Propuesta autoral de argumento detectivesco-noir del danés Lars von Trier. Surrealista y oscura a partes iguales, el joven (por aquel entonces) relizador danés, hace un uso de la técnica cinematográfica, a modo bastante experimental eso sí, brillante. Nos ofrece una visión única, que atesora desde el primer fotograma.
Con ecos a veces de Tarkovsky, en su estética y algunos recursos estilísticos imitados del maestro soviético. También en cuanto a la temática y su narrativa me lleva a pensar en el Orson Welles de "El Extranjero" o de "El Proceso" en mayor medida, al contar está trama detectivesca tan kafkiana y de puertas abiertas.
En definitiva, me ha parecido muy interesante e inquietante, esta obra iniciatica de Lars von Trier.

A modo de anécdota final, como alguien también comento con anterioridad, el propio Lars von Trier aparece en algún instante de su película, como más adelante repetiría por ejemplo en "Europa" (1991).
Y es que el joven relizador danés contaba desde pequeño, en sus primerizos cortometrajes, una personalidad y una intensidad artística fuera de lo común (solo tenía 27 años al acabar esta película), siempre fuera de los parámetros habituales, en comparación con otros realizadores de su generación.

La nueva película de Sam Mendes aterriza en medio de la 1° Guerra Mundial, la conocida como Guerra de las Trincheras, muy ad hoc el término militar escogido para este conflicto bélico,  con lo que nos van a ofrecer con 1917, sin más dilación adentrarnos al espectador, y ser uno más de los miles de soldados que poblaron estas lindes subterráneas durante la contienda. Y nos lo plasman de una manera atrevida y muy lógica para acometer esta trama, con un largo y "unico" plano secuencia. De una forma muy dinámica y tremendamente efectiva para regalarnos esa sensación de cercania y de tensión con su manejo de la cámara.
Durante toda la trama Mendes y su equipo muestran una destreza con los movimientos de cámara que me tenía encantado, muy hipnótica. Cuenta con sus trucos en los cortes para que evitemos la presencia de las distintas tomas que se solapan, y crear así la ilusión y la sensación de que es una única toma durante todo el metraje, pero lo hacen de una forma muy ingeniosa y sobre todo muy práctica.
En la dirección de fotografia cuenta ademas con uno de los operadores de cámara mas capaces de la industria como es Roger Deakins, sin palabras su trabajo, es uno de los mejores directores de fotografía de la historia del cine.
Para el reparto cuentan entre sus actores ilustres del cine británico y de hollywood com son Mark Strong, Benedict Cumberbatch o Colin Firth entre otros para los papeles más secundarios y es sin duda en el de los dos protagonistas de la misma donde recae el peso de la película, los jovenes y bastante prometedores George Mackay y Dean C. Chapman. Sobre todo el primero, ofrece una caracterización y un nivel de entrega en su papel más que correcto.
Otro aspecto muy a señalar en "1917" es que pese a contar con un equipo inmenso de producción y un presupuesto de 90 millones no cuenta con ningun tipo de montaje o edición en sus imágenes puesto que está toda la realización enfocada en sus largas tomas "sin aparentes" cortes. En ese aspecto la película se desmarca mucho de grandes titulos belicos recientes como Hasta El Último Hombre de Mel Gibson o el Soldado Ryan de Spielberg, donde su montaje ejerce un papel fundamental para confeccionar sus poderosas escenas de guerra y batalla entre soldados, aquí mas que eso, Sam Mendes se centra en una perfecta planificación para elaborar las secuencia y cuenta para ello con muchas cámaras móviles, de todo tipo, para seguir en todo momento a los protagonistas de la trama y ofrecer al espectador la experiencia digamos "survivor" en primera persona, moviendonos en todo momento con ellos.
Experimentaremos junto a estos dos jovenenes y pobres designados el horror que deja atras el paso de la guerra, sea en un lado o en el otro, el desenlace es siempre aciago y devastador para todos.
En el mezclaje ds sonido y su edicion tiene otro de sus grandes baluartes la película, junto a su banda sonora que corre a cargo del muy reconocido Thomas Newman. Dentro de la sala de cine se puede vivir esa experiencia sonora con un nivel cualitativo sobresaliente y sin querer apabullar, los momentos sonoros están muy bien escogidos y entran para reforzar las secuencias, con lo que la película consigue la mezcla perfecfa entre poderío visual y de decibelios que ofrecer al espectador, todo un espectáculo para los sentidos.

Las von Trier con su insaciable necesidad de mostrarse el más irreverente y genuino, se ve en la obligatoria posición de deconstruir y en mi opinión, logra la total destrucción del cine de género criminal, o sobre asesinos en serie. Y lo consigue, pero solo a medias.

Con The House of Jack Built, nos aporta su inagotable visión artística y bucea en el dolor y escozor, buscando la mayor provocación con su nueva obra, para lograr esa desazón y aturdimiento en el espectador.
Para ello, de igual manera nos lanza mensajes y escenas repulsivas y sanguinarias, con otros momentos mas bien cómicos y absurdos, bordeando el ridículo. En donde su protagonista solo provoca sentir verguenza ajena y repulsión hacia su triste existencia. Por mucho que trata de hacernos ver que es primorosa y casi divina.

En ese aspecto, es curioso y divertido ver como Lars von Trier parece dar palos de ciego en su búsqueda de la profunda visión filosófica de su cine, pero a la vez, no deja de sorprendernos, sea para bien o para mal, con cada nuevo visionado de sus obras, él  nunca defra y arriesga como el que más.
Maestro en trastocar conciencias y en remover nuestras neuronas, o simple y llanamente nuestros estómagos y hacernos querer maldecirle de por vida.

Takeshi Kitano esta vez nos sorprende con una de sus películas más calmadas y emotivas, aparentemente sencilla en su concepto y relización, sigue la vida de un aspirante a pintor llamado Machisu, desde sus inicios siendo un crio en el seno de una familia bien posicionada hasta sus días de madurez.
En su vida se cruzaran toda clase de amistades artísticas, musas, falsos profetas, mecenas y vendedores de arte, todos ellos cortados por el patrón más hierático y caricaturesco propio del director japonés. Comprobaremos todos sus esfuerzos y baches que tendra que afrontar para poder alcanzar su objetivo en la vida, una vida sacrificada al arte.

Aquiles y la Tortuga, recoge en mi opinión un compendio de las señas de identidad del genuino artista, salvo en esta ocasión, su faceta violenta o criminal, mostrándonos un Kitano más pausado y reflexivo.
Cuenta con un diseño de producción muy cuidado, que aporta elegancia y detalle a la ambientación, Kitano opta por una fotografía limpia, en tonos frios y que contrasta con las llamativas y locas pinturas repletas de color que pueblan el relato de Machisu.
En su estilo intimista y contenido, "Aquiles y La Tortuga" me remite al cine de otro alienigena y genial director, Aki Kaurismaki, padre de la más reciente y mejor filmografía finesa.

Una película muy interesante, de fuerte calado emocional, ya sea en su vis más cómica y ligera como en su emotivo desenlace cargado de emotividad. Las fallidas representaciones artísticas de Machisu se muestran reveladoras declaraciones del propio Kitano en sus procesos de creación en el medio audiovisual, donde siempre se las ingenia para resultar fresco e innovador.

Finalmente como todo en la vida Aquiles y todos conseguimos alcanzar esa tortuga.

Una secuencia que podría resumir la película sería la de Norah Jones apurando su pastel de arándanos mientras la cámara con un lento travelling desde el lateral de la cafetería, nos muestra su cara llena de lágrimas, con el alma herida por la infidelidad mientras, Jude Law la observa tras la barra de su café con la mirada llena de ternura.
En esta historia de relatos entrelazados, todos sus personajes sufren por el desamor, la soledad y el maltrago vivido por las interacciones pasajeras con personas afines que deambulan por el mundo.
La película cuenta con unas interpretaciones excepccionales de actores de primera línea, ahí estan los Jude Law, Rachel Weisz, Natalie Portman, David Strathairn y por supuesto la cantautora, Norah Jones. La neoyorkina aporta una candidez y naturalidad que inundan la pantalla de frescura.
Wong Kar-Wai escribe y dirige está road movie de los sentimientos, con altibajos dramáticos llenos de azucar y ternura a partes iguales donde el estilista realizador hongkones nos enseña de nuevo su peculiar visión de contar elegantes e intimistas historias de personajes solitarios con la fuerza de su poderio visual en la cámara.
Me ha encantado su brillante BSO, cargada de temas de la propia Jones y otros autores de blues y jazz americanos. Todas estas canciones llenas de clase y elegancia.

En definitiva, una muy recomendable película, introspectiva y sencilla donde un gran autor como Wong Kar-Wai nos habla de la necesidad de fricción entre personajes que necesitan curar heridas abiertas.