La sustancia es una provocadora y visceral obra de terror corporal que combina sátira social y crítica feminista con una estética tan grotesca como hipnótica. Coralie Fargeat, directora de Revenge, regresa con una película que no busca sutilezas: su objetivo es incomodar, confrontar y dejar cicatrices.

Demi Moore interpreta a Elisabeth Sparkle, una exestrella de televisión fitness que, tras ser despedida por su edad, recurre a un suero clandestino que promete devolverle la juventud. El resultado es Sue (Margaret Qualley), una versión más joven y perfecta de sí misma. Sin embargo, el procedimiento exige compartir el cuerpo en turnos, lo que desencadena una lucha interna por el control y la identidad.

La película destaca por su audaz crítica a la cosificación del cuerpo femenino y la tiranía de la juventud en la industria del entretenimiento. Fargeat utiliza el horror corporal no solo para impactar, sino para subrayar el sufrimiento físico y emocional que conlleva la presión social sobre las mujeres para mantenerse jóvenes y deseables.

Visualmente, La sustancia es un festín de imágenes perturbadoras que recuerdan a clásicos del género como La mosca o El retrato de Dorian Gray. La dirección de fotografía y el diseño de producción crean una atmósfera opresiva que refuerza el mensaje de la película.

En resumen, La sustancia es una película que no deja indiferente. Su mezcla de horror, crítica social y actuaciones destacadas la convierten en una de las propuestas más audaces y memorables del año.

Los chicos de la Nickel es una adaptación cinematográfica de la novela ganadora del Premio Pulitzer de Colson Whitehead, dirigida por RaMell Ross. La película narra la poderosa amistad entre dos jóvenes afroamericanos que atraviesan juntos las duras pruebas de un reformatorio en Florida durante la era de la segregación racial .

La dirección de Ross se caracteriza por una narrativa audaz y experimental, utilizando una perspectiva en primera persona que sumerge al espectador en la experiencia subjetiva de los protagonistas. Esta elección estilística ha sido elogiada por su capacidad para transmitir la brutalidad del entorno sin recurrir a representaciones explícitas de violencia .

Las actuaciones de Ethan Herisse y Brandon Wilson, en los roles de Elwood y Turner respectivamente, son destacables por su profundidad y autenticidad. La química entre ambos actores refuerza la verosimilitud de la relación entre los personajes, aportando una dimensión emocional que sostiene la narrativa.

La cinematografía de Jomo Fray y la banda sonora compuesta por Alex Somers y Scott Alario complementan la visión artística de Ross, creando una atmósfera que oscila entre lo lírico y lo perturbador. La película ha sido reconocida por su innovación visual y su enfoque sensible hacia temas complejos como el racismo institucional y la pérdida de la inocencia .

Los chicos de la Nickel es una obra que desafía las convenciones del cine histórico, ofreciendo una experiencia cinematográfica que invita a la reflexión y al diálogo sobre las injusticias del pasado y su resonancia en el presente.

Aún estoy aquí es una obra que trasciende el cine para convertirse en un acto de memoria colectiva. Walter Salles regresa al drama político con una sensibilidad que evita el panfleto y abraza la humanidad de sus personajes. Basada en las memorias de Marcelo Rubens Paiva, la película reconstruye la vida de Eunice Paiva, madre y esposa, cuya existencia se ve fracturada por la desaparición forzada de su marido durante la dictadura militar brasileña .

Fernanda Torres ofrece una interpretación contenida y poderosa de Eunice, transmitiendo el dolor y la determinación de una mujer que, enfrentada a la represión estatal, se convierte en defensora de los derechos humanos. La presencia de Fernanda Montenegro como la Eunice anciana añade una capa de profundidad emocional, conectando pasado y presente con una sutileza conmovedora.

La dirección de Salles se caracteriza por una narrativa sobria y respetuosa, que permite que la historia hable por sí misma. La fotografía de Adrián Teijido y el diseño de producción de Carlos Conti recrean con precisión la atmósfera de los años setenta, sumergiendo al espectador en una época de incertidumbre y miedo.

La película ha sido reconocida internacionalmente, siendo galardonada como la mejor película internacional en la 97.ª edición de los Premios Óscar y destacada por su impacto en la recuperación de la memoria histórica.

Dune: Parte Dos es un coloso visual y narrativo. Denis Villeneuve no solo continúa la historia donde la dejó, sino que amplifica su escala, complejidad y ambición. Si la primera parte era una introducción densa y ceremoniosa, esta secuela es una explosión de conflictos, misticismo y consecuencias. El director logra lo que parecía imposible: adaptar con fidelidad emocional uno de los tramos más crudos, filosóficos y visionarios de la novela de Frank Herbert.

Timothée Chalamet muestra una evolución notable en su interpretación de Paul Atreides. Su transición de joven heredero atormentado a figura mesiánica cargada de contradicciones está llena de matices. No hay triunfalismo en su ascenso, sino ambigüedad y una sombra creciente que recorre toda la cinta.

El apartado visual es sencillamente sobrecogedor. Desde los duelos cuerpo a cuerpo hasta las vastas batallas en las arenas, Villeneuve ofrece un espectáculo que equilibra el detalle íntimo con la grandiosidad épica. La fotografía de Greig Fraser y la partitura de Hans Zimmer vuelven a crear una atmósfera opresiva, casi ritual. Cada imagen parece pensada como un grabado mitológico: árido, inmenso, y bello en su desolación.

La película mantiene un ritmo pausado, pero cargado de tensión acumulativa. El guion evita didactismos, confiando en la inteligencia del espectador para seguir una trama que mezcla política, religión, ecología y destino. Dune: Parte Dos no es cine de evasión, sino de inmersión: exige atención, pero recompensa con una densidad emocional poco habitual en el cine comercial contemporáneo.

No es perfecta. Algunos personajes secundarios reciben menos desarrollo del esperado y el desenlace, por su propia naturaleza, dejará divididas a ciertas audiencias. Pero lo que ofrece Villeneuve es cine de gran autoría disfrazado de superproducción, una rareza que merece celebrarse.

A Complete Unknown es un biopic atípico. Lejos de querer abarcar toda la vida de Bob Dylan, la película de James Mangold se concentra en un momento clave de su carrera: su transición del folk acústico al rock eléctrico a mediados de los años 60, un gesto que dividió a su público y que terminó por cimentar su leyenda.

Timothée Chalamet sorprende con una interpretación que evita la caricatura o la imitación plana. No busca "hacer de Dylan", sino canalizar su ambigüedad, su voz interna, ese aire de distancia casi impenetrable que siempre lo ha acompañado. Su presencia transmite juventud, inseguridad y al mismo tiempo una voluntad férrea por definirse a su manera.

Mangold acierta al evitar una estructura biográfica convencional. La narrativa fluye como una canción de Dylan: llena de cortes, contradicciones y ritmo irregular. No hay una voz en off que lo explique todo ni una moraleja clara. En su lugar, se nos presenta a un artista que huye de etiquetas y que se resiste, incluso frente a la cámara, a ser fijado en una imagen definitiva.

La dirección es sobria, con momentos musicales potentes pero sin caer en la hagiografía. El diseño de producción reconstruye con eficacia la escena folk de Nueva York, las tensiones con la prensa y el entorno cultural del Greenwich Village, sin convertirlo en una postal nostálgica. Hay roces con la industria, con sus contemporáneos y consigo mismo. El Dylan que aparece aquí es tan fascinante como escurridizo.

A Complete Unknown es más sugerente que explicativa, más sensorial que cronológica. Para algunos puede resultar frustrante, pero es precisamente en esa indefinición donde se siente más auténtica.