La cinta brasileña ganadora del Oscar, “Aun estoy aquí”, es una obra cargada de resiliencia entre tanto dolor que generaron las dictaduras en Latinoamérica que sentenciaron a muchas familias a un duelo permanente al no encontrar a sus seres queridos.

He tenido oportunidad de ver varias de la nominadas al Oscar recientemente y creo que la cinta brasileña ganadora del Oscar extranjero “Aun estoy Aquí”, esta a la par de las más comentadas de la temporada. Primero, por la calidad de la historia, el elenco que es una familia entrañable que hace olvidar que es un film y tercero por que tras las cámaras esta Walter Salles, que antes tuvo una chance de ganar el Oscar con el film “Estación Central”, protagonizada por Fernanda Montenegro y que ahora coincidentemente su hija, Fernanda Herrera es la excelente protagonista y émbolo de todo el film que es el soporte principal del”, realizador y su historia. Salles también tiene el film “Diarios de Motocicleta protagonizado por Gael Garcia Bernal y Rodrigo de la Serna, acerca de los primeros años de la vida de Ernesto Che Guevara.
La película se centra en la vida real de Eunice Paiva (Fernanda Torres), madre de cinco hijos. Su marido, Rubens Paiva (Selton Mello), un ex congresista exiliado por un tiempo, fue llamado a un interrogatorio por la dictadura militar reinante en 1971 desatándose una espiral de miedo e incertidumbre acerca de su paradero. La película es a la vez un poderoso retrato de una familia desplazada e inevitablemente, un drama de un país asediado.
Bajo la dirección de Walter Salles, quién creció en Río de Janeiro como amigo de la familia de clase media Paiva, desarrolla este film bajo una pérdida particular de una familia pero extrapolándola como espejo a un espectro más de una herida de la nación carioca.
El film que se cocina a fuego lento, en un inicio para mostrar una dinámica familiar de aparente normalidad, esta situada en esta vorágine política sin perder esa intimidad derivada por el gran elenco de jóvenes y por la actriz principal Fernanda Torres que lidera a la familia Paiva que pasa por muchos contrastes en las dos décadas que duro esta dictadura. Es inicio calmo y a veces cordial da paso de golpe se erige ante la desaparición del padre emerge Eunice como una matriarca que trata de equilibrar la vida familiar con la búsqueda incansable de su esposo.
Con todo lo que esta película tiene a su favor, tal vez no hubiera tenido éxito si no fuera por la impresionante actuación de Torres. Salles y sus guionistas, Murilo Hauser y Heitor Lorega, se basaron en unas memorias de 2015 del hijo adulto Marcelo Paiva. Está claro que ven a Eunice es muy humanizada por esa gran actriz carioca sin depender ni un momento de señales emocionales obvias.
Como se muestra en la película, Eunice Paiva con una tensa calma sigue su vida para proteger a sus hijos de esta maldad. Salles no cae en los clichés del género dramático, no mostrando las torturas que las sientes fuerte y con ciertos hiper dramatizaciones, con muchos procesos internos que impactan y nos deja tarea interna a los espectadores que maravilla y la tuvo nominada al Oscar a la protagonista por ese excelente trabajo. Gran acierto en incluir en algún momento de Fernanda Montenegro madre de la protagonista que tiene alguna participación homenaje que se merecía.
“Aún estoy Aquí”, expone la resiliencia que tuvo su protagonista y busca destacar a aquellos que desde su trinchera o color que sea, luchaban por que este mundo sea mejor y Salles sigue sin perder su enfoque humanista, la fortaleza de nuestras mujeres, la exploración de la identidad latinoamericana y la memoria como un ejercicio intemporal que recomiendo mucho.

“American Fiction” es una curiosa reflexión acerca de los clichés de los afroamericanos a través de un escritor que reniega a escribir de su cultura para no seguir estigmatizándola y lucrando con ella. El film obtuvo el premio Oscar como mejor guión adaptado este año
Un escritor y académico llamado Thelonious Ellison llamado “Monk”, esta cansado que sus colegas afroamericanos exploten su cultura considerando un entretenimientos para los blancos que siguen etiquetándolos según él, en ciertos aspectos o roces que solo contribuyen a elevar ciertos estigmas que los han perseguido por mucho tiempo. A tal punto llega su ira con el tema que lo trasunta a sus alumnos y colegas que le piden que se tome un descanso y viaja a su natal Boston donde deberá encontrarse con su madre y hermanos que tienen una relación bastante particular.
Es en ese contexto y visualizando que no tiene mucho dinero, le sobra tiempo y que contra todas sus convicciones un noche escribe una obra de ficción carcelaria de “negros” como dicen que una vez conocida por su agente este la vende exitosamente a un grupo editorial e incluso prontamente a una posible adaptación cinematográfica, poniendo a Monk en una disyuntiva ética de convertirse en los que más renegaba escribiendo de ciertos rasgos de algunos de su raza. Paralelamente, la vida real corre junto su madre que se pone anciana, un hermano gay y su hermana enfermera con una particular relación con una vecina donde comienza a tejerse otra historia que enriquece el relato de un cine de nicho bien intelectual pero necesario.
El film es una ingeniosa crítica del simbolismo y los estereotipos raciales con los cuales convivimos a diario, más hoy que en el mundo no escapará al fenómeno de la inmigración masiva derivada de conflictos políticos.
Se esta cuestionando el protagonista si el libro es bueno o no, lo cual es evidencia de que algo tan ridículo como podría convertirse en un éxito. El director Colf Jefferson toma este libro de 22 años realizando un excelente guión adaptado que le valió el premio Oscar y BAFTA 2024 llevando a niveles de sinceramiento de como Hollywwod y otras personas vinculadas a la cultura comercializan con la experiencia afroamericana
Me pareció un film muy alejado de los cánones de la entretención simple, efectista y desafía a un espectador más inquieto ante una historia muy humana acerca de las contradicciones de las personas, sus fundamentos y critica fuertemente a muchos artistas que aman el lucro sin importar si lo que entregan es de calidad realmente o es solamente para alimentar el ego y los bolsillos. Destacar la actuación encabezada por Jeffrey Wright y un maravilloso y coral elenco. Se puede ver en PrimeVideo.

Un biopic del líder de la empresa y escudería italiana es el que desarrolla el director Michael Mann alejándose de las balas con una estética vintage con una gran actuación de Adam Driver y la sobresaliente Penélope Cruz

Michael Mann es el director de este film con antecedentes de haber dirigido verdaderos clásicos como “Fuego contra Fuego” ese excelente thriller con Robert de Niro y Al Pacino a la cabeza, El Ultimo de los Mohicanos” con Daniel Day Lewis, “Collateral” y “El Informante” con Russel Crowe. Todo ellos con un sello de calidad cinematográfica indiscutible, acción, mucha testosterona y que decir del nivel actoral con tremendos monstruos. Por cercanía con el biopic sin duda lo representa con “Ali”, protagonizada por Will Smith que más se acerca a este nuevo trabajo basado en la vida real del hermético Enzo Ferrari que es el motor de este film de más de dos horas.
Este es un nuevo registro sin balas, asaltantes, asesinos o policias, este es un biopic dramático y empresarial que esta desarrollado con buen oficio usando una nueva forma de filmar con una estética vintage para ir tras este ingeniero que lidiaba con su vida personal trastocada entre su mujer , amante y la tragedia familiar con las presiones propias por mantener a flote su empresa y lograr la gloria para su escudería
La cinta se centra en tres meses intensos de Ferrari donde debe lidiar con la competencia de Maserati y Jaguar, su esposa y socia Laura (Penelope Cruz), su amante y su hijo oculto, los conductores de sus autos de carrera y el estigma que cae sobre el porque varios pilotos han perdido la vida en sus autos debido a sus exigencias. Todos los asuntos en un relato línea, con muchas ediciones paralelas y otros Flashback para develar los sufrimientos y cargas de un personaje polémico, de convicciones que es retratado sin endiosarlo en la pantalla.
Debo indicar que la actriz española Penélope Cruz, como esposa de Ferrari, sin duda se roba gran parte de la película, su aplomo a la hora de estar frente a la cámara como un personaje cargado de amargura por la muerte de su hijo, el engaño de su esposo y una empresa a punto de quebrar la hacen un deleite cada vez que aparece en pantalla con su actuación que manifiesta los únicos momentos que van desde lo dramático a lo cómico de la película en estallidos de monólogos muy mordaces. Adam Driver por su parte que ya había encargado a otro italiano en Gucci no hace mucho, cumple con creces en su rol demostrando su versatilidad como un actor de carácter y adaptabilidad.
Rodar en Módena da una ambientación y estética lo suficientemente creíble para transportarnos a esa época en sepia que hace recordar a ciertos pasajes de “El Padrino” de Coppola. La cinta en si que es un drama o biopic bien elaborado adquiere ribetes desde lo emotivo a lo adrenalínico cuando rugen los motores en las carreras que es ahí cuando el film literalmente acerera su ritmo para entrega un film de calidad que demoro más de 20 años en ver la luz. Es un riesgo que corrió Michael Mann, creador de la serie Miami Vice, que es su primer film rodado íntegramente fuera de USA y cambio de registro que sin duda es una nueva apertura para el veterano realizador.

“El juicio de los 7 de Chicago”, es la nueva película del director y guionista Aaron Sorkin, con una historia adecuada para este momento que vive hasta nuestro propio país; donde el derecho a expresarse, la brutalidad policial y la incitación a la violencia de algunos, se entrecruzan en este drama judicial ocurrido en una revuelta social por la guerra de Vietnam.

Hemos sido testigos desde las manifestaciones desde octubre del año pasado, como los ciudadanos han desbordado las calles pidiendo más justicia social. En las escaramuzas llevadas a cabo por los más impetuosos se tuvieron que ver las caras con la policía que tampoco estaban preparadas para esa tremenda marea y resistencia, ocurriendo hechos que conocemos de sobra. En un punto similar se sitúa la nueva cinta de Aaron Sorkin, cuya pluma es responsable de los guiones de cintas premiadas como “Red Social”, “Steve Jobs”, “El juego de Molly” o “Cuestión de Honor” y se presenta ahora con “El juicio a los 7 de Chicago”, que es otro trabajo vinculado a juicios que a esta altura ya es su especialidad. Esta se centra hechos verídicos sobre los líderes que convocaron marchas ocurridas en la convención Nacional Demócrata de 1968, las cuales derivaron en enfrentamientos violentos con la policía y la Guardia Nacional por la guerra de Vietnam, donde los organizadores fueron rápidamente apresados y reprimidos violentamente para posteriormente someterlos a un largo y mediático juicio por parte del gobierno Nixon
Profundizando un poco la historia ya sabe que no es otra cosa que una vendetta política y donde las pruebas en muchos momentos resultan ridículas y forzadas. No importa lo que la defensa argumente, el juicio seguirá con muchos expertos y pruebas que buscan una extensa estadía a estos agitadores de izquierda que detonó en un choque duro con las convicciones de un gobierno que provoco muchas bajas en Vietnam. Pero lo que más molestó que hayan irrumpido en una convención demócrata en Chicago.
De que la gente se revele y se levante contra un gobierno que no lo esta haciendo bien, es un derecho, y es aquí donde Sorkin, apunta para armar esta historia a través de diversos flashbacks, donde avanza y retrocede en el tiempo revisando los eventos de las protestas y a medida que avanza el juicio va dando datos del origen de esta reunión y de conexiones de sus líderes. Para ello se nutre de una exquisita ambientación de época a fines de los sesentas capturando esa pasión de apertura de ir contra el sistema impuesto en esta guerra contra el comunismo y donde Vietnam era un bastión que estaba generando mucha división entre los norteamericanos.
Esta película tiene una historia larga de fallidos intentos previos de llevarla a cabo, donde incluso pasó por las manos de Steven Spielberg y Paramont Pictures, para terminar finalmente en las manos de Sorkin y Netflix, que ya la estrenó con mucho beneplácito de crítica.
En lo personal me parecen de esas películas que encantan a los miembros de la academia, por su relato coral y gran cantidad de personajes encarnados con aplomo y donde están los ganadores del Oscar Eddie Redmayne(La Teoría del todo), Mark Rylance(Puente de Espías), junto a Sacha Baron Cohen, Frank Langella, Joseph Gordon-Levitt, Jeremy Strong, Michel Keaton , John Carroll Lynch, Alex Sharp, Yahya Abdul-Mateen II, Michael Keaton, entre muchos otros. No es un trabajo que entretenga masivamente, ya que más del cincuenta por ciento de su desarrollo se lleva a cabo dentro de los muros de la justicia con bastantes diálogos pero sus argumentos la sustentan como un cine inteligente, recomendable y contingente con lo que ocurre en las manifestaciones en USA y varios países de América, donde todos defienden el derecho a manifestarse libremente.

Esta perturbadora cinta no se vale de la oscuridad ni de golpes de efecto para provocar, acá todo se cocina a fuego lento, capa por capa en una historia centrada en dos hermanos que pierden a sus padres y hermana en un suicidio espantoso. Después del macabro hallazgo que uno de ellos Christian decide ir a Suecia a terminar su tesis de grado con sus compañeros y la hermana Dani que aun esta muy afectada por la tragedia familiar decide acompañarlos en una aventura distinta. Un afable amigo les ha convidado para adentrarse dentro de una especial comunidad donde esta su familia, llena de rituales escandinavos, donde todos visten de blanco, rodeados por la hermosa naturaleza de montaña pero que prontamente esa quietud y espiritualidad perturbará a los invitados que están lejos de toda civilización o conexión telefónica.
En la primera película de este director y guionista de solo 33 años, Ari Aster, que es “Hereditary” en español “El legado del Diablo”, lo catapultó como un realizador sorprendente y este nuevo trabajo simplemente lo consolida dentro del género de misterio y terror. Nuevamente se vale de la tragedia familiar para incubar los miedos creando una atmósfera pesada en muchos momentos sin diálogos invitándote a ser testigos de extraños rituales de gente afable pero que el desarrollo de sus particulares festividades, que coinciden con la visita de jóvenes, hacen que gradualmente te sientas intrigado a ver que hay más atrás de aquello que consideran raro.
Dani (Florence Pugh) recordada en la excelente cinta “Lady Macbeth” y Christian (Jack Reynor) “Transformers, la era de la extinción”, son puntos altos es esta misteriosa película que será muy difícil ver en cines locales seguramente. “Midsommar” puedes encontrarla desconcertante o fascinante, en sus más de dos horas de duración te podrían parecer pesadas, pero lo que no esta en cuestionamiento, es que el director toma bastantes riesgos nuevamente y sale fortalecido frente a la crítica.