Entre metáforas y críticas sociales bastante directas (que funcionan dentro de todo bien), “Vivarium” probablemente sea de los grandes WTF de 2020, fusionando géneros dispares como el eco-thriller, el horror surrealista y la ciencia ficción.

En su tono y estilo me recordó a las obras bizarras del griego Yorgos Lanthimos (pienso específicamente en “The Lobster” del 2015), y en su premisa terrorífica hay algo de la producción francesa “The Room” (2019, con Olga Kurylenko) y “The Hole in the Ground”, que también proviene del país irlandés.

Para cualquier amante de las indies extrañas, los conceptos misteriosos, las analogías, el espeluznante sin fronteras y lo que la gente suele llamar "Twilight Zone-esque", “Vivarium” es una experiencia que vale la pena hacer. Y, por su naturaleza ambigua y narrativa abierta, seguramente va a generar más de un debate sobre su significado.

El título proviene del latín y significa "lugar de vida". También alude a un área, generalmente cerrada, para mantener y criar animales o plantas para observación o investigación. A menudo, una parte del ecosistema de una especie en particular se simula a menor escala, con controles para las condiciones ambientales. Por supuesto, esto –y su secuencia inicial– resumen los temas de la película.

Se agradece ver a un Jesee Eisenberg un tanto más centrado, evitando lo más posible actuar de Jesee Eisenberg. Me gustó su relación con Imogen Poots, que se siente muy natural. Aunque, hay que decirlo, quien se roba la película es el pendejo de mierda, un inhumano extremadamente perturbador que imita los diálogos de sus padres, actúa como un alien y puede hacer una creepy voz adulta. Uf.

La película tiene mucho estilo y varias situaciones creativas, pero a mitad de camino lentamente deja de ser suficiente. El tema es que funciona más como un episodio extenso de lo que podría ser una serie de antología de terror. Como largometraje carece de algunos componentes adicionales.

Poco terminamos entendiendo sobre lo que realmente está sucediendo, y quizás sea mejor así. “Vivarium” se basa casi por completo en una parábola de un tema más o menos conocido. Hay puntos donde el comentario es quizás demasiado obvio y alimentado con cuchara para el espectador. Los desafíos de la paternidad, la propiedad y otras ideas similares se presentan y trabajan en un ambiente distópico donde los protagonistas son como ratas de un laboratorio.

==> CONCLUSIÓN: “Vivarium” es un indie arthouse con buenos componentes de misterio y terror, una historia que sabe lo que quiere contar aunque, a pesar de un buen flujo de inventiva, no puede mantenerse consistentemente sustancial. Es un experimento interesante, sin duda. Y uno weird as fuck. <==

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“Resident Evil: Vendetta” es la tercera película CGI producida por Capcom para la franquicia Resident Evil, después de “Degeneration” (2008) y “Damnation” (2012). Netflix la subió recientemente a la plataforma y le di click sin conocer (ni esperar) demasiado.

Pensé que iba a encontrarme con una historia independiente, pero resulta que está firmemente establecida dentro de la continuidad de los juegos, sirviendo como un puente entre el 6 y el 7. Además está realmente muy bien animada.

La verdad es que me llevé una grata sorpresa. Sin ser un peliculón, por lejos creo que es la mejor película animada de RE que existe… y supera a varias de las adaptaciones live-action (tampoco es que la vara esté tan alta).

Para aclarar lo que todos sabemos, las películas de Resident Evil son bastante tontas. Funcionan como placeres culposos en el mejor de los casos. Un sinsentido grande, ruidoso y muchas veces melodramático. Las dos primeras yo las banco bastante. El resto, meeeeh… ojalá todas fueran un poco mejores, pero es una saga que merece algo más de crédito.

“Vendetta” tiene un guion sencillo apoyado en una propuesta visual fantástica. Las coreografías de acción son muy elaboradas (inspiradas indudablemente en “John Wick”) y la animación por computadora está súper bien hecha.

Desde el tenso y espectacular inicio que recuerda a “Predator” hasta el bizarro desenlace donde –fiel a la naturaleza de Resident Evil– el villano se inyecta algún virus para convertirse en un monstruo espantoso, la película no da respiro. Hay muy poquito tiempo de inactividad.

Los seguidores más acérrimos de la saga consideran esta etapa de la franquicia (donde Capcom se volcó más hacia la acción ochentosa, dejando el costado survival horror de lado) como la época más oscura.

A mí, que francamente no le tengo tanto respeto a la franquicia, me da igual. Disfruté muchísimo más de los juegos cercanos al terror que los de acción, pero en las películas dame estas explosiones pochocleras cualquier día.

==> CONCLUSIÓN: “Resident Evil: Vendetta” es una película de acción estrambótica que pueden disfrutar incluso los que no estén tan apegados a la saga, si bien los conocedores encontrarán múltiples referencias y conexiones con títulos de los videojuegos. Un buen espectáculo de sangre, acción y zombies. <==

La última producción de Taika Waititi –y ganadora del Oscar 2020 a mejor guión adaptado– es otra sólida oferta del escritor y director que no le huye a ciertas elecciones picantes. No es fácil hacer una sátira sobre la Alemania Nazi y, más frecuentemente, las películas de este estilo han salido bastante mal.

“Jojo Rabbit” incluye muchos de los temas recurrentes que se encuentran en gran parte del trabajo de Waititi, como los padres ausentes y las nuevas familias encontradas.

El director siempre tuvo un estilo visual muy “wesandersoniano”, aunque acá se acentúa todavía más al exponer tanto lo absurdo de la situación como el peligro real a partir de encuadres simétricos, cámaras estáticas y montajes al servicio del humor.

En lo personal disfruté mucho más de sus tintes dramáticos y el mensaje social (que llegan sobre la mitad de la película a partir de una escena específica) que sus situaciones de comedia. El Adolf Hitler de Waititi sólo funciona de a ratos y yo no terminé de conectar con el humor caricaturesco.

Sí amé al trío protagonista. Tanto Jojo (Roman Griffin Davis) como Elsa (Thomasin McKenzie) están perfectos y forjan una relación muy dulce. Scarlett Johansson está súper bien, especialmente en una escena que te parte el alma. Tremendo año tuvo ella en 2019 si le sumamos sus interpretaciones en “Avengers: Endgame” y “Marriage Story”, que fueron fantásticas.

El trabajo chiquito y, simultáneamente, enorme de Sam Rockwell es más que destacable. Lamentablemente no puedo decir lo mismo de Rebel Wilson y Theon Greyjoy (Alfie Allen) que quedaron muy desdibujados.

La comparación con “La vida es bella” (1997) llega casi con naturaleza y es inevitable. Ambas son fábulas desde el punto de vista de un niño ambientadas en el régimen nazi. Al igual que la obra de Benigni, “Jojo Rabbit” está destinada a convertirse un clásico del género y lo tiene bien merecido. Nunca un detalle como atar los cordones de los zapatos tuvo tanto significado.

La película es otro excelente ejemplo de cómo combinar géneros tan opuestos. Belleza y horror, risas y llantos, drama y comedia, se fusionan de forma genuina y honesta. De nuevo, para mí el drama funciona mejor que la comedia de “sketch” que presenta Waititi, pero aun así hay situaciones muy graciosas.

==> CONCLUSIÓN: Apoyada en impecables interpretaciones y una trama cómica que se vuelve, progresivamente, más dramática y emotiva, “Jojo Rabbit” es la sátira del nazismo de la década. El mensaje de fraternidad y el absurdismo de la guerra son siempre relevantes. Una película tan incorrecta como irresistible. <==

¡Tiemblan Martin y Quentin! “1917” parece haber llegado de la nada para arrasar con los premios de la Academia que ya prácticamente estaban cantados. Qué pedazo de thriller se mandó Sam Mendes. Una historia que habla sobre los horrores de la guerra pero que le escapa astutamente a la película bélica tradicional, enfocándose mucho más en la exploración y el suspenso.

La forma y contenido se diluyen orgánicamente en una sola cosa. Las (falsas) tomas continuas son más que un capricho porque apoyan toda la temática de “1917”: no hay respiros ni cortes en la guerra. En un momento podés estar llorando por la inesperada muerte de un soldado amigo, al siguiente corriendo por tu vida y luego escuchando plácidamente una canción de otro compañero.

Con esa misma intensidad se vive la película. Además de ser una proeza técnica (tremendo laburo de Roger Deakins, acompañado por la enorme banda sonora de Thomas Newman), el relato presenta muchísima emoción y corazón.

Convengamos que el guion –directo y sencillo– se apoya bastante en varias casualidades para avanzar la trama y que los alemanes disparan peor que un Stormtrooper, pero son cuestiones que le perdono por la experiencia inmersiva que te genera desde el minuto cero.

Disfruté mucho de cómo el director coquetea con el género del terror en varias situaciones y también los pequeños cameos de actores consagrados que te sacan una sonrisa entre todo el drama.

No son muchos los directores que ganan un Oscar a Mejor Película con su ópera prima. Sam Mendes fue uno de esos raros casos. Un realizador que venía del palo del teatro y sorprendió al mundo entero con “Belleza Americana” (1999). Yo no comulgo con todo su cine (odio “Skyfall” y “Spectre” fue súper olvidable) pero creo que “Camino a la perdición” (2002) es una de las películas más hermosas alguna vez hechas.

“1917” es su obra más ambiciosa hasta la fecha y, a nivel técnico, es de lo mejor que vi en mi vida. La creación de los sets, los momentos de tensión, los cambios de ambientes (que ocurren con una misteriosa fluidez) hacen de esta película una especie de “Medal of honor”, en versión live action, que funciona completamente.

Muy bien los pibes George MacKay y Dean-Charles Chapman. Creo que fue un acierto no colocar a actores famosos como protagonistas. Ambos ayudan a apoyar también la temática de la película y brindan interpretaciones fascinantes. Su química juntos hacen que conectes inmediatamente.

==> CONCLUSIÓN: “1917” es un logro espectacular que vale la pena ser visto en la mejor pantalla posible. Es más que “el plano secuencia del siglo”. Es pura poesía visual y en su simpleza narrativa subyace una gran complejidad temática. Si puedo definirla con una palabra es INMERSIÓN. Es una experiencia de sentidos única en su tipo. <==

“Dragon Ball Super: Super Hero” se desarrolla en algún momento después de Broly, ya que Pan, vista por última vez cuando era una bebé, ahora es una niña de tres años comenzando a comprender cómo utilizar su ki gracias a la ayuda de su maestro Piccolo.

Desde que vi aquel horrendo primer trailer, no tenía demasiadas expectativas con esta producción. Y, de todas maneras, logró desilusionarme. La animación CGI definitivamente va a alejar a aquellos que disfrutamos del aspecto mucho más pulido en la película de Broly.

Sabemos que las comparaciones son odiosas, aunque también necesarias en este caso particular. La entrega anterior fue top-tier Dragon Ball, con animación súper fluida, las mejores peleas que habíamos visto hasta la fecha y una trama sencilla pero adecuada.

Yo a Dragon Ball no suelo pedirle demasiado. Últimamente a ninguna franquicia longeva y popular (cough… cough… Marvel) le pido demasiado, de hecho… pero cuando la lógica se tira absolutamente por la ventana, comienza a molestarme. Y esto es especialmente cierto en Dragon Ball Super: Super Hero, donde en más de una ocasión tuve que decir en voz alta ¿QUÉ, CÓMO… POR QUÉ?

De las cuatro películas de Dragon Ball Super que salieron en los últimos años, ésta quizás sea la más floja. Es un paso atrás tanto a nivel visual como conceptual. La incoherente trama parece haber sido concebida por un Akira Toriyama ya senil, los nuevos power-ups son perezosos, y no hay nada demasiado relevante que sirva para redimirla.

Aunque el CGI es superior al que vimos en producciones anteriores, parece mentira que luego del pico de animación 2D que presentó DBS Broly, pasamos a una versión berreta centrada en efectos por computadora y chistes malos.

Al respecto, la película a veces presenta montajes reanimados en 2D (resúmenes del conflicto del ejército Red Ribbon contra Goku desde la infancia hasta la pelea de Gohan contra Cell) que son espectaculares. Si hubiesen animado toda la obra en este estilo, seguramente mi disfrute habría sido distinto.

Si lográs relajarte un poco más que yo, si dejás pasar el humor tonto, las ridículas nuevas transformaciones, el CGI tosco y el hecho de que Shen Long a esta altura ya es el Deus Ex Machina por excelencia… supongo que “Dragon Ball Super: Super Hero” puede llegar a brindar algún tipo de entretenimiento.

==> CONCLUSIÓN: “Super Hero” es diversión al servicio de fans con cabeza de termo. Una historia de Dragon Ball sin riesgos y por debajo del promedio. Hay una búsqueda noble de redimir a algunos de sus personajes más antiguos. Si lo obtiene realmente o no, quedará a criterio de cada espectador. <==

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