muchos maestros de cine en el que cada película que hacían tenía su sello. Esto contradecía lo que se explicaba antes de los 60 para argumentar que los directores del Hollywood clásico solo eran artesanos, y es que se decía que tenían muchos conocimientos técnicos sobre cine, pero solo se limitaban a intentar hacer lo mejor posible los encargos que les ofrecían en el género que fuera. Es cierto que muchos directores de ese periodo fueron artesanos pero como bien se dieron cuenta desde Cahiers, hubo otros muchos que llegaron bastante más lejos e hicieron obras de arte en el que las obsesiones y el estilo narrativo de estos, se imponía a las propias películas que realizaban. Entonces que un maestro como Hawks se considerase él mismo como un artesano, refleja muy bien el poco valor que se les había dado a los directores desde el propio Hollywood antes de los 60, y por eso es lógico que si desde la misma industria no se les reconocía su arte, ellos pensasen que fueran solo contadores de historias y nada más, pero solo hay que ver un film como Hatari para darse cuenta de que todas las obsesiones y la forma de pensar de Hawks, son parte de este film al igual que en prácticamente toda su obra, dándole así coherencia y estilo propio, y esto es lo que distingue a los maestros de los artesanos.


Centrándome ya en Hatari, tiene el característico estilo visual de Hawks dando una lección de fluidez narrativa a todo el film donde la acción va a un ritmo rápido y siempre ligada al futuro inmediato de la historia sin utilizar prácticamente elipsis. Hay que recordar que Hawks nunca utilizó en su obra flashbacks, dándole así mucha importancia a su estilo narrativo fluido y rápido. También cabe mencionar el humor del film, que hace que sea al mismo tiempo una comedia y una cinta de aventuras, haciendo así un estilo que cada vez utilizó más en sus films, como demostró años más tarde en el western “El Dorado”. Las secuencias de las partidas de caza están muy bien realizadas, haciendo que parezcan prácticamente un documental, pero en el film son mucho más importantes las relaciones de los personajes, que están muy bien desarrolladas como siempre en la obra de Hawks. Es un film divertido y emocionante, magníficamente contado por un maestro al que hoy en día con toda justicia si que se le considera uno de los grandes.

Sensacional obra de arte de Eisenstein en la que demuestra que el poder de las imágenes, está muy por encima del argumento. Corría el año 1938 y el pacto de no intervención militar entre la Unión Soviética y Alemania estaba a un sin firmar, esto disparó las alarmas al país de Stalin en consecuencia también del incipiente poder nazi que iba en aumento y que ya se sabía que era cuestión de meses el que empezaran a entrar en países a la fuerza, entonces había que enviar un claro mensaje a Hitler para que supiera que si tenía la intención de entrar en el país soviético les expulsarían con las armas. Por eso el gobierno ruso decidió encargar al director más prolífico del país, al gran Eisenstein, una película de clara propaganda para demostrar la fuerza patriótica y militar del pueblo ruso, entonces el cineasta volvió a hacer otra obra maestra propagandística igual que había hecho anteriormente con “El acorazado Potemkin”.

Es un film donde el arte cinematográfico brilla aún nivel esplendoroso con una belleza plástica en su puesta en escena y con una música de Serguei Prokofiev en la que cada plano va casi al mismo compás que las notas musicales, que hace que sea pura poesía fílmica y en la que todos los movimientos de cámara y los movimientos de los personajes hacen que parezca que estemos viendo un ballet. El ritmo es increíble con un manejo en el montaje muy hábil, como siempre en Eisenstein, en el que nos cuenta la historia a través de él sin mover apenas la cámara, exceptuando algunos travellings para mostrar los cadáveres de la batalla o para la llegada triunfal del ejército ruso. La secuencia de la batalla del lago helado de 37 minutos, es una de las mejores escenas de batallas de la historia del cine sin lugar a dudas y forma parte del olimpo del cine con toda justicia. Es una obra maestra en la que la forma tiene mucha más importancia que el argumento, y eso en el arte cinematográfico es lo más importante.

Bella y emotiva película del maestro de origen irlandés donde sus fuertes convicciones católicas se dejan notar más que nunca y le otorgan una religiosidad esplendorosa, llegando a ser en algunos momentos exasperante, sobre todo para los que no somos creyentes. Pero su maravillosa calidad artística supera cualquier ideología aunque no sea la propia de uno y deja claro que el arte en numerosas ocasiones va mucho más allá de cualquier creencia religiosa o política. Es una de las películas más personales del cineasta, ya que la dirigió con su nueva productora Argosy Pictures, comandada junto a su amigo Merian C. Cooper. La rodó en México con actores habituales del país como Dolores Del Río, y pasó la acción a un país centroamericano cualquiera en el que una fuerte dictadura ha arrasado con las iglesias matando a sus curas y ha prohibido entre otras cosas el alcohol. Con esta premisa Ford y el director de fotografía Gabriel Figueroa,(colaborador habitual de Emilio Fernandez “el indio”), consiguieron una fantástica profundidad de campo con un gran angular en las secuencias sobre todo de exteriores, haciendo de los escenarios lugares muy amplios donde los personajes fluyen como seres pequeños ante la inmensidad del terreno. Hay que recordar que Orson Welles se dejó influir claramente por Ford en la técnica cinematográfica, ya que llegó a ver más de treinta veces “La diligencia, película donde la profundidad de campo y la utilización de planos contrapicados para enseñar los techos fueron revolucionarios, y lo obsesionaron de tal manera que en su “Ciudadano Kane”, hecha dos años después, estas innovadoras técnicas en el lenguaje cinematográfico las perfeccionó e hizo de ellas uno de sus más característicos estilemas. Por eso habría que darle más notoriedad a Ford en estos aspectos técnicos, ya que solo hay que ver este film en cuestión para darse cuenta de su manejo de la cámara en espacios abiertos. El film no tiene apenas diálogos, pareciendo de la época silente en varias escenas donde vemos como los personajes hablan sin que les oigamos, porque las imágenes lo dicen todo. Ford siempre manejó a la perfección estas situaciones sin diálogos ya que fue un notable narrador de la época del cine mudo, y siempre que pudo dejó que las imágenes contaran sus historias sin darle demasiada importancia a los diálogos, y ahí es cuando se nota el talento de un cineasta, ya que mientras los más mediocres necesitan constantemente diálogos para contar sus relatos, los maestros sin necesidad de apenas palabras pueden contar una secuencia perfectamente.
El film tiene en todo momento un tono mártir religioso que conducirá de manera inevitable hacia la gran escena final, y queda encajado brillantemente en el rostro del gran Henry Fonda, que con su habitual parsimonia y su elegancia personifican muy bien el aire milagroso requerido en esta bellísima película,a la que habría que reivindicar más en la maravillosa obra de John Ford.