Un coche pasa por un túnel de lavado. Ruido de agua a presión. Ruido de los rodillos. En el interior una familia, silencio.
6:00 am. Suena un despertador. Unos pies se ponen las zapatillas. Unas manos abren las cortinas, cogen un albornoz, usan un cepillo de dientes, se atan los zapatos, echan de comer a unos peces, preparan el desayuno y finalmente comen.
Así empieza la película, en la que no vemos los rostros de los protagonistas en los 10 primeros minutos. Se nos muestran los objetos materiales de su vida a los que viven apegados por poco que signifiquen. Este tipo de planos serán comunes a lo largo de la película.

Se trata de la vida de una familia burguesa austriaca con una vida acomodada. ¿Pero hay algo más allá? Vemos unos personajes sumidos en el tedio, con una vida monótona y que se dan cuenta de ese sinsentido un día en el túnel de lavado. Ése día deciden dejarlo todo e irse al séptimo continente.

Pero la familia no lo tendrá fácil, basta recordar lo que pasa cuando descuelgan el teléfono para no recibir llamadas; se presentan en su casa dos operarios y les informan que la ley prohíbe descolgar el teléfono. Se ven en medio de un mundo que no los comprende; el jefe del marido cree que se va porque le han ofrecido un empleo mejor, la dependienta del supermercado se piensa que tienen visita por eso compra tanta comida, en el banco les extraña que quieran retirar todo el dinero, a la escuela dicen que la hija ha pillado la gripe.
Haneke critica en su primera película el materialismo, el vacío de la vida moderna y al mismo tiempo el funcionamiento de la maquinaria del sistema que deshumaniza a las personas. Esa crítica del materialismo deviene en ataque directo al espectador en la magistral escena en que la familia se deshace de todas sus posesiones, destroza la casa. Es una escena de gran violencia hacia los objetos y hasta el que se crea menos materialista no puede evitar sentirse incómodo con esas imágenes.

Al final sólo nos queda pensar de qué sirve tener el coche limpio si dentro de él no pasa nada importante para nuestras vidas, de qué sirve aparentar llevar una vida agradable si por dentro no tenemos nada que ofrecer. De qué sirve pasar por este mundo si no tiene más interés que la pantalla de un televisor que no está sintonizado.

Son (hijo), Kid (niño) y Boy (chico) son tres hermanos que viven un pueblo a medio camino de ninguna parte tan propios de la américa profunda. Esos nombres se los puso un padre alcohólico que los abandonó y una madre odiosa. Los hermanos se dedican a deambular por la ciudad y viven los tres bajo el mismo techo de una pequeña casa. Son (Michael Shannon) trabaja en la piscifactoría local y en sus ratos libres se dedica a perfeccionar un sistema para ganar a las cartas en el casino, cosa que le acarrea algunos problemas con su mujer, pues de momento suele perder.

Un día aparece la madre en su casa, les dice que su padre ha muerto y que si quieren saber cuando es el funeral que lo miren en el periódico; ella, por descontado, no asistirá.
Es en el funeral cuando conocemos a la otra familia del padre, que representan como una especie de antítesis (poseen tierras, conducen camionetas nuevas y viven en una casa grande) pero en el fondo se parecen mucho. Allí, Son, dice unas palabras sobre su padre que no gustan y surge el conflicto.

Esta es una de las películas en las que las emociones se cuecen en el interior de los personajes. Son tranquilos, reservados y parcos en palabras. Una cadencia musical (del grupo de Ben Nichols: hermano del director) lenta que acompaña a la película muy bien. Los personajes se nos presentan con retazos de su vida expuestos en escenas cortas que se van separando con algún fundido.

Hay mucha violencia en la historia, pero Jeff Nichols apenas nos la muestra. La venganza se apodera de la trama, pero no se trata de la típica historia de venganza aunque lo parezca. (1)
Por otra parte la película nos habla del problema de educar a unos hijos inculcándoles el odio (aún siendo racional) hacia alguien. En este caso hacia un padre que abandona a los hijos. (2)
Y enlazando estas dos ideas se diría que está ahí la libertad de un hijo para elegir por si mismo qué camino seguir independientemente de la opinión paterna.

Al ver esta película de Almodovar poco después de estar leyendo a Federico Gracía Lorca, no he podido evitar ver notar una gran cantidad de reminiscencias de la obra del segundo en la del primero. En la obras de Lorca, sobre todo en el Poema del Cante Jondo y el Romancero Gitano, se muesta lo mas profundo de España. Lorca parece que consiguiese ver a través de la huella genética y con su intuición poética traernos toda nuestra historia desde los tiempos tartessicos y Almodovar cogiendo el testigo nos trae algo de ese legado a esta película.

La película se inicia con una escena en un cementerio azotado por un fuerte viento. Así ya se nos introducen dos temas de la poesía de Lorca.
Uno es la muerte. Decía Lorca "En todos los paises la muerte es un fin. Llega y se corren las cortinas. En España, no." Así pues nos encontramos en un país con una 'cultura de la muerte' que todos podemos sentir en torno nuestro, ya sea con ejemplos como los toros o la semana santa. Si bien es cierto que ambas cosas podrían remitir al mismo caracter religioso y dionisíaco. En la liturgia d elos toros, de la misma manera que en la misa, se adora y se sacrifica a un Dios. (1)
El otro es el viento, que nos remite a la poesía del mismo título que le he puesto a esta crítica. Dicha poesía nos habla de una violación (otro tema importante de la película) en la que se 'antropomorfiza' el viento que es el que persigue a Preciosa. Se dice que los gitanos tienen mucho miedo al viento, al que llaman el estornudo del diablo y en ciertas aldeas se cree que este miedo "proviene originalmente de la creencia de que un fuerte viento puede dejar embarazadas a las mujeres" (Al sur de Granada, Gerald Brenan).

En otra escena de la película le preguntan a un personaje si no han denunciado la desaparición de su madre a la policía y ella dice que no, que tienen que lavar los trapos entre ellas. Aquí es obvio el tema de la Guardia Civil, enemiga del gitano.

Después tenemos también el cante flamenco, en una escena que se centra completamente en eso, aunque quizás sea una de las que menos funcioan en la película.


Quizás no casualmente sea Lorca nuestro poeta mas universal y Almodóvar nuestro cineasta mas universal.

(1)Dionysos se representaba muchas veces en la forma de un toro que se sacrificaba mediante un sparagmos y cuya carne se comía en esa celebración llamada omophagia. El misterio mitraico consistía en sacrificar un toro cuya sangre da el vino y cuyos testículos dan los cereales. EL día de su celebración era el 25 de diciembre y su sede en Roma fue el lugar ocupado hoy por el Vaticano. Dionysos es también el dios del vino (Las religiones mistéricas, ÁLvarez de miranda).

Paul Haggis brinda aquí a Clint Eastwood un magnífico libreto el mismo año en que estrenaba Crash, aunque ambas compitieran en los Oscar en años distintos. Al final Million Dollar Baby ganó el Oscar a mejor película y Paul Haggis se tuvo que conformar con una nominación al mejor guión adaptado. Pero al año siguiente Crash ganaría el Oscar a mejor película y Paul Haggis el de mejor guión original.

Llegados a este punto supongo que ya os habréis dado cuenta de que he venido a hablar del guión más que nada ya que supongo que se habrá dicho todo del bueno de Clint a estas alturas.

Esta película cuando la vi al poco de estrenarse no me había gustado mucho, pero con el nuevo visionado que le dí hace unos días me ha maravillado. Con esta nueva oportunidad que le he dado he descubierto el magnífico guión que tiene y que me ha recordado al de El Apartamento (Billy Wilder). ¿Por qué? Por todos esos tesoros enterrados que se pueden encontrar en él. ¿A que me refiero con tesoros enterrados? Supongo que los que hayáis visto El Apartamento recordaréis la importancia en la trama de detalles como un espejito roto, una raqueta de tenis con la que se escurren unos espaguettis, la pistola de la cuál Jack Lemmon cuenta una historia a Shirley McLanne para consolarla...

Pues bien, en Million Dollar Baby también encontramos algunos de éstos 'tesoros enterrados' —la denominación no es mía, pero me gusta— que emergen al final de la película y que pasaré a exponer en el spoiler.

Empieza fuerte y da la impresión de que se va a tratar de una película sobre la agorafobia del protagonista, pero pronto pierde el rumbo. A pesar del trabajo de cámara en mano el resultado es mejor en este aspecto que en otros mareante filmes de terror reciente.
En la segunda parte la agorafobia pasa a un segundo plano y se centra más en el tema de la violencia de los adolescentes (tema que dentro del género ya fue tratado de forma mucho más interesante en Eden Lake), no dejando lugar para la duda respecto a los chavales desde el momento en que el único personaje que alberga algo de esperanza en ellos mueren a manos de los mismos.
Pero estos temas finalmente se quedan en esbozos y en el tercio final se deja permear la verdadera ideología del film; un discurso nazi que ni Leni Riefenstahl y que culpa a los toxicómanos de los problemas de la sociedad y en la que el acto heroico del protagonista resulta ser el explotar un edificio con niños dentro (hijos de toxicómanos) a modo de Solución Final.
Finalmente queda la duda de en que estaba pensando Ciaran Foy cuando, al escribir el guión, decidió cargarle con la responsabilidad de todos los problemas de la sociedad a una yonki en una simple línea de diálogo. No sabemos si fue un patinazo a la hora de intentar hacer más interesante su película dándole profundidad crítica (en mi caso preferiría no haberlo sabido) o si realmente es lo que piensa este señor. En ambos casos resulta lamentable.