Este filme parece querer llenarnos de melancolía, y Atom resulta lento al mostrarnos la historia de los personajes en este gélido paraje de un pueblo, cuyos personajes unidos en un puente de dolor parecen buscar a sus seres queridos. Pero no esta del todo claro, ya que se intuye que están como muy fugados en una indemnización que para nada mitiga el dolor de haber perdido a sus seres queridos en ese camión sin retorno. Tal vez estén hipnotizados por el sonido de un flautista que les distrae de ese dolor insoportable. Yo mientras tanto, no soy presa de esa melodía hipnótica, y estoy aquí… en lo alto de esta montaña. El paraje es desolador, gélido, frio, terriblemente solitario. A lo lejos se ve una caravana de camiones que avanzan por un sendero casi cubierto por la nieve. Uno de los camiones es mi objetivo. Soy un francotirador. Mis músculos están casi congelados. Mis labios amoratados por el frio, y mis ojos protegidos por esas gafas contra la nieve, hacen que mi pulso casi tiemble. Se acerca el momento. El camión se acerca. Las almas ven dentro de ese bus. El flautista de la muerte acecha, escondido en algún lugar. Atom lleva a esas almas directas a la profundidad del hielo. No lo puedo evitar, mi pulso tiembla. El en caminador de almas se lleva a esos niños. Todo es confuso. Mi misión se complica. Una motociclista se aproxima a mi improvisada guarida en lo alto de la montaña. La hora se acerca. Atom trabajando. Los padres sin hijos parecen muñecos de cartón. Atom no me convence. Atom es la oscuridad, Atom es la blancura de la nieve. El dedo esta presto en el gatillo. La familia en la caravana. Las almas del camión se pierden en el hielo. Estoy inconsciente. El jinete del hielo me aturde. La misión continúa.
La película no avanza. Las almas han cruzado el puente de la vida. La familia se salva.
El francotirador mata a Ego Atom.

La fama de Kurosawa es inconmensurable. Pero aquí como que falla. Si, en serio, y es que su ciudad del pecado bien filmada en blanco y negro, no es más que la buena intención de quedar bien con el cine de Hollywood; utilizando su fetiche por enésima vez. El mundialmente conocido Toshiro Mifune. Eran los tiempos de James Bond y la guerra fría, y eso pesa, hasta para un excelso cineasta venido del sol naciente.
No guardemos resentimientos. Ya que en el cine mundial, vivimos un caleidoscopio, de emociones si fin. Esto es… tiempo de matar… tiempo de cine… tiempo de cine nipón.

Recuerdo que en 1998 recibí al año en Stuttgart, Alemania y me quede ahí hasta fines de marzo. Para presenciar el juicio de un criminal de guerra nazi, acusado de la muerte de más de 70.000 personas entre 1942 y 1943. Fue la culminación de una misión que me hizo reflexionar acerca de lo que la muerte significa para el ser humano. Unos años después en Ámsterdam pude ver una serie de la HBO en la que los hechos de la muerte en una familia de Los Ángeles que se dedica a los servicios funerarios, no puede del todo afrontar la muerte como rutina. Y es evidente que para ellos, la dependencia de los seres queridos es tan fuerte en este mundo, que va más allá del rol dentro de una familia. Y recuerdo nuevamente mi estancia en Stuttgart, porque ahí también supe de una mujer que en Argelia perdió ocho hijos en una matanza y la foto que atrapó su dolor se hizo acreedora a un premio de la World Press Foto. Y es que en “A dos metros bajo tierra” vemos que las fotos son un instrumento para preservar recuerdo de los seres que en vida amamos. Pero también puede ser una estampa de dolor compartido en el espacio del tiempo. Como sucedió con la mujer argelina.
Las inyecciones letales aprobadas en EUA y Guatemala, son ejemplos de cómo el ser humano desencarna. Un hecho inevitable de alguna manera. Pero aquí lo importante es como afrontamos esos eventos desde el punto de vista social, familiar y sobre todo emocional. La cadena HBO nos a hecho sentir melancolía ante los recuerdos de una familia que guarda los hechos de los muertos en las fotografías de los más profundo recuerdos, quizás porque todos tenemos miedo de iniciar ese viaje en el puente de de la liberación del espíritu y nos negamos a abandonar el rol que jugamos en una familia “Six feet Under”.

Es 29 de enero de 2008. Estoy en un restaurante italiano de la colonia Condesa, en la ciudad de México. Disfruto de la comida en compañía de una chica. Dicha dama es una mariposilla. Mujer de la vida galante. Esto pasa a segundo termino. Sobre todo si el restaurante se llama “Cabiria” y me recuerda la película de Fellini. En donde utiliza a Giulietta. Y trata de enternecernos como lo logró en “La Strada” El vino tinto Barolo, se me sube a la cabeza y siento que Fellini no logra su cometido esta vez. Pues su Gilietta torpe, cae en la repetitiva tarantela de siempre. Sin embargo, hay algo de magia en esta película, que a pesar de su formula repetitiva, como si fuera un excelente manjar italiano. Nos hace remembrar las noches del Cabiria, como un lugar donde tuvimos un banquete casi orgásmico, con nuestra damita consentida.

Cine marginal, entrañable. De dos personajes trágicos, sórdidos, miserables. Prófugos de techo familiar. Huérfanos y simpáticos. Carismáticos. Apreciables payasitos de carpa ambulante.
Tienen que convivir porque el destino los ha unido. Conmovedores en su trágico andar de pueblo en pueblo.
Enternece la carita Giulietta en su calidad de perro sin dueño. Porque hay cierta picardía detrás de esa carita de niña, aparentemente timidilla.
Dos vagabundos gitanos, rompiendo cadenas en busca del alimento del alma. Carita de alcachofa y el bruto Zampano.