“The Order”, es un magnífico thriller protagonizado solventemente por el actor inglés Jude Law, que encarna a un agente del FBI que debe investigar una ola de robos y violencia ligados al nacimiento de una facción racista.

El film ambientado en 1983, parte con una serie de robos a bancos, operaciones de falsificación y robos de vehículos blindados cada vez más violentos aterrorizan a las comunidades de todo el noroeste de USA. Mientras los desconcertados agentes de la ley buscaban respuestas, un solitario agente del FBI(Jude Law), esta instalado en el tranquilo y pintoresco pueblo de, Idaho, llega a creer que los crímenes no son obra de delincuentes tradicionales con motivaciones económicas, sino de un grupo de peligrosos terroristas nacionales, inspirados por un líder radical y carismático, que planean una guerra devastadora contra el gobierno federal de los Estados Unidos. Cuenta para ellos con el apoyo de un policía local donde se embarcan en una investigación compleja donde muchos esconden secretos y cargan con muchos miedos vinculados al racismo.
Jude Law , que permanente en su filmografía es un actor más ligado a roles de gustos de las féminas, acá simplemente patea el tablero y encarna a este solitario y deslavado agente del FBI que minuciosamente y con la ayuda de un símil local, van tratando de armar este puzle muy bien rodado en árido y alejados paisajes de montaña, que esta basado en el libro “La Hermandad Silenciosa” de Gary Gerhardt y Kevin Flynn. Acompaña a Law otros dos actores como el inglés como Nicholas Hoult, en un personajes muy perturbador y Tye Sheridan como el policía local, donde ambos fascinantes personajes que aportan mucho al desarrollo de esta oscura historia.
El director del film Justin Kurzel(Mcbeth) maneja hábilmente una serie de subtramas e introduce una gran cantidad de personajes bien delineados a lo largo del recorrido. Secundarios como Marc Maron presenta un trabajo profundamente honesto como el presentador de un programa de entrevistas de la vida real, Alan Berg, quien fue asesinado por miembros de La Orden. La agente del FBI Joanne Carney, interpretada por Jurnee Smollett, aporta equilibrio a las acciones casi deshonestas de Law. En el desarrollo del film es imposible no sentir cierta empatía por cada uno de ellos que están atrapados en una encrucijada enceguecidos por un líder que quiere refundar el clan o la orden de la raza aria en desmedro del resto.
En definitiva “The Order” es un thriller sumamente efectivo muy recomendable film con una fotografía y arte muy elogiosa con una banda sonora que aporta mucho a crear un ambiente sombrío y desesperanzador que necesitaba el film que tiene un casting increíble de sus protagónicos y secundarios

Nosferatu, de Rogers Eggers(La Bruja) nos ofrece un espectáculo visual de calidad con una historia conocida. Protagonizada por Lily-Rose Depp hija del famoso Johhny Depp, que desarrolla un más que aceptable rol como la atribulada mujer acosada por un demonio.

Si viste “Drácula” de Francis Ford Coppola, seguramente el argumento te parecerá similar, una joven poseída por un desconocido demonio cuyo esposo debe ir a vender una propiedad a un espeluznante conde que se hace llamar mi lord es la base del argumento del nuevo film de Rogers Eggers, que de paso digamos, se especializa en film ligados a posesiones o presencias demoniacas como la vimos la pertubadora “La Bruja”, “La excelente “El Faro” y “El hombre del Norte”.
La cinta de Eggers, tiene unos movimientos de cámara sutiles pero muy efectivos a la hora de inclinarse deslizándose de forma calma para ser cómplice del Conde Orlok, que el actor Bill Skarsgard, genera una sensación de acecho y tortura transversalmente a los personajes infundiendo incomodidad al enfrentarse a lo desconocido y sombrío.
Eggers se despega un poco del director expresionista alemán F.W. Murnau en su película de terror mudo Nosferatu de 1922. El film sigue a esta joven pareja que la mujer llamada Ellen tiene visiones de Orlok de Skarsgård dondequiera que vaya, trayendo consigo una verdadera pandemia de enfermedad y descomposición. A medida que el film avanza y Orlok hacia esa atracción que lo puede llevar a sus destrucción definitiva
Eggers , aparte de su estética gótica muy bien lograda, tiene otro acierto más que es tener un gran reparto de actores encabezados por Lily-Rose Depp, hija del famoso Johhny Depp, que torturada y poseída por largos pasajes inquieta mucho, sumando a ella al ascendente inglés Nicolás Hoult, Aaraon Taylor- Johnson, Ralph Ineson(La Bruja) y al maravilloso Willem Dafoe.

Nosferatu a pesar de ser sobría, brilla en esa tenue luz con la cual esta rodada en las frías noches alemanas y en eso su realizador con sus toques estilísticos la eleva el trabajo mostrando su talento sigue creciendo desde “La Bruja” y “El Faro”, despegándose de las artimañas consabidas del género que tanto pululan en el cine de terreo en la actualidad. No se sonroja en homenajear a sus predecesoras en el ámbito visual sumándole escenas de repugnancia y algunos sobresaltos llenos de estilo propio de la vieja escuela de cine, lo que puede desconcertar a más de algún espectador más ligado a golpes de efectos baratos que dejarse por la calidad cinematográfica presente en muchos pasajes del film. Recomiendo verla en el cine.

Aftersun no sumerge en un viaje de un padre con su hija de 11 años en unos días de vacaciones solos donde se descubren los sentimientos de un hombre tratando de no hundirse en la oscuridad y una niña abriéndose paso por la vida relatado de una manera sutil y a veces demoledora

Este film en si no es un estreno como los que suelo reseñar en esta página pero merece la pena rescatarla y la pueden ver en Netflix. La cinta narra una historia situada en un complejo vacacional en decadencia, donde Sophie, de 11 años, atesora algunos momentos que pasa junto a su amoroso e idealista padre, Calum (Paul Mescal). A medida que el mundo de la adolescencia aparece a la vista, más allá de su mirada, el padre lucha silenciosamente bajo el peso de la vida fuera de la paternidad. Veinte años después, los tiernos recuerdos de Sophie de sus últimas vacaciones se convierten en un retrato poderoso y desgarrador de su relación, mientras intenta reconciliar al padre que conoció con el hombre que no conoció.
“Aftersun” me pareció una película minimalista, paciente y necesaria donde este padre posee problemas emocionales y económicos, por su parte la pequeña es Sophie una niña encantadora de 11 años que a trata que su progenitor, serio por momentos, ignorando su mundo interior un poco sombrío, trata de imprimirle vida y alegrías ya sea caminando, saltando, filmándolo con una cámara de video o simplemente en el karaoke.
Dirige la debutante Charlotte Wells con un potente Paul Mescal que será protagonista de “Gladiador 2” y la pequeña Frankie Coreo, que tiene un encanto y magnetismo impresionante dentro de lo sencillo que es el metraje, sin efectos, con un rodaje de bajo perfil con una banda sonora con David Bowie y R E M que van a tono con lo que propone esta realización que nos entrega un sinnúmero de reflexiones sobre todo los que de alguna forma hemos terminado relaciones donde quedan los hijos al medio de esa complejidad donde sus miradas son rescatadas hábilmente en esta maravillosa entrega de cine en estado puro que con estos personajes que van en un viaje de amor filial y con mucho realismo mágico y emotividad.
Un detalle digno de rescatar de esta experiencia emocional pero que es un poco spoiler, es que pongan atención cuando la niña sube al escenario a interpretar “Losing my religión” de R.E.M . que se hizo solo en una toma porque tuvieron que rogarle y animarle a hacer la escena para subirla y se tenía que filmar sin posibilidad de repetirla.
“Aftersun” en su año de estreno en 2022 fue en el Festival de Cine de Cannes, donde Charlotte Wells fue nominada a la Cámara de Oro. Recibió cuatro nominaciones en la 76ª edición de los premios BAFTA, donde Wells ganó por Mejor Debut de un Escritor, Director o Productor Británico. Paul Mescal fue nominado al Premio de la Academia al Mejor Oscar a mejor Actor adem´s reconocida como una de las mejores películas de 2022 por la Junta Nacional de Crítica y Sight and Sound le otorgó el primer lugar en su encuesta sobre las mejores películas.

“Vidas Pasadas”, es sin duda una sorpresa de la directora debutante Celine Song, que estuvo nominada al Oscar con una entrañable historia de amor de dos personas que se conocieron de niños y a pesar de estar separados no hacen mella en un fuerte lazo donde el destino cobra mucha fuerza

Lo primero que me viene a la mente al reseñar este film es una frase de la cinta Interstellar, “El amor no conoce los limites del tiempo y el espacio”. Pues bien este hermoso y aleccionador film nos habla de eso, del amor en sus diversas formas donde una pareja de niños coreanos se ven separados por el destino que les tiene deparados muchos encuentros a lo largo de su vida a través de redes sociales, viajes y sobre todo como vive en la mente de cada uno de ellos ese grato recuerdo que perdura más allá de las fronteras físicas donde entregan un mensaje lleno de esperanza en este mundo a veces caótico que olvida de los simple mueve montañas.
“Past lives” o “Vidas pasadas”, utiliza un concepto acerca de las etapas de la vida. Esta película dolorosamente romántica y encantadoramente reflexiva, favorita de la crítica en festivales de cine y nominada mejor película en los Oscars pasado, no nos deja atrapados mirando hacia afuera. Nos invita a pasar el rato con sus personajes en sus habitaciones y espacios de trabajo, escuchar a escondidas sus llamadas y caminar junto a ellos en Nueva York o Corea del Sur, que es donde comienza propiamente la ficción de Song que abarca décadas y salta de continente.
La directora mezcla los mundos espiritual y terrenal hábilmente conectando con el espectador en el continente que este, aunque más del 50% este hablada en coreano saltando desde Seul a New York o Canada, que simplemente da mucho gusto dejarse llevar por esta sencilla historia. Na Young (Seung Ah Moon) y Hae Sung (Seung Min Yim), tal como esa teoría del hilo rojo se separan desde esta escuela en Seul a saltos temporales cuando la chica Na Young se mudará a Canadá con sus padres y su hermana menor, y poco después su infancia coreana y su paso por Hae Sung quedarán en la memoria donde los personajes cambian su futuro y es ahí donde se arma este incierto escenario propuesto.
Esa Vida Pasada es una explicación para el título de la película de Song, también la y hace un debut cautivador como realizadora con esta dualidad, mostrando que tiene un gran don sensible para lanzar ideas frescas y nuevos significados sobre la marcha.
Un buen film de nicho, diría yo de cuarenta años en adelante y con varias historias vividas situadas en diferentes marcos temporales y acores, que podrán conectar mejor con esta propuesta quitada de bulla, arte en movimiento, con ambientes urbanos sin mucha música de fondo mas que ver estos amables rostros de personajes de carne y hueso que conectarán si estas atento y has pasado por muchas de estas vicisitudes de vida y el amor.

“Maestro” es de aquellas películas biográficas realizadas con mucha calidad que no dejarán contentos a todos los familiares con esa mirada particular de mostrar un genio musical con todas sus imperfecciones. Gran trabajo de Bradley Cooper protagonizando y dirigiendo este film nominado al Oscar.

Ya en su segundo film como director Bradley Cooper vuelve a demostrar su amor por la música y el cine en este nuevo trabajo que derrocha talento y buenos nexos ya que su film que se exhibe en Netflix es producida nada menos que por Martin Scorsese y Steven Spielberg. Antes realizó “Nace una estrella” junto a Lady Gaga donde el actor/realizador se atrevió a cantar incluso en la premiación de los Oscar y mostrando esbozos de su talento
Cooper va tras la vida del director de orquesta norteamericano muy célebre que falleció en 1990 llamado Leonard Bernstein. También es una deconstrucción compleja del artista como genio torturado, repleta de un enfoque compasivo en su esposa humillada Felisa Montealegre donde se menciona que vivió en Santiago de Chile. Ella es en definitiva el verdadero foco y motor de la película que es muy bien encarnada por una sobresaliente Carey Mulligan y el vínculo que los dos compartieron durante casi tres décadas soportando comentarios de su bisexualidad, adicciones y la inestabilidad familiar retratado sus debilidad.
Bradley Cooper, da saltos en el tiempo que siguen nos llevan desde un Blanco y Negro precioso hacia un mundo technicolor donde Leonard y Felicia tienen primero una familia joven y un futuro brillante por delante y, luego, dos décadas de afecto lleno de rencor que un aterrador diagnóstico de salud disuelve con facilidad y sin prisas.
Cooper, coescribió con Josh Singer (Spotlight, First Man), no deja de estar interesado en lo que hizo de Bernstein una presencia tan magnética e influyente, ya sea detrás de un piano o en un podio donde claramente está más fascinado con la forma en que estos futuros esposos construyeron una vida al lado de una carrera imponente que daría forma a la música estadounidense del siglo XX.
El legado de Bernstein en el ámbito musical esta claramente mostrado por largos pasajes y al menos se agradece la valentía de mostrarlo en su intimidad sin caer en un melodrama barato donde los 10 años que se preparo este film se nota en su acabado visual que esta muy bien logrado y trata con respecto a los personajes reales.
El film en general se extiende con mucha audacia abarcar muchas décadas de vida pide a sus actores y al departamento de maquillaje que trabajen horas extras para delinear el paso del tiempo que esta muy bien logrado en todas sus etapas. “Maestro”, que me hubiese gustado verla en el cine, creo que al verla en Netflix me perdí el sonido de una sala y sus paso del tiempo de blanco y negro a color. Este biopic es una buena película que siento esta hecha para ir a luchar por premios, tiene grandes interpretaciones y una destacada cinematografía que la tiene dentro de las 10 cintas nominadas al Oscar 2024.