Estamos ante una película sorprendente. Esa impresión ya la encontramos nada más empezar al ver la caracterización de la protagonista Eva Melander en su papel de Tina, una vigilante de seguridad del aeropuerto. Nos quedamos como hipnotizados, aunque en esta ocasión no es ante su belleza sino más bien al contrario.

La duda inicial seguida de la pregunta: ¿esto qué es?, se va agrandando según avanza la cinta. La trama se va abriendo como una flor en primavera y hasta los más insignificantes detalles se van agrandando para acabar de envolver una trama espesa y, casi, de cuento de hadas, en la que tiene vital importancia la mitología nórdica. Pero no os asustéis, tampoco estamos ante la exposición de un doctorado en la materia. Bastan cuatro pinceladas para que el público se introduzca en un mundo mágico y salvaje al mismo tiempo.

La maestría mostrada en el anterior trabajo del director de origen pakistaní Ali Abbasi, Shelley (2016), se confirma de manera exponencial en la cinta que analizamos, en la que el guion, a cargo del mismo director, es de un elevado nivel narrativo. La historia que cuenta mezcla sabiamente la realidad y la fantasía. Es una abstracción mundana, sin grandes alardes técnicos, los cuales no necesita para nada. Se basta y se sobra con unas crudas imágenes a las cuales uno se habitúa llegando a empatizar con unos protagonistas muy lejanos a cualquier estereotipo que os imaginéis. No obstante encontramos a faltar un poco más de truculencia. Pensamos que eso no entraba en la idea original, pero ya puestos…

Una funcionaria de aduanas desarrolla la extraña habilidad de descubrir los engaños de los pasajeros que desembarcan en el aeropuerto. Tiene una rara fijación por uno de ellos. Lo que ignora es que esto cambiará toda su existencia.

En el apartado técnico mencionar el extraordinario trabajo del departamento de maquillaje encabezado por Pamela Goldammer, realmente increíble, basta solo con comprobar el antes y el después. Creemos que es lo primero que haréis después de ver el film.

En el apartado actoral destacar a los dos protagonistas Eva Melander y Eero Milonoff, los cuales nos transportan con sus interpretaciones a un mundo de fantasía con un toque primitivo. Aparte de esto, da la impresión de que a partir de cierto momento se dejan ir, dando rienda suelta a algo que cuesta mucho mostrar en pantalla cómo puede ser la felicidad. Seguimos con Jörgen Thorsson, en un papel que sabe reflejar fielmente a un personaje algo loco, de vuelta de todo y agarrado a la seguridad de un hogar aunque éste esté gobernado por un ser bastante especial. En papeles más secundarios tenemos a Viktor Åkerblom y a Matti Boustedt.

Recomendarla encarecidamente a todo tipo de público que ame lo fantástico. Solo tienen que dejarse llevar y disfrutar de un film que, estamos seguros, alcanzará grandes cotas. La calidad y originalidad están garantizadas.

http://www.terrorweekend.com/2018/05/border-review.html

Hay varias opciones para continuar una saga, y más cuando es de tanto calaje como ésta, se puede optar por seguir tirando del hilo, crear un spin-off de algún personaje como tanto está de moda ahora en las series, o se puede intentar intercalar una historia entre las ya existentes si la continuidad entre partes lo permite. Ésta es la opción que nos ocupa y el hueco que han encontrado se sitúa entre la original y la segunda parte.

El todavía anónimo por el momento Jigsaw viaja a México de manera desesperada en busca de una cura totalmente experimental y arriesgada para tratar de eliminar el cáncer que le está consumiendo. Las cosas no saldrán como él espera, pero lo que no pueden ni llegar a imaginar estos médicos que ofrecen dicha cura, es a quién han intentado engañar.

Ojo cuidado y aviso a navegantes, a pesar de que esta pudiera ser la película 1.5 dentro de la saga, no sería correcto visualizarlas en este orden, ya que aunque sobre el papel es anterior a todas las demás en el tiempo, no lo es en cuanto a spoilers, en esta nueva parte de la saga se van a poder ver cosas que te destrozan la incógnita de muchas de las obras posteriores, se complementan, miran al espectador directamente y le guiñan el ojo, pero si no has visto la segunda, tercera o cuarta parte te las destroza, incluida la escena post créditos. Por lo tanto se puede decir claro que es una nueva obra para los seguidores de la saga en forma casi de homenaje, para el público fiel que al menos ha visto hasta la cuarta o quinta parte. Un homenaje que pasa por resucitar al mito, Jigsaw (Tobin Bell) y a Amanda (Shawnee Smith) como no podría ser de otra manera, ya que es lo que realmente se echa en falta en esta larga saga.

Lo importante antes de empezar a dar leña o sacar la sierra a pasear, que cuadra mejor para la ocasión, es que Saw X logra hacer que te revuelvas en la butaca, ¿y a caso no hemos venido a esto? por lo tanto, el objetivo principal se ve cumplido, es incluso entretenida o cerca esta de serlo, al menos para los que hacemos el acto de fe de inconsciencia necesaria que esta saga ha solicitado desde el principio de los tiempos y que a nadie asiduo sorprende. Las pruebas siguen siendo originales y los efectos magníficos, mejor que buenos incluso. Por todo ello las tres estrellas.

El máximo responsable de la última entrega es el director Kevin Greutert quien ya dirigió Saw VI y Saw VII. Lo que me explota la cabeza de este largo montaje es que el responsable es el propio director, quien se encargó además del montaje de Saw, Saw II, III, IV, V y VIII, un tipo que tiene el culo pelado de mezclar Saw, me sorprende que se haya conformado con el resultado final. El montaje sufre de sobrexposición en cuanto a detalles muy básicos y hasta ridículos se refiere, además flashbacks en general, que aunque marca de la casa, en este caso se remiten a cosas que han ocurrido hace apenas unos minutos. Por otro lado existe un gazapo en una frase de una de las víctimas relevante a otro personaje del que no pueden saber nada. Y quizás lo que me duele más todavía, es la ridícula escena de John, Amanda y el niño solitario saliendo de la casa en medio de un haz de luz como una familia feliz, como si acabáramos de asistir a la última comedia dramática de película de mediodía y siesta, de superación del cáncer en que John Kramer gracias al amor incondicional de su familia ha logrado eliminar la metástasis. Los guionistas lo pueden escribir, lo puedes incluso grabar, pero una vez estás montando la décima película de la saga más gore y sangrienta de todos los tiempos no puedes incluir esto, no es posible.

Dar por hecho que el público es tonto o que no va a ser capaz de entender o deducir la trama es doliente. Aunque no estuviese bien explicado es incluso mejor poder debatir sobre la trazabilidad de ciertas escenas que el esfuerzo que supone mostrar todo con planos absurdos de fajos de billetes con el nombre de sus propietarios.

Las cabezas pensantes o dicho de otra manera, los responsables al guion son Josh Stolberg y Pete Goldfinger que además son el tándem que escribieron Saw VIII y Spiral: Saw, así que no les viene de nuevo lo de crear máquinas de matar. Ahora bien, no se de dónde han sacado la Identificación empírica con los personajes de John Kramer y Amanda Young, ¿De dónde ha salido el moralismo que no encontramos en las dos primeras partes y mucho menos en la tercera? Me hace pensar que o no han hecho los deberes, lo cual no me cuadra viendo su historial o han tratado de blanquear a John y Amanda, que en realidad es un punto de vista, el que sean más justos que vengativos me refiero, a mí me gustaría bastante más para la saga, pero no es esa la realidad que se nos ha contado y cambiarla ahora es poco pulcro.

Por otra lado la ubicación en el tiempo se encuentra entre Saw y Saw 2 pero Amanda es visiblemente mucho mayor, escandalosamente mayor para creer que es anterior a la Amanda de Saw 2. Hay que tener en cuenta que no buscamos credibilidad, sino emociones fuertes que nos hagan cerrar los ojos y retorcernos en la butaca como ya dije antes, pero que pasa con el trabajo de maquillaje en este aspecto.

Como anécdota decir que existe una escena poscréditos, spoiler de Saw IV en adelante, con aparición estelar de uno de los compinches de Jigsaw, es este tipo de escenas lo que nos gusta ver a los amantes de la saga.

Es una lástima que con tan sólo un nuevo montaje, con tijera y algo menos de duración y obviando la sobrexposición podríamos estar puntuando el film con una estrella más sin problemas, la conclusión final para no malmeter a los que quieran seguir disfrutando de la saga, es que esta película debe ser vista por los fans, disfrutada como lo que es, otro capitulo más de sadismo y escenas difíciles de mirar.

https://www.terrorweekend.com/2023/09/saw-x-review.html

¿Habéis estado en alguna ocasión en una situación complicada donde desearíais no haberos metido? Pues lo vais a sufrir en vuestras propias pieles. Sin monstruos ni ficción innecesaria, donde nadie es quién parece ser y lo inmoral se vuelve correcto. Atrapados en un espacio cerrado sin salida.

Unos delincuentes de poca monta deciden dar un golpe que les aparte de su desafortunada vida en su ciudad natal, Detroit. A priori su objetivo es sencillo, el asalto a una casa con una cantidad grande de dinero cuyo único guardián es un hombre ciego y su perro.

El artífice de todo esto es el director y guionista que nos hizo vibrar en 2013 con la versión más sangrienta que podíamos imaginar en nuestras mentes del remake de Evil dead de Sam Raimi, el uruguayo Fede Álvarez.

En su segundo largometraje el director ha ahorrado en sangre y ha añadido suspense en un film donde sobrevivir no está asegurado. La tensión es la que domina el tempo y la que nos mantendrá enganchados a las butacas suspirando y a la espera de algún sobresalto que nos termine de acongojar. No Respires, como ya os habréis dado cuenta y aunque mantiene el horror en su plano principal, comparada con su ópera prima, son dos películas totalmente distintas.

La historia nuevamente está coescrita por el propio director y Rodo Sayagues, tándem que funcionó anteriormente y que en esta ocasión ponen todo de su parte para cerrar punto por punto la historia y no dejar ningún descosido al aire, y sin querer dañar la narrativa en sí, quitando la parte de lo aburrido y popular de la vida de la protagonista, la que a mí personalmente me importa poco para la historia, el resto está bien escrito.

En el apartado técnico repite Roque Baños como encargado de la música quien junto a la fotografía oscura de Pedro Luque, crean la ambientación tan necesaria y la convierten en un punto fuerte dentro del film.

A destacar, varios planos secuencia, así como las escenas sin luz que añaden mucho juego a una historia que de por sí ya ahoga. Experimental en algunos puntos, pero funciona.

El elenco de actores es en “petit comité” formado por Daniel Zovatto, Dylan Minnette y los dos que destacan por encima de estos, Jane Levy a quien veremos sufrir de lo lindo y Stephen Lang interpretando al anciano invidente en un registro sorprendente. Hay que remarcar la aparición de un rottweiler que aunque no aparece en los créditos tiene sus momentos de protagonismo.

No apto para cardiacos.

http://www.terrorweekend.com/2016/08/no-respires-review.html

Antes de empezar quiero destacar que para disfrutar al 100% del trabajo del director Yeon Sang-Ho es recomendable visionar junto a Train to Busan su anterior trabajo Seoul Station (review). No entraré en detalles pero ambas explican el mismo acontecimiento pero desde distintas perspectivas. Ahora sí que podemos entrar en materia. Cine zombie de nuevo... pero como buenos amantes del terror no debería sorprendernos el encontrar cada temporada con casi una docena de este sub-género dentro del extenso mundo del terror. Por suerte para nosotros el toparnos con Train to Busan significa el poder disfrutar de una de las mejores cintas del género desde hace bastantes años. Si bien es cierto que no va a aportar nada que no esté inventado ya, el disfrute que produce ver esta cinta solo es equiparable al que sentí con el visionado de Mad Max: Fury Road. Vamos, que la película va cuesta abajo y sin frenos, todo una locura y una delicia visual que no deja descansar al espectador durante sus 2 horas de duración.

Sok-woo junto a su hija Soo-ahn cogen el tren de alta velocidad para ir a ver a su madre. Aunque Sok-woo no tiene ganas de ver a su ex-mujer la presión de su hija le hace ceder. Lo que no esperaban es que en este mismo tren un viajero un tanto especial les acompaña. Una infección zombie ha nacido en las estaciones de Seoul donde ellos cogieron el tren y a bordo se ha colado un infectado. La lucha por la supervivencia se desatará entre los vagones.

Yeon Sang-Ho se ha ganado un nombre destacado en la industria de la animación para adultos tras cosechar varios premios y grandes críticas con sus trabajos, The King of Pigs y The Fake, donde destaca su crueldad y frialdad a la hora de retratar a nuestra sociedad. Para este 2016 nos tiene preparados dos cintas al precio de una, como dije al principio Seoul Station narrará los hechos acontecidos en la estación, mientras Train to Busan da un paso más allá y nos explica cómo "viaja" esta epidemia. La primera en forma de animación y con la cinta que nos ocupa el director surcoreano se estrena en el live action.

El director se encarga de seguir mostrando al espectador la parte más podrida del ser humano, pero a su vez nos muestra la otra cara de la moneda con el personaje interpretado por una estratosférica Kim Soo-ahn que pese a contar con compañeros de reparto del calibre de Dong-seok Ma que firma su mejor actuación hasta la fecha o Yoo Gong que sabe como cargar con el peso del film, la pequeña Soo-ahn sabe como destacar por encima del resto con una actuación tan convincente como conmovedora.

Cuando salí del cine tuve esa sensación de haber visto algo que se lleva intentado realizar año tras año pero que nadie había podido dar con la fórmula correcta. Tal vez siempre haya estado allí, pero solo el director Yeon Sang-Ho ha sabido exprimir al 100%. Acción, terror, humor, aventuras, amor. Una verdadera montaña rusa de emociones en tan solo dos frenéticas horas.

Atentos porque la dupla de zombies que nos llega desde corea este 2016 marcará un antes y un después.

http://www.terrorweekend.com/2016/06/train-to-busan-review.html

Una película especial la de One Cut of the Dead, una que no se olvida fácilmente, y es que la originalidad de esta cinta es absoluta. Sí que he visto cintas de metacine (películas dentro de películas) y algunas muy buenas, hablando exclusivamente del género de terror y similares tenemos las muy recomendable Tesis (1996) o Scream 2 (1997), pero esta cinta va un poco más allá llevando el significado de la expresión a un estado literal.

Un pequeño equipo está rodando una sencilla película de zombies en una nave industrial. En un descanso del rodaje los actores se percatan de que algo raro está ocurriendo afuera, un ataque de zombies reales se está acercando.

Película con una buena parte rodada en plano secuencia (con la dificultad que esto supone) cuenta la historia de un equipo de producción y realización que debe luchar contra viento y marea (y contra la ley de Murphy) para terminar un mediometraje que se está emitiendo en directo. Con estos elementos nos queda una comedia extraña pero absolutamente deliciosa que atrapa al espectador a la larga y que acabará vibrando. Pues esta cinta esconde muy bien sus cartas, lo que al principio parece una tosca, ridícula y amateur cinta de terror se va transformando en una carta de amor al cine, con un sacrificado director, un reparto inmerso hasta el extremo y, sobretodo, un absoluto homenaje al equipo de producción, tantas veces olvidados y de tantísima importancia detrás de la cámara, ellos se convierten sin prácticamente hablar en los auténticos protagonistas de esta imposible película.

Dirige y escribe Shin'chiro Ueda en su segundo largometraje tras la comedia Neko bun no 4 (2015), en términos de dirección su trabajo es más de coordinación de elementos que de una dirección “clásica” propiamente dicha, donde si que destaca es en su guion, pues en un interesante trabajo con varios niveles de desarrollo además de tener una comedia con grandes momentos totalmente absurdos. Protagoniza Takuya Fujimura en el papel de director y actor accidental, un gran trabajo del actor que simpatiza con el espectador.

Recomiendo esta cinta por muchos motivos, porque es divertida, porque es una película de zombies como nunca antes la habíamos visto, pero sobretodo la recomiendo por ser un justo y merecido homenaje a todo el trabajo que hay detrás de la cámara para realizar un efecto especial o conseguir un plano en concreto. Si tienes la oportunidad de verla, dale ahí.

http://www.terrorweekend.com/2018/08/one-cut-of-dead-review.html