En el Tokyo de 1885, Kikunosuke Onoue, hijo de un importante actor, descubre, desolado, que es aplaudido únicamente por ser el heredero de su padre y que, en realidad, el público se mofa de sus interpretaciones. La única persona que se atreve a ser sincera con él es Otoku, la niñera de los hijos de su hermano. pero precisamente por ello es despedida, y a Kikunosuke le prohiben verla por temor a los rumores que se desatarían por su relación con una sirvienta.

Historia de los crisantemos tardíos, es un exquisito y conmovedor melodrama que es generalmente considerada como la mejor película que Mizoguchi hizo antes de la Segunda Guerra Mundial. Ejemplificando el creciente interés del director en temas sociales contemporáneos.

Ambientada en el Japón del periodo Meiji de finales del siglo 19, al igual que muchas de las películas de Mizoguchi, la "historia de los crisantemos tardíos" abarca temas que son fundamentales para el trabajo del director, la opresión de las mujeres por las convenciones sociales en una sociedad masculina, orientada en la imposibilidad de trascender la propia clase en la sociedad, y la nobleza intrínseca de las mujeres en relación con el egoísmo y la vanidad de los hombres. La historia es familiar, de un amor frustrado por una conspiración de trágicas circunstancias, pero Mizoguchi maneja el film con tanta delicadeza que nadie que vea la película se puede dejar de conmover por la misma. Artísticamente, la película se desarrolla las técnicas que se habían convertido en la firma de Mizoguchi a mediados de la década de 1930, principalmente escudado en el uso de su largas secuencias, movimientos de cámara, enfoque profundo y objetivo gran angular de la fotografía, logrando con ello un mayor grado de armonía y expresión.

Cuando conocemos a los dos personajes principales de esta película, el actor y celebridad Kikunosuke y la nodriza Otoku, nos damos cuenta de que pertenecen claramente a diferentes ámbitos sociales, dando lugar a la ironía central de la película y a la duda que se genera en torno de Kikunosuke y Otoku, quienes tienen que tomar unas decisiones arriesgadas que los acompañaran el resto de su vida. Tan intenso es su amor por Kikunosuke que Otoku voluntariamente se sacrifica para que pueda tener éxito en su profesión. Una vez Kikunosuke logra el éxito, ella sabe que nunca podrá pertenecer a su mundo, hecho que da pie a un mar de dudas.

Hoy en día es aclamada como una de las películas de ciencia ficción más influyentes de todos los tiempos, pero en su primera versión Blade Runner fue bastante vapuleada por los críticos y cinéfilos. Su visión sombría de un futuro distópico en el que los humanos y androides son virtualmente indistinguibles ayudó a redefinir completamente las películas de ciencia ficción en la década de los 80, con lo que un grado de realismo y sofisticación se convirtió en nada menos que en una revolución. La película fue dirigida por Ridley Scott, quien aun saboreaba los frutos del éxito cosechados con otra película igualmente influyente de la ciencia ficción, Alien (1979). Se basó en la novela corta de Philip K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, considerada como una de las obras más importantes de la literatura de ciencia ficción. Aunque Dick murió justo antes de que se estrenara la película, se le permitió ver un primer corte de la película y dijo que reflejaba con precisión el mundo que el había creado.

Uno de los elementos más llamativos de Blade Runner, uno que hoy en día hace que se conserve tan impresionante, es su austero diseño visual, que combina los conceptos de ciencia ficción futurista con las trampas familiares de las clásicas películas del cine negro americano. El futuro se presenta no como una utopía perfecta, sino más bien como una visión del infierno en el que el gran avance tecnológico se encuentra junto a la decrepitud abyecta. Se ve como una variante en el principio de Dorian Gray: cuando la humanidad se vuelve más inteligente, el mundo se vuelve más delicado. Dick se refirió a ella como la primera ley de la Kipple.

Otro de los puntos fuertes de Blade Runner es la interpretación de Harrison Ford . Ford había desempeñado un papel similar en tres superproducciones de gran éxito , Star Wars (1977) , El imperio contraataca ( 1980) y En busca del arca perdida ( 1981), pero se acercó a la parte de Deckard de manera muy diferente . En lugar del bidimensional héroe de acción, Ford nos muestra un carácter más contemplativo y creíble, un hombre que está visiblemente atormentado por el trabajo que debe hacer. A pesar de que se las arregla para dar una de sus mejores actuaciones, que combina una intensidad inquietante con una vulnerabilidad conmovedora, el actor no disfrutó trabajando en la película . Él peleó con Ridley Scott en una etapa temprana ( le molestaba el uso de la narración en off, que sentía que debilitaba la película) y pronto llegó un punto en que los dos hombres se odiaban el uno al otro, tanto que simplemente renunciaron a hablar entre sí .

Desde que fue lanzada por primera vez, Blade Runner ha sido objeto de varias revisiones, la alteración más significativa es la eliminación de la narración en off. No fue sino hasta el 25 aniversario de la película en 2007 que Ridley Scott fue finalmente capaz de reunir el corte definitivo de su obra, que corrige muchas de las deficiencias percibidas en las versiones anteriores. Este llamado Final Cut es, sin duda, la obra maestra de Scott, una película que captura de forma satisfactoria el espíritu de la gran novela de Philip K. Dick, mientras que ofrece una visión escalofriante de nuestro mundo futuro, donde la distinción entre humanos y máquinas está a punto de desaparecer por completo.

La primera gran película de Billy Wilder fue una de las primeras películas en llevar la popular estética del cine negro. Una pelicula ampliamente reconocida como uno de los mejores ejemplos de cine negro en el cine estadounidense, siendo considerada un gran clásico dentro de la industria hollywoodense . La película fue nominada a siete premios de la Academia ( mejor película, mejor director, mejor actriz y mejor fotografía) aunque, increíblemente, no ganó ninguno, y por eso siempre digo que no hay que fiarse de los premios, solo son datos anecdoticos.

Perdición es una adaptación superlativa de la novela clásica de James M. Cain (el autor de el cartero siempre llama dos veces), que se inspiró en una causa célebre en 1927 (el caso del asesinato de Albert Snyder). Wilder co-escribió el guión junto a Raymond Chandler, guionista de "Extraños en un tren".

La película combina brotes duros, con realismo y un diseño estilizado que acentúa sutilmente los temas centrales de la historia, como la manipulación, la duplicidad y la sospecha. El director de fotografía John Seitz emplea todas los puntos fuertes del cine noir (ángulos de cámara especialmente afilados y sombras marcadamente expresionistas) para crear una atmósfera de amenaza que acecha y genera paranoia lentamente, que es amplificada por la tensión que crea la música de Miklos Rozsa. La inclinación de Wilder para la comedia aflora en algunos momentos bien escogidos, donde la tensión está marcada de forma inesperada.

La idea central de la película es cruel, se centra en la manipulación de Phyllis a Neff y como este reacciona cuando se da cuenta que ha sido engañado. Lo que comienza como un plan meticulosamente planeado, degenera poco a poco en el inquietante juego del gato y el ratón entre dos personas profundamente defectuosas, que con cada segundo que transcurre sospechan mas el uno del otro, culminando en un enfrentamiento explosivo.

Uno de los maestros del expresionismo alemán adapto la leyenda de Fausto, creó una obra maestra visualmente atemporal, una película que desafía enérgicamente cualquier idea preconcebidas del cine mudo, ese maestro no era otro que el gran Friedrich Wilhelm Murnau. Murnau rodó con Fausto su ultima pelicula antes de mudarse a Hollywood, la película representa a la vez una transición de estilos cinematográficos de su director y también la culminación de su arte expresionista. Hay una mayor madurez, la libertad de expresión en esta película que en cualquiera de los primeros trabajos de Murnau.

Murnau obtuvo resultados espectaculares de un impresionante elenco de actores, junto con una fotografía impresionante (que incluye algunos trucos cinematográficos notables), hacen de este un trabajo que absorbe. Emil Jannings interpretando a Mefisto es legendario, haciendo una mezcla de lo siniestro con un pequeño toque cómico, lo que le permite seducir a su público con desconcertante facilidad.

La película es muy impresionante por su vanguardista puesta en escena, que para los estándares de 1925, cuando se realizo la película, estaba muy por delante de su tiempo. La capacidad técnica, la imaginación y la voluntad de asumir un riesgo y probar algo diferente de Murnau juegan un papel muy importante en la definición del original diseño visual de la película. La forma en la que la película utiliza la imagen para transmitir las emociones de sus protagonistas y la impresionante potencia pura del Diablo es algo que sólo unos pocos cineastas de la epoca podrían lograr. Una y otra vez, el espectador es sorprendido por el genio artístico de Murnau y su audacia. Lejos de ser una blasfemia, la idea de enmarcar algunas escenas clave de la película de un modo que recuerda las pinturas religiosas es un dispositivo muy eficaz para enfatizar el impacto emocional de la película.

Matashichi (Kamatari Fujiwara) y Tahei (Minoru Chiaki) son dos soldados huidos del conflicto bélico, que buscan el enriquecimiento. Cuando encuentran oro, se dan cuenta de que son vigilados por un silencioso y misterioso hombre, que finalmente resulta ser el célebre general Rokurota Makabe (Toshiro Mifune), quien utilizará a los dos soldados, ignorantes de la identidad de sus acompañantes, para transportar una gran cantidad de oro y liberar a la princesa Yukihime (Misa Uehara).

La fortaleza escondida puede no ser la más apreciada de las grandes películas de samurais de Akira Kurosawa , pero es fácilmente uno de las más accesibles y entretenidas. La trama es sencilla y los temas sociales contemporáneos que invaden gran parte de la obra de Kurosawa son sutiles hasta el punto de ser invisible para un espectador no japonés. La película es una aventura de capa y espada que cuenta con algunas secuencias de acción impresionantes y una fuerte vena inesperada de comedia. Cualquier persona que se siente intimidado por la perspectiva de ver las obras maestras más aclamados de Kurosawa debe ver La fortaleza escondida primero, porque probablemente no hay mejor introducción a su trabajo, sobre todo para quienes no están familiarizados con el cine japonés.

El atractivo de "La fortaleza escondida" para una audiencia occidental no es difícil de ver. Kurosawa fue influenciado por cineastas estadounidenses, en particular por John Ford, es evidente que tomo buena nota del encuadre fotográfico de las peliculas del cineasta estadounidense. Kurosawa uso inspirado el paisaje, el encuadre casi perfecto de sus fotos y la forma impecable en la cual sus secuencias de acción se cortan, todo estos aspectos muestran el grado en que el cine de Ford dio forma a su propia visión del arte cinematográfico , que era radicalmente diferente al cine japonés en el tiempo (como puede verse fácilmente comparando las películas de Kurosawa con los de su estimado, Kenji Mizoguchi).

La fortaleza escondida contiene algunas de las virtudes de las obras más espectaculares de Kurosawa, el punto culminante de ser una persecución vertiginosa a caballo a través del país que culmina en un tenso duelo lanza. Las laderas del monte Fuji proporcionaron una adecuado e impresionante telón de fondo para gran parte de la película, la belleza de los lugares naturales amplificados por el uso seguro de Kurosawa del proceso de pantalla ancha, lo que añade mucho a la fuerza dramática y la grandeza visual de la película.

Al igual que gran parte de la obra de Kurosawa, La fortaleza escondida iba a resultar de gran influencia en otros cineastas, especialmente para un joven estudiante de cine estadounidense llamado George Lucas, que incorporaría muchos los elementos de la trama en la película que lo haría famoso, Star Wars. La influencia más obvia es la manera en la que Kurosawa construye su narrativa en torno a dos personajes aparentemente menores, Tahei y Matashichi, que forman una especie de Laurel y Hardy, constantemente discutiendo y metiéndose en problemas. Los personajes más importantes de la historia están menos desarrolladas, y con frecuencia desaparecen en el fondo, de modo que nuestras simpatías están prácticamente monopolizadas por los dos campesinos cobardes. Lucas admite libremente que ' tomó prestado ' esta idea para Star Wars , contando su historia desde el punto de vista de dos personajes aparentemente insignificantes , los droides R2- D2 y C- 3PO . Al igual que Star Wars, "La fortaleza escondida" es un cuento clásico de aventuras para grandes y pequeños, en el que los villanos y los héroes son bien delineados, ofreciendo risas y emociones en abundancia.