El reciente Oscar al mejor documental son siete horas y media (divididas en 5 episodios) de una brillante exposición sobre el ascenso y caída de O.J. Simpson, un afroamericano de extracción humilde subido a los altares sociales gracias a su habilidad como deportista. De como Simpson hizo uso de esa fama, del trágico asesinato de su segunda esposa y un amigo por el que fue juzgado y del contexto social discriminatorio y racista para la comunidad negra en que todo ello ocurrió a lo largo de los años, nos habla Ezra Edelman.

Y lo hace con buen pulso narrativo, mezclando el formato tradicional de los documentales al uso, con relevantes imágenes de archivo y una muy cinematográfica utilización de las localizaciones y sus atmósferas, consiguiendo mantener la tensión y el suspense en unos hechos a pesar de que sabemos su resolución de antemano. Consigue por otro lado el testimonio de la mayor parte de los implicados en los momentos relevantes de la vida de O.J. El resultado es apasionante y descorazonador.

Tanto tienes, tanto vales. O.J. se vió atrapado y beneficiado al mismo tiempo por ser un héroe para dos comunidades que venían enfrentándose desde el mismo comienzo de la llegada de los colonos al nuevo mundo. Siglos de explotación y odio acumulado. Simpson gracias a sus triunfos deportivos vivió como un blanco adinerado y se mantuvo al margen del sufrimiento generalizado de los de su raza, por un sistema judicial y policial brutal que gozaba de total impunidad. Cuando sus propios problemas personales de convivencia familiar (aquí uno de los puntos más débiles del documental) concluyeron con el asesinato de su mujer y un amigo, Simpson, su dinero y sus abogados no tuvieron el menor pudor en utilizar la baza racial para aprovechar los deseos de siglos de venganza en salvar el culo en definitiva a un rico y famoso. Ejemplo poco edificante de como los que consiguen superar las adversidades de su condición se aprovechan de los que nunca han podido conseguirlo, en su propio beneficio.

Por el camino vemos policías corruptos y racistas, amigos interesados, abogados "demasiado listos y demasiado tontos", olvido y desprecio hacía las víctimas, pruebas evidentes de delitos que no lo son tanto si uno tiene dinero, jurados nada imparciales, y manipulación de la opinión pública por los medios que ofrecen a cada uno lo que quiere ver y oír. En definitiva una cata del mundo en que vivimos.

O.J. saldrá a finales de este año de prisión. Tiene 70 años y su inmenso ego puede que aún nos reserve algunas sorpresas.

!Ah...!, aquellas comedias de los años 30, tan despreocupadas, disparatadas, irreales y sobre todo tan divertidas. Reflejo de unos tiempos tan buenos y tan malos como estos para los de siempre pero donde en la igualitaria oscuridad de la sala de un cine aún podíamos creer que el mundo era como en las películas. A sus 45 años en el momento del estreno de esta comedia el maestro Walsh llevaba al menos una cincuentena de películas en sus alforjas desde los inicios del séptimo arte.

La excelente Joan Bennet en pleno florecimiento a sus 22 años empieza a destacar en esta descarada y pizpireta camarera que le da la replica a un maduro Tracy descubierto por John Ford en el teatro y que a dos años de su debut en el cine ya había realizado 16 películas. Se rodaba en poco tiempo, todo iba muy deprisa, casi tanto como el ritmo inigualable que impone a sus cintas Raoul Walsh. Nadie como él para contar tantas cosas en tan poco tiempo, en este caso menos de una hora y media. La acción es constante, mezclando en un batiburrillo alocado y delicioso la trama romántica con la screwboll clásica y el thriller, unos diálogos de metralleta y una utilización de los espacios que ya quisieran muchos directores actuales.

Durante algo más de una hora he vuelto a recuperar la fe en la comedia sin pretensiones y sin prejuicios (esta está rodada antes del código Hays y se nota, entre otras cosas por la mofa y escarnio descarado de la aún vigente en ese momento "ley seca"), bien interpretada y mejor dirigida. Un placer.

Cuenta la leyenda que andaba Wells desesperado por conseguir 55.000 dólares para pagar las deudas contraídas con su espectáculo "La vuelta al mundo en 80 días", sin lo cual no podría estrenar y agarró la primera novela que le pareció sugerente en un puesto de libros de la estación ("Si muero antes de despertar" / Sherwood King / 1938). Acto seguido le sacó los 55.000 a Harry Cohn, preboste de la Columbia a cambio de rodar la novela con él como director y actor, a lo que "el bueno" de Harry añadió a su estrella Rita Hayworth que para mayor inri y morbo estaba casada con el propio Welles aunque hacia ya dos años que ni se hablaban.
No confundir esta novela con otra del mismo título de Cornell Woolrich sobre la que se hizo una película argentina en el 52.

El caso es que ya que Welles tenía que cumplir lo prometido hizo lo que le vino en gana, como casi siempre, aplicando su genio e ingenio sobre una trama enrevesada cuando no disparatada en la que al director solo le interesaba seguir experimentando con su peculiar forma de rodar.
El resultado es un caos que refleja muchos de los despropósitos que acontecieron durante el rodaje y los excesos del director. Dicen que Welles rodó 155 m y como le solía ocurrir le enmendaron la plana en el montaje dejandole solo 86 con muchos planos (sobre todo primeros planos de la Hayworth) añadidos a posteriori o incluso no rodados por él. Hubo un ayudante de cámara que falleció por insolación en el rodaje y que un Errol Flynn borracho (alquilaba el velero "Zaca" que aparece en la cinta, incluso sale su perro) trató de lanzar al mar en una bolsa de lona. Rita Hayworth disparó el presupuesto por su caché y por estar un mes enferma.... El desaguisado era tal que se cuenta que el propio Cohn ofreció mil dolares a quien le explicara de que iba la cosa.
La química negativa entre Welles y su casi ex mujer es tan palpable como la positiva de Bogart y Bacall en "Tener y no tener", y a pesar de que la Hayworth enganchó uno de sus mejores actuaciones no es Bacall, ni Stanwick y Welles tampoco es Bogart, y le puede más para bien y para mal su vena teatral shakespeiriana y su faceta radiofónica (su personaje narra en off la historia como mandan los cánones del género) quedando menos airoso repartiendo mamporros y ejerciendo de trotamundos vividor.
Pero lo que no puede evitar es seguir siendo un genio y entre tanto despropósito afloran multitud de planos y escenas irrepetibles y antológicas que han quedado grabadas en la historia del cine y el imaginario colectivo. Solo por ellas vale la pena dejarnos engañar por los trucos del mago Welles.

En 1946, un año después de que su cuarto film "Roma ciudad abierta", triunfara internacionalmente dando comienzo al rupturista neorrealismo italiano, Rossellini "estrenó" dos películas: "Desiderio" y "Paisá". Aunque la primera la empezó a rodar en el 43, fue interrumpida por la guerra y la terminó Marcello Pagliero al final de la misma cambiando el guión. Su temática sobre una mujer promiscua sexualmente hizo que la censura la hiciera desaparecer. El propio Pagliero había contribuido con Rossellini en "Roma..." y colaboró en el guion de la que nos ocupa.
"Paisá", voz italiana con la que se denominaba a los soldados americanos que liberaron Italia de la ocupación nazi, es un mosaico de seis episodios con seis guionistas diferentes entre ellos Fellini que tomando como hilo conductor el periplo de las tropas americanas en Italia refleja la realidad del país desde distintos puntos de vista, partiendo de lo individual y casi anecdótico para llegar a una generalidad que va más allá del conflicto y de las relaciones entre liberadores y liberados para acabar siendo una reflexión sobre la fragilidad humana y el sinsentido de cualquier guerra.
Rossellini sigue ahondando en el neorrealismo: espacios reales y ausencia de actores profesionales. El resultado a pesar de ser alabado por la crítica no gusta a todo el mundo y se critica el bilingüismo de la cinta y la falta de emotividad ante unos actores excesivamente simples y esquemáticos que no potencian el drama y los dialogos de sus personajes como lo harían los profesionales.
Personalmente pienso que la cinta es una maravilla y que cada uno de los episodios esta rodado con maestría, un ritmo y unos movimientos de cámara precisos que imprimen belleza y desolación a cada uno de ellos en su justa medida. Los personajes son en su desgarradora simplicidad inolvidables y Rossellini acertadamente no enfatiza ni subraya la tragedia que conlleva cada uno de ellos. No creo que se pueda comparar con "Roma...", es otra mirada que bebiendo de las mismas fuentes ahonda en las raíces del desastre.
Las escenas documentales enmarcan el contexto de cada uno de los episodios, impregnados de una fatalidad solo rota por la esperanza del episodio en que los frailes son capaces de sugerir esperanza en aras de algo o alguien superior a las mezquindades humanas.
Rossellini contó con el apoyo de la MGM para la financiación que quizás esperaba otro tipo de film y no una obra tan genial con un tratamiento tan especial como esta.

En el 33 ni Capra era CAPRA, ni Stanwich era LA STANWICH, aunque ya tenían un curriculum formado, sobre todo Capra quien había descubierto a Barbara y trabajado con ella en otras dos películas. Parece ser que Capra deseaba urgentemente un reconocimiento artístico via Oscar y decidió con el beneplácito de la Columbia donde estaba dando buen rendimiento a nivel popular dar un salto "más artístico". El resultado fue la cinta que nos ocupa en base a la novela de Zaring Stone con claras reminiscencias de "The sheik" (George Melford / 1921) y que tuvo el honor de inaugurar el Radio City Hall, mega cine teatro paradigma de la gloria que un día tuvieron las salas de cine. Por contra fue un auténtico fracaso, su peor resultado con la Columbia junto con "Horizontes perdidos", que hizo que nos perdiéramos para la historia a un Capra más en la linea de Von Stemberg y nos quedásemos con el rey de las screwball (comedias excéntricas) con "Sucedió una noche" a la cabeza con la que al fin obtuvo Oscars y acceso al Olimpo.
"El té amargo del general Yen" (¿Qué es eso de las amarguras?) ha sido ninguneada y minusvalorada en la carrera de director y actriz injustamente. Probablemente porque fue prohibida en el imperio británico, porque los espectadores americanos no aceptaban que una blanca occidental culta, de buena familia y misionera para mas señas se enamorara rendidamente de un chino, "salvaje, déspota y cruel" y amarillo por si fuera poco.
Tampoco ayudó mucho las hipocresías de los caritativos misioneros que se dan la gran vida a base de ejercer la caridad con los huerfanitos, que la protagonista en cuestión estuviera a punto de casarse con un doctor como Dios manda y tuviera ensoñaciones (geniales) algo morbosas con el chino y que el representante estadounidense en el país oriental fuera una especie de economista mercenario sin escrúpulos. Esto último se agravó en los años 50. Y para remate al gobierno chino la película no le desagradaba. Asociaciones de mujeres protestaron enérgicamente. Ellas jamás sucumbirían al peligro amarillo. La Stanwyck fue la peor parada (dicción estridente dijo el New York Times) del trió protagonista. Se alabó el maquillaje del danes-sueco Nils Asther haciendo de chino y el oficio y profesionalidad del todo terreno Walter Connolly. Total que la cinta quedó más o menos enterrada aunque hoy día se la revaloriza en su justa medida.