Esta película no es una excepción, es una búsqueda por lo nuclear por recuperar aquello que el paso de las edades les quito a nuestros protagonistas. Desde el prólogo Moore ya establece el tono visual y narrativo de su obra con aquel bosque perturbado por la acción de las hachas, aparecen los lobos como ases de la noche, su diseño es lo que intimida, su presencia resulta perturbadora contra esos leñadores, pero aparece tras el fiero combate, una presencia, es una Wolfwalker, está lo deja vivir y con un gesto decidido encuadrado en un perfecto plano general lo deja ir. Conocemos a Robyn Goodfellowe, ella al igual de su padre no solo están atados al voto de obediencia a Lord Protector sino están atados a esa ciudad de bordes rígidos, de un cuadrado supuestamente infranqueable protegidos por los monigotes de Cromwell, que una vez más sus actitudes no están definidas por lo que dicen sino por el componente cinematográfico, como en su tiempo Walt Disney diseñaba a la baraja de cartas en Alice in Wonderland.

Esta también es una fábula sobre la madurez, ya que el padre de Robyn no entiende sus deseos de libertad, será por miedo al destino trágico o la pena del sebo, sus ojos tienen esa respuesta. Le impone la seguridad de trabajar como parte del servicio doméstico del jefe del castillo, eso la hace infeliz y eso lo muestra la cámara con una simpleza apabullante, basta un solo encuadre para mostrar esa infelicidad con la gama cromática y la posición de la pequeña Robyn en el plano acompañada de las otras sirvientas en una posición armónica, sumándole expresividad a esos momentos de la película. Cuando Robyn está en el bosque se da el encuentro de dos mundos, torpemente enfrentados debido al miedo y la ignorancia. Ella intenta capturar al lobo, pero por error la muerde, posteriormente convertida en lobo siente el llamado de lo salvaje, de la libertad, ese llamado es posible gracias a Bruno Coulais que con sus notas es como esa voz seductora a lo desconocido, a lo arcano. En una secuencia definitiva Moore cambia el estilo de dibujo y al son de Aurora somos participe de esa liberación de Robyn de esa libertad que brinda la paz de lo natural. Luego la música también nos develara el otro objetivo de la trama, el paradero de la madre de Mebh.

Entre ambas chicas se forma un lazo amical invisible pero eterno, sentado por la comprensión de la situación de la otra, vinculo que será clave en el clímax. El poder del villano de turno es manifestado con el poder del encuadre, de las sombras, de las composiciones como cuando va a liquidar a la madre de Mebh en la plaza, pero también su poder está presente en esa ciudad de bordes anchos y gestos adustos de su población, de llamas al rojo vivo contrapuestos al azul de la tranquilidad de la noche en el bosque.

Pero ante todo esta es una película sobre núcleos como manifesté en un inicio, ambas protagonistas se necesitan, para tener esa paz de antes y eso es manifestado con música de Coulais que en su virtud más poética alcanza lo inesperado, reconciliar ambos mundos cuando se da ese abrazo entre los cuatro y Bill acepta a los lobos, permitiéndole tener de nuevo una familia o en este caso una manada. En el clímax dramático resucitan a la madre de Mebh tras la lluvia, tras aquella agua que limpia los rezagos del mal, la población mira con fe aquel bosque que canta con aullidos, es una representación macroscópica del conflicto que ha perseguido a la obra terminando el ciclo y el desarrollo de todas las piezas del relato.

Wolfwalkers es ante todo una fábula, una que merece contarse, una en la cual el tiempo no le quitara encanto ni potencia expresiva, como sucede en todas las obras maestras. Moore nos recuerda al igual que en Song of the Sea la importancia de narrar historias, la importancia de la fantasía para comprender nuestro mundo con sus diferentes tipos humanos, pero ante todo la importancia de encontrar el lugar donde pertenecemos.

Reseña escrita para Oasis del Cine

En un interesante inicio tras que la cámara descienda del pétreo busto del comunista Lenin, esta enfoca a un desaforado Nikita Jrushchov dirigiéndose a los miles de burócratas, para luego hacer un trávelin a través de un escenario de corbatas y trajes negros hasta llegar a una en específico, la cámara se levanta, muestra un rostro y su gesto ligero de disconformidad frente a la perorata de su líder.

En la mirada y los gestos de Merab Ninidze como el Agente Penkovsky reside el interés cinematográfico de buena parte de la película, su movimiento por las mazmorras llenas de secretos militares acerca de una futura conflagración mundial entre las potencias hace tambalear su fidelidad al régimen, aunque el director en algunas ocasiones cercanas al final lo subraye con diálogos entre él y Wynne. Pero en su mayoría constituyen una interpretación notable como en aquella escena del interrogatorio con el miembro de la KGB. Por otra parte, Benedict Cumberbatch se mueve en un papel difuso por una parte intenta imitar el carácter y talante interpretativo de figuras como Steward o Grant terminando a veces como pastiche, pero bien avanzada la película y cuando sufre lo visceral del encierro encuentra el verdadero potencial del personaje dando una de sus mejores interpretaciones especialmente en el interrogatorio final.

Es especialmente en las escenas del encierro donde el director de fotografía nominado reciente mente al Oscar, Sean Bobbitt, encuentra el culmen máximo de la opresión de un régimen donde la libertad fenece prácticamente restringiendo el único punto de iluminación a la lámpara ubicada a un extremo de la mesa, una opresión que se manifestaba desde que Wynne pone un pie en la Rusia soviética siendo esta opaca en los exteriores y colores fríos en los interiores como en la escena donde Penkovsky es expuesto ante su familia. Por otra parte, la música cumple una función netamente dramática bajo las notas del experimentado compositor polaco Abel Korzeniowski que vuelve a la palestra tras varios años desde su magnífico trabajo en la película de Tom Ford, Nocturnal Animals, y también tras el traspié de The Nun. Su fortaleza recae especialmente en el final donde con sus notas imprime esa sensación de liberación al protagonista mientras se da su extradición al Reino Unido tras pasar ese pesaroso infierno carcelario.

Aunque a pesar de los aciertos, la película palidece ante sus referentes, quizá el más obvio es aquella obra maestra de Spielberg que se desarrollaba en la Alemania Oriental durante el incidente del U-2 o aquella notable película de Hitchcock con Paul Newman y Julie Andrews durante la guerra fría.

Esta es una película de descubrimiento, de apertura, de explorar nuevos horizontes para nuestra protagonista como en aquel primer contacto con el mar, donde igual que las crías de las tortugas Josee desea llegar a ese espacio de libertad como lo anhela dentro de su cubículo impregnado de ilustraciones alusivas a la inmensidad del océano. Pero también ella tal como las crías de los quelonios están expuestas a los peligros de ese nuevo mundo que exploran por primera vez, uno que no coincide con el ritmo de su forma de vida, como en la secuencia del tren. Pero también es un descubrimiento de otras personas y las relaciones con estas, es en esto que se acierta en la construcción de su personaje aportando matices a sus actitudes, como el porqué es arisca con todos en un principio hasta su apertura al amor y el romance además resolviendo con eficacia el director las secuencias de tensión sexual entre Tsuneo y Josee como aquella donde una lámpara de pescado ilumina el espacio.

Es en ese segundo acto donde suceden las cosas más interesantes tanto a nivel visual como narrativo, desde la visita al zoológico en otoño, donde el duelo mortal se da entre las miradas de una temerosa Josee y el tigre, siendo este la representación de las vicisitudes de este amplio mundo que la protagonista debe enfrentar, pero no estará sola en este viaje ya que en un plano detalle se muestra sujetando el antebrazo de aquel muchacho que empieza a conocer; como aquella sirena que necesita de ese ángel protector en la narración final frente a los niños. Tras la muerte de la abuela es Josee quien sufre un cambio radical en su personalidad y junto a ella la puesta en escena; lo primero en su corte de cabello y lo segundo en la frialdad del invierno manifestado en las claves de la iluminación.

Quizá en su tercer acto se ven recién las costuras de la historia, especialmente en el tratamiento del trio amoroso y la muchacha en concordia, pero antes de la secuencia en la casa en pleno atardecer donde se quiebra un poco el melodrama sucede una secuencia notable. Tsuneo está en plena recuperación y Mai lo acompaña en un recorrido en las afueras del hospital, sucede lo que menciono en un inicio, que en esta película los personajes esperan la respuesta para maximizar la emoción con los detalles que brinda la escala de planos, en este caso la composición es de un primer plano a los ojos del muchacho mientras la chica desborda sus sentimientos casi cubriendo con su cuerpo el resto de la pantalla pero sin ver su rostro; ante la inesperada confusión el muchacho queda sorprendido y la chica comienza a llorar en el respaldar de la silla de ruedas, terminando con dos planos bien seleccionados, uno general con ella llorando casi arrodillada con un trazo de sombras, simbolizando que él no la corresponde y llora justo en la silla porque esto es símbolo de lo inalcanzable para ella o sea el sentimiento de Tsuneo a Josee. Por otra parte, ella termina en un plano muy corto de ella con sus lágrimas.

Después de eso se vuelve más convencional la película en las secuencias de la recuperación del deuteragonista con un innecesario montaje musical que quita de la inmersión. Llegamos al clímax de la historia donde ambos deciden no rendirse en sus aspiraciones, la secuencia del cuento, bien elaborada culmina el desarrollo narrativo y emocional de Tsuneo. Pero el director aún aguarda una sorpresa en el final, Josee se pierde en un frio invierno, confronta por última vez al tigre, lo mira desafiante, sabiendo que ya esta lista para salir a este amplio mundo y establecer relaciones como pasa en el final con Tsuneo. Siendo esta una nueva Josee, una capaz de mirar y proyectarse un futuro tal como lo demuestra demoliendo su antiguo hogar dando paso al prometedor mañana.

Personalmente me gustaron los créditos contándonos la historia de amor de los padres de Kokone