Europa en general, y Alemania en particular, tienen una historia extensa y trágica que no siempre ha sido aprovechada en el cine. Las dos guerras mundiales, y las consecuencias que estas tuvieron durante tantos y tantos años, crearon un escenario donde se sucedieron relatos verídicos que superan cualquier ficción.

Dos Vidas, se inspira en una obra de la escritora y periodista alemana Hannelore Hippe, para construir una de estas increíbles historias.

La asociación Lebensborn (Fuente de Vida) fue creada por el régimen nazi. Su objetivo era erradicar el aborto de aquellos niños que cumplieran con las características arias, construyendo clínicas de natalidad en Alemania, Bélgica, Francia y Noruega, donde nacieron miles de bebés. Diversos orfanatos daban cobijo a estos niños abandonados, pero también a muchos otros que eran secuestrados por los nazis en los países vencidos. Estas criaturas de sangre “pura” estaban destinadas a participar, mejorar y rejuvenecer el imperio de Hitler.

Sin embargo, tras la derrota de Alemania, estos niños fueron considerados hijos del enemigo. Fue en Noruega, donde Lebernsborn dejó su herencia más negra. Es aquí donde se sitúa la película, y es una de esta niñas, ya mujer, el personaje principal.

A raíz de una investigación judicial que se realiza al respecto, se irá descubriendo el turbulento pasado de la protagonista, y seremos testigos de las recurrentes violaciones de derechos humanos que se realizaron.

Vemos, por tanto, una historia inspirada en hechos reales, tremendamente atractiva, donde los elementos políticos e históricos se mezclan con el espionaje y el drama familiar. Pero la película en sí, no termina de gustarme. Su estructura es cuanto menos discutible, dosificando de una manera un tanto torpe la información que se aporta al espectador, lo que provoca que Dos vidas tarde demasiado en arrancar y alcanzar dosis altas de emoción. Durante gran parte del metraje, la mitad aproximadamente, estamos inmersos en un estado de profunda confusión (que no suspense).

Los actores y la música, por su parte, se muestran convincentes y efectivos, y su apuesta por la sobriedad considero que es un acierto.

No así la iluminación, cargada de claroscuros. La mayor parte de las veces tenemos la mitad del rostro de un personaje en penumbras, mientras que la otra mitad aparece sobreexpuesta, con una luz que ha quemado la imagen. Interpreto (por el tema de la película), y no sé si de manera acertada, que la intención de los responsables es simbolizar las dos caras (dos vidas) de una misma persona. Sin embargo, la percibo como una luz demasiado artificial durante la mayor parte del tiempo. Desvía demasiado mi atención.

El Cine en la Sombra
http://www.elcineenlasombra.com/

Tarzan es uno de los personajes clásicos de la historia. Desde que Edgar Rice Burroughs lo creara en 1912 para la revista All Story Magazine, se han publicado 24 novelas sobre el mítico hombre mono, y se han realizado más de 60 adaptaciones cinematográgicas. La que hoy nos ocupa, es posiblemente una de las peores.

Reinhard Kloss (Animals United) dirige una modesta animación, cuyo mayor logro es la recreación de la selva y un atractivo juego de luces, y cuyo talón de aquiles radica en el diseño de los personajes humanos. Sirviéndose de ella, nos entrega una inverosímil mezcla de la historia tradicional con un sinfín de tópicos que nada pegan con ella.

El resultado es un pastiche vacuo sin una dirección clara, y cuyas carencias pretenden ser rellenadas a través de un espectáculo animado de acción y aventuras que a mí me terminó aburriendo.

Como tantas veces ocurre, el verdadero problema radica en un mal guión. El trabajo de dirección de Reinhard Kloss no es desdeñable, pero su libreto deja sin oprtunidades a la película.

El Cine en la Sombra
http://www.elcineenlasombra.com/

Joder. Haneke me ha vuelto a joder la tarde.

Antes de ver Amour, ya eran seis las películas del director austriaco que había tenido la oportunidad de ver. Las suficientes para que la presente no me pillara de improviso. Pues lo ha hecho.

Las críticas que la calificaban como una obra menos "Haneke", más tierna, más sencilla, debieron rebajar mis defensas. Y enfrentarse desprotegido a una película de este licenciado en filosofía y psicología (con una visión extremadamente pesimista de la vida) es arriesgarse al shock.

Hay elementos nuevos hasta entonces ausentes en su cine. Pero Amour sigue teniendo su firma. Traduzco: prepárense para sufrir.

Haneke coloca la cámara donde nadie quiere estar, para contar así una pesadilla que nos envuelve de forma lenta y natural. La normalidad y la fatalidad se funden para hacer de la experiencia algo terrorífico. La cotidianidad, los continuos elementos con los que nos podemos sentir identificados, la dignidad inicial de los protagonistas, incluso la bondad presente en ellos (nunca antes un personaje dibujado por Haneke contaba con esta cualidad) contribuyen a aumentar el desasosiego del espectador.

Pues lo que es nuevo en él, es un retrato del ser humano menos miserable, cargado de más elementos positivos que negativos. Sin embargo, la vida, parece decir, haya sido virtuosa o no, termina en tragedia.

¿Y por qué un título como Amour para describir algo así? Pues porque es este el que ata al protagonista con su mujer, porque es este el que posibilita que esa unión no se deshaga durante el deterioro de la anciana. Bajo la superficie, Amour justifica sobradamente su nombre, aunque el amor que aquí nos encontramos sea doloroso, y los único abrazos se produzcan cuando el anciano ayuda a su maltrecha mujer a moverse. Pues amor no sólo es disfrute, también es compromiso y dolor.

El Cine en la Sombra
http://www.elcineenlasombra.com/

A la mayoría de la gente a la que le pregunto su opinión sobre Los descendientes me responde que le ha gustado. Me intereso por el porqué. ¿Por qué te ha gustado? Entonces algunos de ellos comienzan a darme argumentos vagos y confusos. Incluso varias de estas personas, frustradas por no encontrar razones que justifiquen su valoración, terminan por decirme que es una película muy sencilla y que tampoco tiene gran cosa.

Pues bien, en mi opinión Los descendientes encierra tras una apariencia sencilla, casi simplona, una complejidad enorme.

Es compleja en el sentido en que lo es el ser humano. Sus personajes se acercan sorprendentemente a lo que somos nosotros las personas, con sus incongruencias, sus miserias y sus bondades. Porque Los descendientes no es otra cosa que un gran homenaje a las imperfecciones que nos caracerizan, las cuales nos convierten en seres egoístas, débiles, atormentados, y maravillosos.

Porque la historia que se nos cuenta puede sonar a repetida en los primeros instantes, cuando se nos presenta a una mujer (madre de dos hijas y esposa desatendida) en estado de coma a causa de un accidente. Sus familiares deberán hacer frente a la situación. Sin embargo, quién es mostrada como víctima en los primeros instantes pronto comenzará a tomar una dimensión más real, y nos daremos cuenta de que no era tan perfecta como pudiera parecer.

De esta forma, George Clooney (un actor que sin ser de mis preferidos debo decir que aquí está perfecto) deberá restituir el equilibrio de su familia, no sin antes buscar su propia redención personal y encontrar la manera de perdonarla a ella, su mujer.

Los descendientes nos habla sobre nuestros seres queridos, esos que siempre están ahí y que, a veces caemos en el error de pensarlo, siempre lo estarán. Esas personas a las que por ello no atendemos en muchos casos como deberíamos, utilizando gran parte de nuestros esfuerzos en conseguir otras cosas (normalmente materiales) más difíciles de alcanzar y de perder, pero de un valor muchísimo menor.

¿Quién dijo sencillo? Pues hay más.

George Clooney, Shailene Woodley, Amara Miller, Nick Krause
Porque la dificultad de esta película no solo reside en el argumento, sino también en el tono elegido para contar dicha historia.

Alexander Payne ya había combinado en sus anteriores películas comedia y drama (A propósito de Schmidt, Entre copas), pero en este caso la línea que las separa se hace prácticamente invisible. En ocasiones somos testigos de una tragedia sobrecogedora, y al segundo siguiente (o en ocasiones en el mismo instante) estamos presenciando una comedia de tintes absurdos.

Es una mezcla imposible, genialmente administrada.

El guión, ganador de un Oscar (adaptación de la novela de Kaui Hart Hemmings), apuesta más por la coherencia que por la sorpresa, dando como resultado un devenir un tanto predecible, pero en ningún caso decepcionante. Lo único que me chirría aquí es el personaje interpretado por Nick Krause (el amigo de la hija mayor), el menos interesante de todos, y del cual no entiendo muy bien su función. Creo que se pretendía con él incrementar la dosis de comicidad, pero a mi me saca de la película.

http://www.elcineenlasombra.com/

Pocas veces una película con un argumento tan endeble me ha producido una impresión tan fuerte. Drive no es una historia. Son momentos, instantes, colores y luces, una atmósfera turbia, unos personajes solitarios. Drive es música electrónica y estética ochentera, es violencia y es amor. Drive es Ryan Gosling, y es al igual que su personaje, un milagro en medio de las más grandes inmundicias.

La película de Nicolas Winding Refn (director danés que se estrena en Estados Unidos con esta obra) elige un ritmo pausado, perfecto. Sus silencios son hipnóticos, sus planos a cámara lenta, barrocos y preciosistas, ejercen una tremenda atracción. Y en medio de esa tensa calma los estallidos de violencia parecen todavía más brutales (aunque esa estética de la violencia tan cercana al comic, muy parecida a la que encontramos en Kill Bill no termina de convencerme en este contexto). En esta contraposición de serenidad y furia me recuerda de manera inevitable a la también muy lograda Una historia de violencia.

Si en la obra de Cronenberg se confrontaba violencia y familia, aquí es violencia y romanticismo. Una dualidad que queda reflejada a la perfección en la ya famosa y arriesgadísima escena del ascensor. Escena que además, nos lleva a otra de las características de la película, la ausencia total de realismo.

Drive está más cerca de parecerse a una película (a una película de los años ochenta para ser exactos), que a la realidad misma. Bebe del cine más que de la vida. Sus referencias son los films rodados en aquella década, así como directores de la talla de Lynch o Tarantino.

Es sin duda alguno, una película más del gusto del cinéfilo que del consumidor de blockbusters.

El personaje interpretado por Gosling no tiene nombre ni pasado. Está caracterizado por su profesión (que es conducir, bien como especialista de cine, bien para fugas en robos o atracos). Es un asesino y un romántico, una persona de apariencia fría y callada que esconde un volcán en su interior.

La interpretación que realiza Ryan Gosling es perfecta. Capaz de transmitirlo todo sin gesticular lo más mínimo, sólo con la mirada y los silencios.

elcineenlasombra.com