Esta película es una metáfora del arte, una belleza extremadamente tejida y construida a base de un compendio de géneros cinematográficos nunca antes escritos que no harán otra cosa que emocionarnos con las familias que suben y bajan de escala social //

Una metáfora de la vida, la cual nos recuerda a cualquiera de las vidas que nos rodean, la manera de dirigir esta película se resume en como los personajes observan a su alrededor a través de sus ventanas, algunas por debajo de la tierra con barrotes y otras en lo alto de las colinas //

Una metáfora de los sueños, donde el cine literalmente nos mira a los ojos, nos abre en canal y entendemos que a veces las oportunidades que nos brindan suceden sin ninguna explicación y fluyen como gotas de agua en una casa totalmente inundada y recordamos lo que verdaderamente nos importa cuando todo ha pasado, todo sigue igual.

Sin duda una de las grandes películas del año difícil de olvidar.

PD: El humor de esta película es tan negro, macabro y sádico que es lo que la hace entrañable e inolvidable.

“Vive la pédophilie, bravo la pédophilie” gritaba la actriz de Retrato de una mujer en llamas (Céline Sciamma, 2019), Adèle Haenel, mientras abandonaba la ceremonia de los premios César de la academia de cine francés. Roman Polanski, nuevamente acusado de violación, acababa de ganar con su película El oficial y el espía el galardón a mejor director. Este hecho empujó de forma literal a la actriz y al personaje, víctimas que han sufrido el abuso de hombres que se han sentido por encima de ellas, a no volver a ver la imagen del director. Este acto reivindicativo confirma el aura que rodea al film contra los sistemas sociales cisheteropatriarcales y que la isla propuesta por Céline Sciamma donde instala la película, una sociedad regida por mujeres, sigue siendo una utopía frente a la realidad. La directora francesa ha ido construyendo a lo largo de su filmografía un imaginario que tiene como ejes esenciales la representación de la intimidad y la relación entre mujeres. Universos momentáneamente atípicos donde la cuestión social está en el centro. Así, el arranque de la cinta comienza con Marianne, una pintora del S XVIII sentada ante sus alumnas para enseñarles cómo mirar a la mujeres, apreciar la feminidad, los gestos, las miradas,...“¿Ser libre es estar sola?” le susurra Héloïse, la musa, a Marianne. Con este film Sciamma quiere desdibujar cualquier rastro sutil al hablar de la libertad de las mujeres.

Uno de los elementos que articula la película es el propio retrato del título. Un retrato que Marianne quiere dejar plasmado como garantía de supervivencia a su amor y al de la propia mujer. Sciamma recurre al influjo de la música como desencadenante del surgimiento del propio deseo amoroso. Una línea que inicia la progresión de su amor a través de la tecla de un piano en un cuarto vacío hasta la monumental sinfonía de un teatro abarrotado. Esta propuesta musical encuentra la clave entre estas escenas en la comunión de mujeres alrededor del fuego. “Non possunt fugere”cantaban, una adaptación de la frase de Friedrich Nietzsche “cuanto más nos elevamos, más pequeños nos parecemos a aquellos que no pueden volar”. Sciamma utiliza el fuego como dispositivo fílmico y reaccionario que eleva sus chispas hacia el cielo. Un fuego que se pone en escena entre Marianne y Héloïse proponiendo un juego de miradas que anticipa la pasión entre ellas, el inicio de un rito entre mujeres.

Volver a ver por primera vez….y por segunda.

La cineasta oriolana Elena López Riera plantea en sus películas la idea de la repetición del gesto como manera de crear una colectividad, el rito como punto de construcción social. Una propuesta visual que conecta con la idea de Sciamma de dejar constancia con la repetición de gestos a través del rito. Hay algo en las imágenes que explicita la propuesta de la directora y que nunca han estado presentes en la historia del cine. Como la escena del aborto donde primero se produce y después se reproduce. Héloïse le indica a Marianne que pinte ese acto, acto que no hace más que significar la manera de fijar el gesto en la memoria colectiva, reelaborar un nuevo mensaje a través de esa imágen.

No es de extrañar que Retrato de una mujer en llamas persista en la idea de la apropiación de la imagen, no para representar la realidad en la que viven Héloïse y Marianne, sino para re-contextualizar su significado. Cuando la madre de Héloïse encarga a Marianne el retrato de su hija sin que ella lo sepa, está presente la idea de la reelaboración. Un cuadro sin rostro encontrado por la pintora incide en la visión de re-contextualizar el discurso con una nueva imagen a partir de la anterior. Además Sciamma no es nada sutil al subrayar su propuesta feminista sobre todo en el travelling hacia Héloïse, hacia su mirada. Una lección que propone como retrato de la propia película. Es la última vez que va a ver esa imagen y la mirada de Marianne y la directora se fusionan. Entra el mecanismo fílmico dentro de la mirada de la protagonista. Un perdurable zoom in pone de relieve el compasivo gesto de la directora con su musa, el de todas las mujeres que no tienen elección, el retrato de una mujer bañada en lágrimas que brotan de su corazón de fuego.

A través del retrato Sciamma reivindica la filmación de la realidad que va mucho más allá de la pura observación. Esta insistencia por retratar la intimidad de las mujeres forma parte del discurso de Sciamma y no es casual la historia de amor entre Marianne y Héloïse. Esta obra traza las líneas de nuevos referentes femeninos que no se callan por las injusticias y son piezas clave de la visibilización de personajes lésbicos en el cine. Ser libre no es estar sola.

Una película con alma propia.

Un estilo y una forma que nos traslada fantasmalmente por el mundo arquitectónico de la ciudad de Columbus a través de dos personajes irreversibles.

Dos personas que intercambian entre ellos lo que les emociona, lo que les guía en la vida, sus sensaciones, todo a través de la gran belleza en lo habitable de sus edificios favoritos de la ciudad, y con una gran firmeza y elegancia por parte del director que nos hace participes de apreciar lo delicado y gratificante que es observar la realidad que te rodea.

La biblia no es un arma violenta, cuando te tomas literalmente las palabras de un libro que ha tenido tanto poder a lo largo de la historia puedes causar graves problemas en la libertad individual de cada persona // Esta película sirve como arma política en el sentido de dar verdaderas respuesta a muchas de las obsesiones que "supuestamente" persigue la Iglesia. Relativizar. Amar. Aceptar

Magnificas interpretaciones que cristalizan la fuerza y la valentía que hay que tener para aceptarse a uno mismo, grande Lucas Hedges y Nicole Kidman

Cada vez que veo esta película siento la necesidad de luchar, de pertenecer a un colectivo, de sentirme orgulloso.

La película muestra una realidad mortal donde la ignorancia era tu enemigo y el conocimiento un arma. Esta situación ocurría en los años 90, la medicina ha avanzado mucho pero seguimos con la misma mentalidad y hay que rescatar esos mensajes, la película engrandece su cometido convirtiéndose en una arma política.